tomada 1

Assistam ao Making Of!

2009-11-28T19:23:00.001-02:00

Divirtam-se! =D

Por Fernanda Giotto Serpa

Trailer

2009-11-28T15:29:00.001-02:00

Assistam ao trailer do "Maldita Lei de Murphy":

Por Fernanda Giotto Serpa

Folder!

2009-11-28T02:15:00.002-02:00

Fica aí para vocês o folder do nosso curto. A data, horário e local da pré-estreia estão indicados abaixo! Tudo está pronto! Um sucesso!

Fernanda Giotto Serpa

Imagem do CD!

2009-11-27T16:47:00.002-02:00

A imagem do CD está finalizada! Deixamos por aqui para vcs verem como vai ficar a formatação! O fio branco é só para delimitar a área do CD. Ainda não imprimimos, vamos fazer isso amanhã. Finalmente tudo está acabando!

Por Fernanda Giotto Serpa

Cartaz pronto!

2009-11-25T15:05:00.005-02:00

Estamos definitivamente acabando com essa dor de cabeça. Os problemas estão sendo facilmente resolvidos e as edições estão sendo muito produtivas. O making off está pronto e a edição do curta está em sua reta final. Faltam os acabamentos que faremos na BR amanhã, junto ao técnico.

Além do cartaz e do maiing off já estão prontos a imagem que será impressa no DVD, a pasta do kit imprensa, o layout das páginas do kit imprensa, a capa do DVD e os convites. Amanhã também vamos buscar canetas e camisetas. A borda branca do cartaz não existe, é só para facilitara visualização, já que o fundo do nosso blog é preto também!

"Maldita Lei de Murphy" superou nossas expectativas. O trabalho foi difícil e até estressante, mas está valendo a pena, mesmo em se tratando dos custos envolvidos. Os nossos bolsos estão cada vez mais vazios!

Bom, a conversa hoje foi rápida. Hoje à noite temos mais edição, amanhã de manhã também e sexta também. Logo, logo estaremos com tudo na mão! Deixo uma mensagem para Tatiana Olegario: Wrawwwww...hahahahaha

Por Fernanda Giotto Serpa

Detalhes

2009-11-23T23:32:00.011-02:00

Fazer um filme é realmente uma coisa muito complicada. È preciso prestar atenção em vários
detalhes e muitas vezes só se consegue isso quando você está editando, o que tecnicamente não
ajuda muito, pois seria preciso regravar o que deu errado. Com o nosso curta tivemos esse
problema. Cometemos alguns erros de continuidade, nada grave (é o que se imagina), e o som
também apresentou falhas em algumas cenas.

Tirando esses pequenos detalhes, as coisas realmente estão caminhando de acordo com o esperado. Quinta-feira passada as cenas do Murphy (Luiz Godoy) foram gravadas no estúdio da
PUC e no sábado concluímos as gravações externas com uma cena em que o Antônio (Igor Shiota) precisa apanhar um ônibus para sua entrevista de emprego.

A animação nos créditos finais também está em processo de execução e deve ser finalizada até quinta feira. Até aqui, temos um esboço de como ficará o Murphy animado. Até o final desta semana finalizaremos o filme, o cartaz (A foto foi feita pela Mariana Alves que nos ajudou com isso) e o press kit.

*Fotos: 1.Do alto - Luiz em cena fotografado através dos monitores do estúdio; 2.Esquerda - Cenário para a cena do estúdio, com o luiz ensaiando; 3. Direita - Bonequinho do murphy para a animação.

Por Daniel Courtouke

Últimos ajustes com Murphy

2009-11-17T14:07:00.001-02:00

É a hora de darmos os últimos passos. Estamos chegando à reta final, e o dia 30 de novembro está aí. Sem choro, nem vela, este curta ficará pronto até a data marcada. Com certeza vamos precisar correr muito, mas com a ajuda de alguns integrantes da equipe tudo fica mais fácil. Dá até para relaxar sem precisar tomar floral.
Ontem tivemos o nosso ensaio com o Luiz Godoy, que está nos dando uma força incrível. Ele se dispôs a ir até a casa do Gui, sentar comigo, com a Tati, Dani e Gui num lugar um tanto quanto pequeno (sem ofensas Gui), e ensaiar as falas dele. Ficamos super satisfeitos com o resultado. O Luiz definitivamente entenda da coisa, e entendeu o que queríamos com o papel do Edward Murphy. Conversamos bastante, acertamos os últimos detalhes da gravação de quinta-feira, e tudo está fechado. Tiramos as fotos do Luiz também para fazermos a nossa animação final! Estamos na expectativa.
Hoje, entre 7:30 da manhã e 9:00 da manhã editamos uma parte do curta. Hoje, durante a noite, teremos mais uma rodada longa de edição. E Gui, você vai precisar me agüentar. Sinto muito! Hahahaha...A Tati e o Dani também vão estar presentes - como no período da manhã. Esta semana também vamos mandar fazer as canetas.
Depois da gravação de quinta-feira vamos ter a foto do cartaz (mudamos a ideia) e a foto para a pasta do presskit. Também vamos produzir os perfis. A Tatiana vai escrever sobre mim, a diretora; o Dani vai escrever sobre o Igor, o ator que faz Antonio, e eu vou escrever sobre o Luiz e sobre a Suelen, ator que faz o Murphy e a responsável pela inspiração do nosso curta, respectivamente.
E assim seja! Tudo está dando certo. Começou tarde, mas vai acabar na hora certa! Sucesso!
Obs: as fotos do ensaio vão ser colocadas depois!

Por Fernanda Giotto Serpa

John Godey e o Sequestro do Metrô

2009-11-11T23:08:00.008-02:00

O filme já saiu de cartaz dos cinemas, mas ainda vale a pena ser comentado. Não a obra, necessariamente. O autor é que chama a atenção pelos fatos curiosos que envolveram sua vida.

O Seqüestro do metrô 123, baseado no romance de John Godey estreou este ano nos cinemas e fez grande sucesso. O que poucos sabem é que já houve um filme homônimo anteriormente.

Godey nasceu em Nova Iorque e, apesar das descrições detalhistas em seu livro, não usufruiu muito dos metrôs. Além disso, o autor se chamava Morton Freedgood e escolheu o pseudônimo John Godey para diferenciar, como ele próprio definiu, suas obras sérias (que nunca foram escritas) dos thrillers ou romances policiais.

Quando ainda estava escrevendo a obra, Godey admitiu que não fazia idéia de como terminaria o romance. Dez meses depois de começado, o Seqüestro do Metrô estava pronto. Contudo, a Random House, editora que já havia publicado algumas de suas novelas, rejeitou o pedido de 5 mil dólares sobre os direitos dos originais. Godey os levou, então, à Putnam, onde conseguiu mais do que desejava.

Logo o livro se tornou um Best-Seller e, em 1973, Hollywood comprou seu argumento para fazer a primeira versão do thriller no cinema, que foi estrelada por Walter Matthau e Robert Shaw. Antes disso, a editora Dell ofereceu 450 mil dólares (aceitos, é claro) pelos direitos de uma edição de bolso.

Por Daniel Courtouke

Tomando Rumo

2009-11-09T15:30:00.002-02:00

As coisas estão definitivamente se encaminhando na produção do curta-metragem Maldita Lei de Murphy. De uns tempos para cá (estima-se que um feriado faça bem para a mente e o corpo) a carruagem começou a andar e o filme engrenou.

No último fim de semana foram feitas as primeiras gravações, com algumas alterações adicionais no roteiro. Gravamos em três locações, duas delas internas e outra externa (e muito barulhenta eu diria).

O próximo passo é fazer um monte de coisas: 1-capturar as imagens da fita para o computador; 2-gravar as cenas com o Murphy; 3- ensaiar as cenas do Murphy antes de gravar; 4-Pensar em algum tipo de floral calmante para tomar; 5-criar o trailler, os créditos, etc; 5-editar tudo isso.

O ensaio com o Luís Godoy será no meio desta semana, até quarta-feira, porque a gente grava já na quinta, pela manhã. E nós pensamos também, em uma animação para encerrar o filme. Já temos inclusive um Story Board (à moda antiga, no lápis) como base.

*Na foto à esq. Igor Shiota, no papel de Antônio. À dir. o suposto Story Board

Por Daniel Courtouke

Um bom encontro

2009-10-27T09:09:00.003-02:00

Definitivamente eu não deveria estar aqui agora! Mas vou aproveitar enquanto não tenho muitas materias para aprovar no Curitiba Agora, editar capa e ajudar meus repórteres (se bem que eles se viram muito bem sozinhos, e são muito capazes). Mas estou aqui para falar do nosso encontro com o querido Luiz Godoy.

Como identificá-lo? Um coroa charmoso, camisa pólo azul e calça jeans. Não precisamos disso tudo, ele nos identificou. "Você é a Fernanda, certo?". Certinho. "Bóra" tomar um cafézinho. O Dani e a Tati estavam comigo. Diretora, cinegrafista, roteiristas e produtora, todos unidos para conhecer um pouco mais nosso ator.

Depois de mandar o roteiro para ele no sábado, ele me ligou, durante à noite. Muito simpático, e disponível para nosso trabalho acadêmico. Conversamos durante uns 20 minutos. Falamos sobre o roteiro, sobre o perfil dele, família, faculdade, teatro, etc, etc, etc. Aliás, a neta dele quer ser nossa parceira. Está pensando em fazer Jornalismo. Se ele fizer na PUC, já tem um ator em casa para o curta do terceiro ano. Sorte dela e sorte nossa, que encontramos o Luiz.

Além dessa ajuda que ele nos dará, ele também está ensaindo uma peça sobre o Oscar Wilde - seu lado feminino e masculino. Ele falou sobre alguns trabalhos, e sobre o projeto Olho Vivo, do qual ele participou com nosso enérgico colega japonês Yuki. Ele também já se propôs a fazer o Caminho Santiago da Compostela. Ele se preparou psicologicamente, fisicamente e culturalmente para fazer a viagem. Começou a caminhar nas montanhas com seu filho, se matriculou num curso de espanhol e conheceu o teatro. Porém, uma semana antes da viagem resolveu fazer uma caminhadinha básica, só para garantir maior resistência. Se deu mal. Caiu e quebrou alguns ossos. Adeus caminho Santiago da Compostela, o espanhol ficou como bagagem, mas o teatro ficou para sempre. Dá para se dizer que a Lei de Murphy foi um fator predominante neste caso.

Luiz Godoy já sentiu na pele a Lei de Murphy, mas agora ele vai sentir na pele o que é ser Murphy. O personagem dele é Edward Murphy, que vai lançar as regras para os acontecimentos na vida de Antonio.

Mais além (depois do Curitiba Agora) mando a sinopse do nosso curta. Nosso novo curta!

Teh mais, e muito obrigada Luiz Godoy (não o chame de senhor e nem de tio/tiozinho - ele não gosta)!

Por Fernanda Giotto Serpa

No decorrer da semana...

2009-10-23T14:40:00.002-02:00

Coisas totalmente novas aconteceram na agência esta semana. Como diria nossa professora, foi praticamente um golpe de estado! Como não conseguimos uma atriz para nossa personagem, e também notei uma certa antipatia do grupo em relação ao roteiro, resolvi trazer novos ares para o nosso trabalho: um roteiro inteiramente novo!

Pois é! Trabalho arriscado, mas se for para ficar melhor acredito que valerá a pena. A idéia partiu da minha querida colega de trabalho Suelen Safiano, que escreveu um conto sobre a Lei de Murphy. Eu li e pensei, "Daria um bom curta". E é isso que vai se tornar. Vamos utilizar algumas ideias da história dela, mas acrescentar nossas próprias ideias e o alterar o final da história.

Comecei a escrever o roteiro no início da semana. O Oliver e o Daniel estão me dando uma força, acrescentando ideias e dando pitacos o tempo todo. As mudanças foram gerais: história, cenário e atores. A nossa dificuldade em achar atores terminou depois de eu ter conversado com o Luiz Godoy. O Daniel conseguiu o telefone dele, e eu entrei em contato. Ele foi muito atencioso, e está disposto a gravar conosco. Vou enviar o roteiro para ele, e esperar sua decisão. Vou encontrá-lo pessoalmente nesta próxima semana, para definirmos figurino, horários e trocar ideias.

Faremos também algumas gravações em estúdio, no dia 19/11. Sim, a data está bem apertada. Mas são cenas curtas e que poderão ser editadas diretamente na ilha e depois só embutidas no restante do curta que já estará editado e redondo. Neste fim de semana também me comprometi em fazer a logo do filme. Já estou com ideias, e também já sei como será o cartaz do filme. O cartaz só será produzido na semana que vem, pois precisamos tirar uma foto com o personagem no meio da Visconde Guarapuava, ou outra avenida movimentada. E com a logo pronta vamos mandar fazer as camisetas, canetas e brindes, e adiantar toda essa área de marketing.

As novidades são muitas e até assustadoras, mas vamos torcer para que tudo dê certo.

Por Fernanda Giotto Serpa

Adaptações

2009-10-15T14:37:00.003-03:00

Nossa equipe tem mais dois finais de semana destinados às gravações! Este fim de semana, dias 17 e 18, e no próximo, dias 24 e 25. A principal novidade é que vamos adaptar nosso roteiro, e as mudanças serão radicais. As novas adaptações agradaram a todos os integrantes da equipe, principalmente quando se trata da redução de elenco. Hehehehe...

Quanto aos detalhes que correspondem a seção de marketing ainda estão engatinhando. Algumas providências ja foram tomadas, e orçamentos feitos. O problema é que ainda não podemos dar início à produção do cartaz, já que não finalizamos as gravações e não temos a imagem da cena necessária. Surgiram ideias para a logo do filme, mas com essa nova adapatação acredito que a logo também vai mudar.

Bom, esperem para ver. As novas ideias serão colocadas em prática este fim de semana. Volto para contar como foi!

Até!

Fernanda Giotto Serpa

2º dia de gravação

2009-10-04T20:09:00.001-03:00

Nesse segundo dia, não tínhamos muita coisa para fazer (uma vez que AINDA não conseguimos os atores). Gravamos só as imagens que faltaram gravar na semana passada devido à falta de bateria da câmera.

A gravação não começou muito cedo. O pessoal começou a chegar à locação por volta das 10h... O Daniel, o Guilherme e o Igor iniciaram a gravação mesmo estando só eles três. Afinal, não temos mais tempo a perder, todo minuto é sagrado. Eu cheguei por volta das 11h... 11h20. Almoçamos e ficamos esperando o resto o Oliver chegar (ele tinha compromissos no período da manhã e já estava combinada essa divisão de personagens de acordo com o turno). Depois que o Oliver e a Fernanda chegaram, retomamos as gravações. Terminamos todas as imagens que estavam faltando. Está ficando muito legal! O Oliver e o Igor estão fazendo um trabalho bem legal como atores e o Daniel mandando muito bem com a câmera. Em algumas cenas nós tivemos que improvisar bastante para que ficasse do jeitinho que tínhamos imaginado inicialmente...

No próximo fim de semana não vai haver gravação. É feriado e muita gente vai viajar... Incluindo os atores do grupo e o cinegrafista! Espero que a gente consiga os atores ainda nessa semana e que eles possam fazer com a gente os preparativos todos no fim de semana do feriado... Assim, no fim de semana do dia 17 estaríamos suuuper prontos! =)

Por enquanto, sem fotos ou vídeos! Quando o Daniel passar para o computador, atualizo aqui!

Por

Tatiana Olegario da Silva

Primeiro dia de gravação

2009-09-28T15:52:00.005-03:00

Esse fim de semana foi o primeiro dia de gravação do nosso curta-metragem. Como eu já imaginava, deu um trabalhão. Algumas coisas conseguiram dificultar ainda mais as coisas. Primeiro: ainda não temos todos os atores. Com isso, tivemos que escolher as cenas para gravar... Tudo teve que se resumir ao porteiro e ao garoto. Para a semana que vem, a gente PRECISA estar com os atores. Em último caso, me ofereci para ser a empregada... afinal, se está difícil encontrar 2 atores, imagina 3!

Mesmo sendo “poucas” cenas, não conseguimos gravar tudo o que era possível. A câmera só veio com duas baterias... e elas não agüentaram o tempo que a gente precisava. Apesar desses problemas pequenos, a gravação foi ótima. Achei que o grupo rendeu de uma forma geral... todo mundo colaborou um pouco.

O nosso objetivo inicial era gravar todo o filme em 2 fins de semana (leiam-se, sábados – uma vez que a Pontifícia não empresta material para o fim de semana todo). Mas pelo visto, não vai rolar! Veremos como as coisas acontecem...

Aqui vão algumas fotos do making of da gravação:

Daniel e Tatiana durante filmagem na portaria.

Fernanda entre muitas das suas anotações...

Os atores, Oliver e Igor, em um momento de descontração.

Vocês não imaginam os vídeos que estão por vir... ;)

Por Tatiana Olegario da Silva

Primeiro Dia

2009-09-28T15:17:00.013-03:00

No sábado, dia 26/09, tivemos nosso primeiro dia de gravação. A reunião do grupo na casa do Dani ficou marcada para 9 horas da manhã, mas a maioria do pessoal começou a chegar a partir das 10 horas. E assim começamos o nosso trabalho. As cenas filmadas foram aquelas que envolveram apenas os personagens do Oliver e do Igor, respectivamente João Henrique e Francisco.
Logo no começo da gravação tomamos um susto: chuva! Praticamente todas as cenas que precisávamos gravar eram externas. Com a chuva seria muito complicado fazer um bom trabalho. Primeiro que haveria muita influencia do som, do barulho da chuva. Segundo que manter os personagens secos, ou o menos molhado possível não seria fácil. Terceiro que câmera e água não combinam. Caso acontecesse alguma coisa com a câmera o prejuízo seria grande. Até que ponto arriscar?
Por nossa sorte (os céus intercederam por nós) a chuva simplesmente parou e o resto do nosso dia foi iluminado pelo sol. Sol, calor, suor... hahahaha. O Daniel, como já foi falado, tomou a posição de cinegrafista; eu, Fernanda Serpa, dirigi; Tatiana e Giselle produziram os personagens (alguma maquiagem leve, figurinos, cenário); Douglas e Mariana ajudaram com o som e também com a produção de cenário.
A nossa preocupação é principalmente com o movimento do filme. Talvez (já que a professora fala tanto de referências) o Experimentalismo Soviético tem uma grande parcela de culpa nisso. A montagem será a base do nosso curta. Estamos filmando vários takes da mesma cena, com ângulos e movimento de câmera diferentes. Queremos dar movimento à história. Acredito que no final das gravações serão poucos os planos-sequência no nosso curta.

A edição das imagens vai também seguir a trilha sonora do curta – imagem e som sincronizados com a intenção de manter essa ideia de movimento para prender a atenção do espectador. Eu sempre valorizo muito a questão da trilha sonora, é uma característica que geralmente me faz criar alguma relação com o filme. Às vezes, se eu gosto da trilha, eu automaticamente simpatizo e mantenho aquele filme na memória. A princípio, nosso filme vai usar as músicas do Pink Floyd, que usa bastante o instrumental. Até consigo imaginar!
Enfim, as gravações ocorreram das 10 da manhã até às 14 horas, e só não foi adiante porque tivemos problemas técnicos. As duas baterias acabaram. No meio da semana o Oliver e o Daniel vão gravar as cenas que faltaram ser finalizadas neste sábado, e no próximo fim de semana vamos dar continuidade às outras cenas. Acredito que seja isso. Beijos e abraços, e até a próxima...

Veja mais fotos:

Por Fernanda Giotto Serpa

Jogo Rápido

2009-09-24T08:15:00.000-03:00

A gravação do nosso curta começa este fim de semana. As cenas gravadas já estão listadas, e vão envolver os personagens João Henrique e Francisco. O figurino é responsabilidade do Douglas e da Mariana, que estão fechando tudo para a gravação de sábado.
Quem cuidará da continuidade será a Tatiana. A Giselle será responsável por atender os atores, e fazer as fotos para o making off. Igor e Oliver vão atuar, Daniel vai filmar e eu vou dirigir. Que assim seja!
A Giselle também vai comprar a mini-dv (muito importante!) e o Daniel vai pegar a câmera (muito importante também!). O nosso ponto de encontro será a casa do Daniel, que também será o nosso cenário. Tudo vai acontecer em frente ao seu o prédio, e no seu apartamento. Os mistérios que “A Caixa” traz serão resolvidos ali.
Desejem boa sorte na gravação. Ainda estou um pouco preocupada com o andamento das coisas. Mas espero que dê tudo certo. Aliás, já estamos providenciando o local pra nossa pré-estreia. O Igor já está correndo atrás e mostrando serviço.
Até mais!

Por Fernanda Giotto Serpa

Baseado em um livro: Como todos

2009-09-21T23:00:00.004-03:00

Não sei se foi sempre assim, mas hoje é difícil pensar em um filme que não tenha se baseado em um livro. O Leitor, Mandela, O curioso caso de Benjamin Button (vá lá, não é exatamente um livro), Anjos e Demônios (e sei irmão Código Da Vinci), Harry Potter, a trilogia Senhor dos Anéis e por aí vai.
O Sequestro do Metrô 1 2 3 também é desse "gênero" de produções. O livro que originou o longa é da autoria de John Godey, lançado em 1973 nos Estados Unidos. Estrelado por Denzel Washington, no papel de um controlador de tráfego no metrô de Nova Iorque, e John Travolta, como o bandido ganancioso que pretende arrombar os cofres públicos da cidade sequestrando um bocado de gente à bordo do coletivo, o filme é repleto de jogos de luz e câmera, que com uma edição fantástica o tornam atrativo, deixando o espectador sempre atento e, de certa forma, torcendo para que o desfecho seja feliz para o lado do "bem". Bem e mal são duas coisas tratadas com excelência na história. Quem é o cara bom, quem é o ruim? Você faz uma coisa errada, mas ela realmente é tão deplorável quanto o julgamento que você recebe das outras pessoas?
Vale a pena assistir, pela atuação, edição e pelo fato de propor uma reflexão sobre caráter e honestidade.

por Daniel Courtouke dos Santos

Mais um show da Pixar!

2009-09-15T22:36:00.001-03:00

A Pixar nunca decepciona. Isso já está virando regra. Toy Story, Vida de Inseto, Monstros S.A. (um dos meus preferidos), Procurando Nemo, Os Incríveis, Carros, Ratatouille, Wall-E e agora Up – Altas Aventuras. O cinema de domingo com certeza valeu muito a pena. Pagar um pouco mais para assistir a animação em 3D foi mais satisfatório ainda. E a companhia também não foi de toda ruim! Hahaha... Brincadeira!
Up – Altas Aventuras conta uma história incomum. Um velho e uma criança como protagonistas. Uma casa voadora. A inserção de um personagem de Arthur Conan Doyle. E muita emoção. Tudo começa com uma tocante história de amor, que se inicia quando Carl Fredricksen e sua esposa ainda são crianças. Vemos a relação entre eles nascer e amadurecer, até eles se tornarem um casal de verdade. Mas tudo acaba quando sua mulher, já velhinha, adoece e deixa Carl Fredricksen sozinho no mundo.
Mas é aí que aparece o irresistível Russell, o escoteiro de 8 anos que é simplesmente a criança mais fofa do mundo das animações depois da Boo dos Monstros S.A. Ele só precisa ajudar um velhinho para ganhar o título de grande escoteiro. Digamos que Carl Fredricksen não é o senhor mais simpático do mundo e também não está disposto a ajudar esse pequeno menino.
Quando está para ser mandado para um asilo Carl tem a brilhante ideia de voar com sua casa até o lugar onde sua esposa sempre desejou ir. Eis q milhões de balões são lançados para o céu e a casa levanta voa. O imprevisto? O menino Russell ficou na varanda da casa. Agora, esses dois personagens vão precisar se entender para passar juntos por altas aventuras. Sem falar nos cachorros falantes que nos divertem com o cone da vergonha.
Como sempre a Pixar impressiona. Impressiona principalmente na sensibilidade da história. Você tem vontade de chorar com Carl quando ele sente falta da esposa. Você sente vontade de abraçar e espremer Russell cada vez que ele demonstra toda sua inocência infantil. Você tem vontade de encher balões e sair voando por aí. Mas como todos sabemos, isso não dá certo!

Por Fernanda Giotto Serpa

Depois de um tempo...

2009-09-12T13:52:00.003-03:00

As coisas precisam voltar a funcionar neste blog. Então vou repassar o que tem acontecido na nossa agência nestas três semanas que permanecemos ausentes. O nosso primeiro argumento, que contava com o personagem Johnny, caiu! As coisas começaram a ficar complicadas, tudo muito previsível e resolvemos mudar.
O novo roteiro começa com o aparecimento de uma caixa em frente a um prédio. Essa caixa vai passar pelas mãos de todos os personagens do curta: João Henrique, Marisa, Julia, Rodrigo e o mendigo.
João Henrique tem 20 anos, mas a maturidade não acompanha a idade. As atitudes lembram mais a cabeça de um moleque adolescente. Leva a vida com a barriga. Faz faculdade, mas só estuda quando precisa, isto é, no quarto bimestre quando a água já está batendo no pescoço. Gosta de sair com os amigos, que tem a mesma infantilidade de João. E ignora a presença dos pais, que não tem controle nenhum sobre o filho. Filho típico da modernidade dos dias atuais.
Marisa é mãe de João. Já passou dos 40, e tem uma vida profissional resolvida – é uma médica renomada. Também se dá muito bem com o marido, mas o filho é responsável pelas suas dores de cabeça. Como ela passa muito tempo fora de casa, trabalhando, ela não tem controle das atividades de filho, e nem existe confiança entre os dois para que ele conte tudo de livre e espontânea vontade. No passado, ela teve problemas de relacionamentos com o pai, e não quer que o filho encontre dificuldades dentro da família como aconteceu com ela.
Se você quiser saber mais sobre os outros personagens aguardem as próximas postagens, e prometo q não vai demorar mais um mês para eu aparecer por aqui. Voltando ao roteiro, a história vai acontecer em torno das emoções que a caixa provoca nas pessoas, quando elas abrem a tampa. Cada um reage de maneira diferente ao conteúdo da caixa, mas por quê? Isso você só vai saber depois de pronto...
Enfim, nessas últimas semanas a equipe trabalhou no roteiro e no cronograma das nossas atividades. O grande problema agora é a produção do filme, que vai precisar se desenvolver em um curto espaço de tempo. Mas espero que dê tudo certo. Estou confiante.
Amanhã é dia de cinema com uma parte da equipe da agência tomada1. Tatiana, Daniel, Guilherme, eu e meu irmão vamos assistir “UP – Altas Aventuras”, em 3D. Boas companhias, e um bom filme. Acredito que vai valer a pena assistir essa animação. Cinco ovinhos no Omelete! Hahahah...
Ainda esse final de semana, se der tempo, vou assistir Duplicidade, com Julia Roberts e Clive Owen; e Garoto Nota 10, com James McAvoy. E quem sabe alguns episódios de Supernatural. Aiaiaia...haja tempo!

Por Fernanda Giotto Serpa

Repensando...

2009-08-19T21:12:00.002-03:00

Esse negócio de pensar em argumento, escrever roteiro, começar a preparar o marketing do curta e ainda não esquecer que temos que gravar tudo isso é realmente complicado. A professora Celina gosta de nos dar algo para quebrar a cabeça e realmente pensar. O fato é que é impossível fazer tudo isso "nas coxas", não que a gente tenha levantado a hipótese de fazer de qualquer jeito! Hoje vou apresentar um dos prováveis personagens da nossa trama, mas antes vou explicar a quantas anda o argumento!
Bom, nosso argumento começou com a ideia do Oliver, baseado num episódio do seriado "Além da Imaginação". A história original é sobre alguns personagens que conversam num bar, e levantam a suspeita de que existem ETs na cidade, pois ficaram sabendo que uma nave foi encontrada por ali. O episódio mostra a discussão entre eles e os argumentos que eles usam para defender suas teorias, até que no final sabemos se a história era real ou não de uma maneira bem surpreendente.
O nosso argumento trata de dúvidas e suspense, mas a história é totalmente outra. Não vou revelar aqui, afinal ainda não definimos o roteiro e o nosso argumento já sofreu várias modificações. O Oliver deu a ideia e eu incrementei com ambientação e personagens. Porém, não ficamos com essa versão. O Oliver escreveu uma nova ideia – basicamente com os mesmos fatos principais, enquanto o restante do grupo ia soltando detalhes que poderiam tornar a trama mais interessante e fomos agregando isso à história.
Agora eu estou reescrevendo o argumento mais uma vez, com mais detalhes e definindo quem são exatamente nossos personagens. Um deles talvez seja Johnny. Se você quiser conhecê-lo um pouco mais fique a vontade:

Ø Johnny: é filho da típica mãe que pinta as longas unhas de rosa Pink e acha Bill Clinton o máximo, mesmo não sabendo quem ele é e achando que ele fez um desses filmes estilo Steven Seagal. Mas enfim, é o nome que ela acha legal. Sendo assim, ela investiu no nome do filho, e só não o chamou de Bill porque a vizinha invejosa já havia colocado no seu filho. Johnny para ela é tão legal quanto Bill. Ele é filho único, e agora tem seus 24 anos. Ainda convive com algumas espinhas, e mesmo que a mãe implore, é raro ele fazer a barba. Teve poucas namoradas, mas sempre gostou mais de ficar em casa assistindo comédias românticas dubladas com a mamãe. Não conheceu seu pai, já que ele morreu num trágico acidente de carro meses depois de Johnny ter nascido. A mãe nunca mais se apaixonou, e viveu para o filho. A figura paterna foi fortemente representada pelo seu avô, que sempre cobrou muito dos estudos e o fez trabalhar cedo para dar valor ao dinheiro que tinha. Mora há pouco tempo em Justiça, e pela primeira vez ficou longe da sua família. Há tempos não tem notícias de sua mãe e de seu avô, mas levou a sério o bico de garçom que conseguiu na nova cidade.

Não é nada definitivo. Talvez Johnny nem chegue a existir, caso a gente encontre um perfil mais adequado para o personagem. Talvez ele seja o principal, ou somente um figurante. Mas enfim, nas nossas cabeças ele é de carne e osso. A busca por um argumento que renda um bom roteiro continua. Espero que dessa vez a gente acerte no ponto!

Por Fernanda Giotto Serpa

Vídeos Imperdíveis

2009-08-14T20:54:00.004-03:00

Impossível não rir e admirar esses caras! As imitações são tão perfeitas que parece até um playback muito bem feito. Mas não! Eles tem o tal dom de imitar e o usam muito bem. O primeiro vídeo é uma imitação perfeito de Nicolas Cage. O segundo imita a voz que faz as narrações nos trailers em inglês. O terceiro traz Al Pacino. E o última mostra Kevin Spacey imitando celebridades. Eastwood e Marlon Brando parecem que estão ali em pessoa!

Por Fernanda Giotto Serpa

Without a Trace

2009-08-12T09:38:00.002-03:00

Já que falei de CSI em post anterior, hoje vou falar de Without a Trace, conhecido como Desaparecidos aqui no Brasil. O produtor desta série é Jerry Bruckheimer, o mesmo diretor do filme Armaggedon e também do seriado já citado, CSI. Without a Trace chegou a sua sétima temporada e precisou ficar por aí, já que os custos para sua “manutenção” eram um tanto quanto extravagantes.
O seriado é baseado no Esquadrão de Pessoas Desaparecidas do FBI em Nova York. Em cada capítulo eles precisam desvendar o desaparecimento de alguém, começando sempre por uma foto da pessoa. A partir daí eles tentam descobrir os seus últimos passos, relacionamentos, rotina, atividades, etc. Fazem entrevistas com conhecidos e pessoas que podem ter passado eventualmente pela história do desaparecido. Eles tentam descobrir quem é essa pessoa, e fazer conexões para tentar entendê-la: descobrir quem é a vítima para saber onde ela está. Elas podem ter sido seqüestradas, assassinadas, cometeram suicídio ou simplesmente fugiram.
Quem comanda tudo isso é Jack Malone, representado por Anthony LaPaglia, que ganhou um Globo de Ouro pela sua atuação na série. Sua equipe é formada por Samantha Spade (Poppy Montgomery), a linda jovem que tem um caso com seu chefe; Vivian Johnson (Marianne Jean-Baptiste), a mãe de família que demonstra um grande equilíbrio e seriedade no trabalho; Danny Taylor (Enrique Murciano), que teve uma vida difícil nas ruas, mas conseguiu se levantar e tornar-se agente do FBI; e Martin Fitzgerald (Eric Close), que tem um pai com influencia na política, mas sempre tenta mostrar os seus próprios valores sem se aproveitar disso.
As buscas pelas pessoas nem seguem o protocolo. O grupo muitas vezes erra, e por segundos não conseguem salvar suas vítimas. Em meio ao drama do trabalho, o seriado apresenta os dramas particulares de cada pessoa que faz parte da série. Aos poucos o espectador entende as atitudes dos personagens em relação aos casos já vistos, mostrando cenas do passado e problemas que passaram.
Diferente de CSI, Without a Trace não trabalha com os aspectos puramente técnicos para desvendar seus casos, mas sim o fator psicológico. Tudo o que eles precisam está na cabeça dos suspeitos e das pessoas que conviveram com a vítima. Qualquer pequeno detalhe pode solucionar um caso.

Por Fernanda Giotto Serpa

Crepúsculo: livro e filme

2009-08-10T09:21:00.008-03:00

Assisto de tudo e leio de tudo. Esse é o ponto principal. Já li Harry Potter, Senhor dos Aneis e Crônicas de Nárnia. Assim como li (e gostei) Ensaio Sobre a Cegueira, o Alquimista (desse eu definitivamente não gostei), a coleção Ramsés, Todos os Homens do Presidente, etc, etc, etc. Acho que o que falta, de vez em quando, é um pouco de livros mais teóricos e “universitários”. Mas enfim, dessa vez foi a vez do tal Crepúsculo. A famosa obra de Stephenie Meyer. Li o livro e assisti ao filme.
Eu sempre prefiro ler um livro e depois assistir à adaptação. Acho que quando vemos o filme antes, nossa imaginação fica muito concentrada naquilo que já vimos e perdemos muito na hora de criarmos as coisas do livro enquanto lemos. E o que é mais interessante na leitura (quando ela é boa) é nos jogarmos na história e realmente vivermos aquilo na nossa cabeça, imaginarmos cada detalhe, cada personagem, criando uma fisionomia para eles, dando foram aos lugares, detalhes às expressões – cada um pensa e cria do seu jeito. E foi bem difícil com Crepúsculo, pois a ideia sempre caia nos atores Kristen Stewart e Robert Pattinson.
Contando a história rapidinho aqui, de maneira bem sintetizada. Bella Swan vai morar com seu pai, na chuvosa cidade de Forks – o lugar onde mais chove nos EUA. Lá ela chama a atenção de todas, pois numa cidade com um pouco mais de 3 mil habitantes qualquer cara nova já vira celebridade. E também conhece os Cullan, os misteriosos Cullan. Entre eles está Edward, que é o que mais chama sua atenção. Num primeiro momento, a impressão que Bella tem é que ele sente raiva dela, mas aos poucos eles se aproximam e ela começa a entender os mistérios que envolvem essa estranha família na cidade de Forks. Eles são vampiros. Bella se envolve num amor puro, infinito e verdadeiro pelo rapaz – e sim, é recíproco.
Pois bem, acredito que o livro é muito vazio em sua narração. É como se não tivesse profundidade suficiente nos personagens e na história. A maior parte deste primeiro livro é destinado às indagações “Edward gosta ou não gosta de mim?” do personagem de Bella Swan. E depois que eles se conhecem vai mais um bom pedaço no “eu te amo por toda a eternidade”. Tadinho do Edward, eternidade acho que é muito para ele, provavelmente ele vai ficar bem entediado depois de um tempo.
E o filme mostra isso, quando cenas são adicionadas ao roteiro para dar movimento ao filme. Como a morte dos moradores da cidade. Afinal, a trama só começa a esquentar mesmo no final do livro, quando os vampiros maus entram na história – e se resolve tão rápido que nem vemos muita emoção nessa última parte. O que não vi no filme também foi a mais forte característica de Bella, que sempre foi tão exposta no livro, a parte em que ela é toda desajeitada. Alguns “flashs” até mostram isso, mas se você não lê o livro, você não consegue distinguir essa “capacidade” da personagem de sempre estar encontrando problemas.
O que também decepciona no filme é a tal da beleza estonteante dos vampiros, da família Cullen. No livro as qualidades destinadas ao físico dos monstrinhos deixam claro que eles são simplesmente divinos. Infelizmente no filme os atores me parecem bem comuns. Inclusive, o irmão de Edward, Jasper, parece mais o Edward Mãos de Tesoura com aqueles olhos estranhamente parados o tempo todo durante o filme. Stephenie Meyer tinha um bom senso mais aguçado, por assim dizer, e acredito que a sua ideia de elenco era muito mais atrativa. Caso você não conheça, dá uma procurada no Google e vê se eu não tenho razão. Ela imaginava Emily Browning como Bella Swan, Henry Cavill como Edward Cullen, Charlie Hunnam como Carlisle Cullen, Mary-Louise Parker como Esme Cullen, Rachael Leigh Cook como Alice Cullen, Trent Ford como Jasper Hale, Tom Welling como Emmett Cullen e Olivia Wilde como Rosalie Hale.
E sério, vai por mim, Edward cansa! Muito perfeito, muito inteligente, bonito, protetor, amável, forte, e blá blá blá. Brad Pitt é pó perto dele! Hahaha... Essa ideia da perfeição do personagem também torra a paciência em alguns momentos, principalmente no livro, onde essa “babação de ovo” é mais evidente.
O filme em si segue basicamente o que está no livro, afinal, não há muito para contar. Os efeitos especiais são medianos e a maquiagem segue a risca o que está no livro. É muito pó de arroz naqueles rostinhos. Eles são brancos mesmo, literalmente.
Não dá para dizer que Stephenie Meyer não sabe escrever, isso seria mentira. Afinal foram milhões de cópias vendidas e uma bilheteria razoável nos cinemas. Mesmo que o público-alvo seja mais adolescente vale a pena conferir a obra dela. Como um passatempo de domingo foi ótimo para mim. E tenho que confessar, em algumas partes do livro ela consegue fazer você sentir vontade de saber o que vem depois – o que é o objetivo do escritor, prender o leitor em sua obra.

Por Fernanda Giotto Serpa

Valsando

2009-08-08T17:21:00.003-03:00

Tenho a honra de apresentar a 100ª postagem do nosso blog, e vem com um ótimo filme. Tenho que concordar com as palavras do dono da locadora onde eu pego filmes. “Valsa com Bashir” é um P*** filme. Na verdade é um documentário em forma de animação, pode-se dizer que é até surrealista, mas não deixa de transpor para a tela a verdadeira realidade da Primeira Guerra do Líbano. A sombra, pesando na cor preta, a mistura do 2D e 3D e as cores predominantes em cada cena, como o alaranjado e o azulado, mostram o verdadeiro ambiente de tragédia.
O mais estranho é que quando pensamos em documentário e animação eles parecem totalmente opostos. O documentário sempre vem com a missão de transmitir realidade, veracidade. Enquanto a animação parece encobrir isso, e mudar a maneira como vemos as coisas. Mas Ari Folman conseguiu encaixar muito bem essas duas vertentes e passar uma mensagem de guerra com muita realidade.
O diretor e roteirista Ari Folman é o personagem principal do filme. No começo do filme ele conversa com um amigo num bar, que lhe conta um sonho que tem repetidas vezes, e que o remetem ao tempo em que serviram no exército de Israel. Ele conta que no sonho 26 cães furiosos o perseguem e ele reconhece cada um. A estratégia militar da época era, primeiramente, matar os cães, pois muitas vezes eles alertavam a sua presença. Seu amigo matou 26 deles!
Até que Folman começa a perseguir suas lembranças, que parecem apenas ilusões. Ele esteve lá, mas depois de tudo o que viu era mais fácil ausentar-se e ver tudo o que aconteceu como se estive atrás de uma câmera, protegido, apenas vendo tudo de longe. E assim ele vai atrás de pessoas que estiveram lá com ele, e elas alimentam suas lembranças, trazendo todos os episódios à tona e fazendo-o se posicionar de uma maneira diferente – colocando-se novamente no meio da guerra e de todos os horrores que ela proporcionou.
Os depoimentos são em forma de entrevista. Desde militares, até um jornalista que cobriu a situação. Vemos os personagens sentados nas cadeiras e contando aquilo que viveram. O formato em desenho não consegue mascarar a realidade das histórias e dos momentos. Uma parte de vital importância é quando chegamos aos dias 15 e 16 de setembro de 1982, quando o massacre aconteceu.
Bashir, líder dos falangistas cristãos, foi assassinado – e esse foi o estopim para os seus seguidores seguirem com o massacre de milhares de refugiados palestinos em Sabra e Shatila. Crianças, mulheres, idosos, e os homens. A crítica de Folman é sobre a passividade e a conivência do Exército de Israel para com a situação. E claro, a auto-avaliação, afinal ele esteve lá, ele também foi conivente, e ele não tinha memória dos acontecimentos.
O impacto, o “gran finale”, é quando não vemos mais animação, quando não existe mais o desenho. São as imagens de verdade, rostos de pessoas, desespero das mulheres, corpos empilhados, e a criança de cabelos cacheados no meio dos escombros.

Por Fernanda Giotto Serpa

Uma Maravilha!

2009-08-06T09:43:00.013-03:00

Quando li o título do texto da Samantha no blog da InQuadro pensei que ela fosse falar sobre o novo filme do Tim Burton – Alice no País das Maravilhas. Pois bem, o texto não falava sobre o filme, mas resolvi começar o meu post com isso.
Não é novidade que tudo o que vem de Tim Burton tem algo de incomum. Seus filmes são provas disso. Talvez seja resquícios da infância, quando Burton lia livros de Edgar Allan Poe, e assistia filmes de terror de segunda categoria. Ele diz que sempre teve uma imaginação fértil (não duvido), e que tem o costume de mergulhar em seus pensamentos. Alice no País das Maravilhas é mais uma obra cheia de requintes.
A estética, o estilo, as cores, enfim, o visual do filme não vai longe do que vimos recentemente em Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet. Nas imagens o que se percebe no filme de Alice, o doce conto de crianças, é um ambiente sombrio. A história começa quando Alice, com 17 anos, está prestes a ser pedida em casamento numa festa para toda a sociedade. Quando menos se espera Alice foge. Ela passa a seguir um coelho branco e vai parar no País das Maravilhas, um lugar que ela já havia visitado anos antes, mas simplesmente não se lembrava.
Outros filmes como Edward Mãos de Tesoura, A Noiva Cadáver, A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça, A Fantástica Fábrica de Chocolate e até Peixe Grande, contam com esse ar aterrorizante de Tim Burton. Particularmente, gosto de todos os filmes acima citados, mesmo que Edward Mãos de Tesoura seja um clássico da Sessão da Tarde.
O que se nota é a presença, quase que constante, de Johnny Depp nos filmes de Burton. Ele já trabalhou em sete filmes de Burton, sendo que Alice é a oitava. Ele vai viver o Chapeleiro Louco no filme. Sem falar que já tem um nono projeto em vista. Tim pretende adaptar o seriado sobrenatural Dark Shadows para o cinema, e Depp já está intimado a participar da adaptação. Mas isso só depois que Alice estiver concluído. Aliás, a estreia do filme está marcada para 5 de março de 2010. Tem tempo ainda...
A história não é segredo para ninguém. Acredito que a maioria das crianças (hoje já não tão crianças assim) assistia aos filmes da Disney, ou assiste até hoje. Afinal, sempre é bom reviver os clássicos. Esses dias atrás mesmo eu peguei Rei Leão. O que vai valer a pena neste filme é a estética, que vai misturar atores reais com animações com captura de movimento e computação gráfica. Quem pode pagar por um 3D, prepare-se, o filme vai ter sua versão tridimensional!
O elenco conta com, além de Johnny Depp, Mia Wasikowska (que viverá Alice), Alan Rickman, Matt Lucas, Anne Hathaway, Michael Sheen, Crispin Glover, Christopher Lee e Eleanor Tomlinson. Assista abaixo o trailer do filme, e aguarde com ansiedade...

Por Fernanda Giotto Serpa

Crime Scene Investigation

2009-08-04T10:32:00.003-03:00

O primeiro passo para a produção do nosso curta é desenvolver um argumento. Oliver Kovacevich, mais conhecido como Lilinho, já teve uma boa ideia. Vamos aprimorar e trabalhar esse argumento para apresentar para a professora Celina Alvetti na segunda-feira. Não vou transcrever a ideia aqui no blog, por enquanto. Quando a ideia estiver mais madura, quem sabe algo não aparece por aqui. O jeito é esperar e pagar pra ver.
Depois de House, Bones e Without a Trace, agora é a vez de CSI – Las Vegas. Tiro o chapéu para a qualidade de produção dos seriados americanos. CSI significa Crime Scene Investigation. Os chamados CSIs resolvem crimes nada peculiares baseados em técnicas forenses. Detalhes mínimos, pequenas partículas, digitais, DNA e várias outras evidências são o foco desses detetives.
Cada episódio tem-se um crime ou mais para ser solucionado. Desaparecimento, assassinatos, roubo, enfim – qualquer tipo de crime. Além das tramas pessoais, que envolvem todos da equipe. A equipe em CSI – Las Vegas é comandada por Gil Grissom (Willian Petersen). Ele é supervisor da equipe noturna. Ele é entomologista, especialista na área de insetos. Catherine Willows (Marg Helgenberger) é analista de marcas de sangue. Ela tem uma filha, e seu trabalho está sempre em conflito com a sua relação com a menina, já que ela não tem tempo de se dedicar à maternidade.
Warrick Brown (Gary Dourdan) é analista de audiovisuais. O caso dele é um pouco mais complicado. Ele é viciado em jogo. Morando em Las Vegas as coisas ficam mais difíceis ainda. Logo no primeiro episódio, a iniciante Holly Gribbs morre numa cena de crime, pois ele a deixa sozinho para ir jogar. Ele quase perde seu emprego. Warrick tem grande apoio do Gil Grissom.
Nick Stokes (George Eads) é analista de fibras. Faz o tipo machão bonitão, mas geralmente acaba se envolvendo mais nos casos do que os outros colegas. Como foi o caso da prostituta, com a qual ele se envolve emocionalmente e depois é assassinada. Sara Sidle (Jorja Fox) é analista de materiais e elementos. Aparentemente rabugenta, ela tem sangue frio para resolver os casos.
Durante as temporadas vamos conhecendo melhor sobre os principais personagens da série. Aspectos importantes de suas vidas vão sendo expostos ao público, o que ajuda para entender certas atitudes e traços de personalidade. Como estou na primeira temporada ainda não posso ir mais além. E não estou a fim de ler sobre a série e descobrir coisas que vão aparecer nas próximas temporadas. Perde toda a emoção da coisa.
Além do CSI – Las Vegas, também existe o New York e o Miami, porém com menor aceitação do público. CSI – Las Vegas chegou em sua nona temporada, e está se preparando para chegar na décima. O negócio deu certo!
Fique aí com a música de abertura do CSI: Who are you? - The Who! Muito boa!!!

Por Fernanda Giotto Serpa

Uma boa comédia idiota!

2009-08-03T20:36:00.003-03:00

Comédias idiotas fazem bem de vez em quando. Quem aqui não riu com “American Pie” (até o terceiro filme da série, o quarto e o quinto são ridiculamente idiotas – passam do ponto)? Ou “Todo Mundo em Pânico”? Ou ainda Borat (confesso que não gostei, mas a maioria acha engraçado e esse filme é muito idiota)?
“Sex Drive” não foge da fórmula dos filmes adolescentes sobre a virgindade. Muita conotação sexual, palavrões, contextos absurdos e um cara muito idiota envolvido no meio. O filme já começa com uma apresentação propositalmente tosca dos roteiristas do filme. Um diálogo montado e (mais uma vez) propositalmente mal ensaiado. Eles avisam que o filme não tem pudor nenhum, e já nessa apresentação isso é facilmente perceptível quando peitos e genitais começam a aparecer na telinha, que acaba gerando certo desconforto para quem assiste, mas no final resta dar risada. Durante o filme, mulheres nuas ficam aparecendo esporadicamente na tela. Idiota também.
No filme o cara idiota é representado por um menino, com 18 anos, virgem. O nome inexperiente é Ian Lafferty (Josh Zuckerman). Ele é atormentado pelo irmão mais velho e amigos por nunca ter transado com ninguém. Nada mais comum do que inventar um perfil falso num site de relacionamento e passar a conversa nas meninas.
Além disso, ele trabalha vestido numa fantasia de rosquinha dentro de um shopping. Mais piadas! O irmão mais velho, representado por James Marsden (Ciclope do X-Men), é um garanhão e que só ajuda a acabar com o moral do irmão. Ele também é dono do carrão que vai levar Ian por uma louca viagem atrás da linda mulher que ele conheceu na Internet, e que vai tirar a sua virgindade.
O ponto do filme que foge dos conhecidos estereótipos é a representação do todo poderoso, do garanhão da escola. Lance, representado por Clark Duke, aparentemente faz o estilo nerd idiota. Baixinho, gordinho, óculos – estilo “mamãe me vestiu”. Ele é o melhor amigo de Ian – o loser – pega as melhores meninas, e sabe muito sobre vida sexual ativa.
Outro que merece atenção é Seth Green, que faz o papel de um amish, e deixa o público sem entender se ele é um cara amável, ou se é violento. Ezekiel é o seu nome no filme, e é aparentemente caipira e obsoleto. Quando ele abre a boca mostra que entende tudo de tecnologia, e tira os meninos de algumas enrascadas com o carro do irmão mais velho de Ian. Mas claro, que por algo em troca.
Além disso, tem a melhor amiga. Felicia (Amanda Crew) anda com os dois meninos, e segue junto nessa aventura. Tenho que concordar que a situação é bem absurda. Três adolescentes, dentro de um carro, viajando pelo EUA, sem mais nem menos. Mas mais absurdas ainda são as situações que eles se metem. Enfim, ela gosta de alguém, que não gosta dela, e outro alguém gosta dela, mas ela não gosta dele. Típica confusão adolescente. Apesar de o filme estar recheado de besteiras, ele também tem um lado romântico, verdadeiramente meigo e sem segundas intenções.
Mas na essência “Sex Drive” é o tipo de filme para não pensar. Óbvio! Apenas assista, ache idiota e dê boas risadas.

Por Fernanda Giotto Serpa

Cinemark: preço salgadinho

2009-08-01T18:23:00.005-03:00

Hoje vou falar sobre a entrevista que o presidente da rede Cinemark, Valmir Fernandes, deu para a Folha de São Paulo. Quem me mandou a entrevista foi o Guilherme Mélo, meu colega de turma e integrante da Agência tomada1. Valeu Gui!!!
Não é segredo para ninguém que o Cinemark trabalha com o mercado, e exibe em suas salas excepcionalmente blockbusters. Valmir Fernandes é presidente internacional da rede desde 2006, e é ele quem decide o preço que se paga pelo ingresso e pela pipoca. Ele afirma que o Brasil é um dos países que mais influencia nos negócios do Cinemark, já que a política cinematográfica brasileira exige um número mínimo de dias destinado à exibição de filmes nacionais. Em 1997, com a implantação da rede, as costumeiras salas de rua – que poderiam ser tranquilamente por pessoas de diferentes rendas – foram substituídas pelo conceito multiplex. Isso significa salas em shoppings, logo preços mais altos.
O Cinemark tem mais de 4.800 salas em 13 países no mundo inteiro. O presidente da rede diz que o preço dos ingressos e da pipoca são os fatores mais criticados pelos clientes. O fato de existir meia-entrada é um empecilho para existir a possibilidade de baixar os preços. Ele afirma que se não existisse preço com carteira os ingressos poderiam custar apenas R$ 12,00. O cálculo que ele fez foi o seguinte: para o Cinemark tirar um lucro de R$ 15,00, em média, por ingresso – existindo a meia-entrada – ele precisa cobrar R$ 20,00 pela inteira. Outro argumento que ele expõe, contra a meia-entrada, é a fato de que com menores preços o público aumentaria consideravelmente.
O que mudou das salas de ruas para as salas em shoppings foi o padrão de qualidade. Fernandes calcula que a instalação de 10 salas multiplex custa em torno de R$ 12 milhões. Essa quantia precisa voltar para o bolso dos investidores, no máximo, em sete anos. "Eu decido o preço do ingresso, da pipoca e do refrigerante a partir disso. Tenho custos fixos altos e preciso de uma margem para mostrar ao investidor que ele vai recuperar o seu dinheiro. A margem de lucro é muito pequena. O filme roda mesmo com um só espectador na sala. Também acho que o ingresso tem de baixar, mas a conta não é simples”, defende Vilmar.
Em outra matéria que saiu na Veja, em 2003, temos uma visão diferente da história. Os dados não estão muito atualizados, mas a informação vai contra o que a entrevista afirmou (que com a saída dos multiplex o público caiu). O público de cinema subiu de 74 milhões para 90 milhões, entre 2001 e 2002. E mais uma vez entra em questão o conforto que se tem hoje em dia nas salas de cinema. Os analistas achavam que com home theater, DVD, Internet, TV, etc, etc , etc... os cinemas iriam perder muitos clientes. Pois bem, quem não resiste ao grande telão, cadeiras confortáveis, modernidade na imagem e no som e a claro, o bom e velho escurinho do cinema?
A corrida hoje ainda é no investimento das novas salas, dar segurança, conforto, comodidade e modernidade para o cliente. Infelizmente, o cinema é um lazer para quem pode pagar. Não é barato ir ao cinema. Por isso, deixo dica: vão às sessões antes das 14 h. R$ 7,00 a inteira, e R$ 3,50 a meia. Um sucesso! Só espere a gripe passar...

Fontes:
Ø http://noticias.bol.uol.com.br/entretenimento/2009/07/26/ult4738u26240.jhtm
Ø http://veja.abril.com.br/290103/p_090.html

Por Fernanda Giotto Serpa

A volta das pornochanchadas?

2009-07-31T12:20:00.003-03:00

Primeiro, uma correção em relação ao texto anterior: nossa editoria vai ser Economia Política, e não Políticas Econômicas como eu tinha escrito! Hehehe...valeu prof Celina! Como ontem não assisti filme, vou comentar uma matéria que está na SET do mês de julho, sobre o cinema brasileiro. A revista, por sinal, está muito boa. Houve mudanças na diagramação, mas eu achava o outro estilo melhor. Mas o que importa é que a qualidade é a mesma. Aliás, tem uma lista dos 100 filmes mais assustadores da história que está muito boa! E uma matéria com Sacha Baron Cohen, sobre o filme Brüno. “Borat é tão 2006”! Hahahaha...
O nome da matéria é “Toda Nudez Será Editada”. A reportagem traz uma crítica à situação do cinema brasileiro atual em relação ao tema sexo, que foi muito utilizado nas décadas de 70 e 80, e resultaram nas famosas chanchadas e pornochanchadas. O exemplo que o repórter usa é a representação de Luana Piovani no filme “A Mulher Invisível”. Antigamente, o diretor do filme teria usado e abusado muito mais das famosas formas da atriz.
Porém, o que dirige o cinema brasileiro hoje é alcançar cada vez mais o tipo do filme “para toda família”, já que o resultado das bilheterias sempre é mais gratificante. Os antigos diretores, que produziram longas nas décadas de 70 e 80 e tinham no sexo um importante elemento de produção, defendem que se perde uma parcela muito grande de público com esse tipo de “censura”, um público que apreciava um cinema brasileiro mais “safadinho”.
Adaílton Medeiros, que é responsável pelo cinema Ponto Cine, sala no subúrbio carioca de Guadalupe, diz na matéria que um público da velha guarda ainda pede pelos antigos filmes nacionais, e ele precisou abrir horários alternativos para conseguir abranger esse público, já que no cinema atual – aquele que passa em salas de cinema nos shoppings – não existe mais essa opção.
Outro exemplo utilizado foi o filme “Meu Nome Não É Johnny”, que teve um excelente retorno do público brasileiro. Walter Hugo Khouri, cineasta brasileiro que construiu sua obra tendo o sexo como foco, afirma que o Ministério da Justiça faz vistas grossas em relação ao sexo, mas não é tão exigente quando se trata de drogas ou violências. Voltando ao filme “Meu Nome Não É Johnny”, a história passa numa época em que três elementos são essenciais no roteiro: sexo, drogas e rock´n roll. Porém, o sexo não se faz presente na história, e acaba deturpando o retrato do Rio de Janeiro pré-Aids dos anos 80. O motivo? A indicação do filme caiu para 14 anos, e não 16 como seria necessário caso as cenas de sexo fossem mais calientes.
Eu não faço parte da velha guarda, assim como não assisti aos filmes dos anos 70 e 80. Mas, na minha humilde opinião, não tenho reclamações a fazer sobre o cinema brasileiro atual, e gosto muito da característica “para toda família”. Nos últimos anos, o cinema nacional tem sido valorizado pelos brasileiros e isso é reflexo da qualidade que vem apresentando. O sucesso dos filmes “A Mulher Invisível”, “Se Eu Fosse Você”, “Cheiro do Ralo”, “Estômago”, “Central do Brasil”, “Linha de Passe”, “Meu Nome Não É Johnny”, “O Casamento de Romeu e Julieta, e CLARO: O Auto da Compadecida, não é por acaso (entre vários outros filmes, hoje a lkista é enorme). Cada filme respeita seu gênero, e apresenta os elementos necessários para dar consistência e forma ao roteiro. Mais sexo ou menos sexo não faz diferença. E sem falar que o filme da Bruna Surfistinha vem aí, acalmem os ânimos. Afinal, sexo é que não vai faltar num filme sobre a história de uma prostituta. Mas também se é isso que falta agora, é só assistir “Entre Lençóis”. Sexo e sensualidade pra dar e vender, sem pudor!

Fonte: Revista SET – Julho 2009, Ed. 264, Ano 22 (Reportagem: Toda Nudez Será Editada, de Dirley Fernandes)

Por Fernanda Giotto Serpa

Começando com o pé direito!

2009-07-30T11:56:00.006-03:00

Está na hora de voltar com esse blog pra valer! Mesmo com as férias improvisadas, vamos tentar manter o blog funcionando regularmente. A nossa principal atividade do semestre, que vai ser contada aqui no site da Agência tomada1, será a produção do curta-metragem. Cada novidade sobre a nossa produção será postada aqui. Até agora a única novidade é que precisamos produzir um roteiro, até o dia 10 de agosto. Por enquanto, isso é um pepino, mas que venham as ideias e os anjos digam amém!
Além do nosso diário de bordo, a nossa agência também será responsável em produzir um texto por semana com uma temática que envolva cinema brasileiro. Esse texto será postado no site www.cineacademia.blogspot.com, blog este, coordenado pela professora Celina. A nossa editoria será Políticas Econômicas. Então, quem quiser, pode nos seguir por lá também!
Chega de apresentações! Vamos ao que interessa: filmes! Minhas férias foi basicamente assistir filmes. Então, sempre que der, vou comentar alguma coisa dos bons filmes e das bombas que eu assisti em julho. Mesmo com todo o alarde que está sendo feito em torno da gripe Vírus A (H1N1), eu fui ao cinema ontem. Um tanto arriscado, eu diria, já que a sala estava lotada. Fui assistir “Inimigos Públicos”, que conta com Johnny Depp, Christian Bale e Marion Cotillard no elenco.
A história se passa no ano de 1933, quando a Grande Depressão ainda assola os EUA, e quando os ladrões passam a assolar os bancos americanos. Foi uma época marcada por roubos e ladrões que pareciam simpáticos ao público. No filme, a impressão que você tem é que Johnny Depp, no papel de John Dillinger é quase uma espécie de Robin Hood. Ele rouba dos ricos, conta com a simpatia do público, mas se esquece de dar aos pobres.
Melvin Purvis, interpretado por Bale, é o agente do FBI responsável por caçar e prender os grandes e famosos assaltantes da época, como Dillinger, Pretty Boy Floyd, Baby Face Nelson, John Red Hamilton, entre outros. O que vemos no filme são os primeiros passos do FBI, a primeira, e uma das mais famosas, Agência Federal de Polícia. Billy Crudup, que interpreta J. Edgar Hoover, é o responsável por esse criação de novas táticas para prender criminosos – usar a ciência ao seu favor. Crudup aparece pouco no filme, mas o pouco que aparece já mostra um excelente trabalho.
Enfim, o filme conta a caçada dos policiais atrás dos bandidos. Os bandidos que são vistos como mocinhos. A mídia foi um grande suporte para esses gângsteres que se viam estampados nas folhas dos jornais ou nas telas de cinema quase como heróis, pois suas histórias e fugas eram contadas como vitórias, e o público gostava delas. É fácil notar isso quando Dillinger é preso, e as pessoas cercam a prisão para ver o criminoso e passam a acenar calorosamente chamando-o de “John” ou ainda “Sr. Dillinger”.
Além da boa história, a parte técnica do filme, principalmente na área de fotografia, também arranca elogios do espectador. Primeiramente, os figurinos e cenários, que nos colocaram dentro da Grande Depressão, com suas cores sóbrias e chapéus cobrindo os olhos e sobretudo. Tem coisa mais “gangster” do que chapéu e sobretudo? Johnny Depp ficou muito bem no figurino!
O que também não pode deixar de ser notado é a intensidade com que a sonoridade dos tiros berram aos nossos ouvidos, e os disparos resultam em luzes que marcam os olhos. Cada tiroteio é seguido por muito barulho. Tudo isso aproximo o espectador da realidade. Essas cenas quase colocam você dentro do filme.
E por último, não poderia deixar de comentar o romance entre o “bad guy” e a mocinha da história, que é interpretada por Marion Cotillard (que fez um maravilhoso trabalho em PIAF, diga-se de passagem). É um romance puro, chega a ser sem graça. Dillinger parece tão focado em sua carreira como bandido, que parece impossível um homem como ele se apaixonar e entregar-se unicamente à essa mulher. Existe também aquela imagem pré-concebida de bandidos que não se apegam somente a uma única mulher. Mas enfim, Dillinger alimenta sentimentos verdadeiros por Frechette. Eu, particularmente, gostei da escolha da atriz. Uma mulher comum, morena, sem grandes posses e sem uma beleza fenomenal. Foge da ideia das loiras, com lábios carnudos recheados com batom vermelho.
Sei que não é uma boa hora para ir ao cinema, mas eu indico! Ainda mais para quem gosta dessa coisa de gângsteres, bandidos que parecem mocinhos e mocinhos que parecem bandidos. Atire a primeira pedra quem nunca torceu pelo bandido! Vai dizer que a figura de Al Capone, por exemplo, não te instiga curiosidade! Mas enfim, qualquer coisa o jeito é esperar chegar em DVD para conferir!
O fim de semana promete muitos filmes por aí, então até a próxima... Fique com o trailer do filme, e com o trailer do “Bastardos Inglórios”, novo filme do Tarantino. Esse promete!!!

Trailer "Inimigos Públicos"

Trailer "Bastardos Inglórios"

Por Fernanda Giotto Serpa

Escapar é só o começo..

2009-07-20T18:44:00.006-03:00

Já que o blog ta mais parado que água de poço, vou falar um pouco de uma série, porque não tenho o que falar de outra coisa por enquanto. Prison Break é uma série de 4 temporadas em que a correria rola solta durante o tempo todo, mas de uma maneira não tão óbvia quanto parece. Voltando ao começo, a história gira em torno de 2 irmãos, Michael Scofield (Wentworth Miller) e Lincoln Burrows (Dominic Purcel) onde o segundo foi preso por ter supostamente matado o irmão da vice-presidente dos EUA, e o primeiro se joga na mesma prisão em que seu irmão se encontra com o intuito de tirá-lo de lá. Esse é um dos pontos iniciais da história, mas por trás disso tem muita conspiração, governo, e corrupção. O que parece simples e óbvio no começo da série toma uma direção completamente diferente num piscar de olhos. Toda essa trama permite conhecer o protagonista que é dono de uma inteligência fora do normal. Só pelo fato de ver como ele se safa de situações “impossíveis” já valeria à pena, mas isso ainda é apenas um detalhe, bom pra série. No final das contas, a moral da história tem muito a ver com o quão longe uma pessoa pode ir por aquelas que ela ama, pela família, e acho que isso é o que no final, depois de tanta poeira levantada, dá sentido a tudo o que aconteceu. E o final é bem surpreendente (mesmo).
Por Igor Shiota

"O Roteiro", assistam!

2009-07-02T00:03:00.000-03:00

E aí vem o último trabalho do semestre! Enfim, férias! Mas isso não é tão importante agora, o que importa é o que vou falar sobre o nosso trabalho “O Roteiro”. Imagine um grupo sem ideias, que assiste aos filmes do movimento Experimentalismo Soviético e pensa: “O que fazer agora?”. Pois bem, usamos essa falta de ideia em nosso favor. Já que não conseguimos criar um roteiro, escrevemos um roteiro sobre alguém que não consegue escrever um roteiro e que no fim tem a ideia de fazer um roteiro sobre alguém que não consegue escrever um roteiro que tem a ideia de escrever um roteiro...e bem, vocês entenderam!
As características adaptadas do Experimentalismo soviético foram: a montagem, sincronia da música com a imagem, fato corriqueiro (cotidiano) e mudança temporal. A montagem é claramente vista no filme “O Encouraçado Potemkin”, de Eisenstein. Ele muitas vezes quebra os planos e posição da câmera, o que se torna uma característica muito forte desse movimento.
A música passa a sensação e o sentimento que o espectador deve sentir em relação à cena. Em nosso trabalho isso é visto nos momentos em que o ator não consegue ter ideia e a música fica mais agitada. Ou mesmo no início, quando o ator chega em casa e há um certo suspenso sobre o que ele vai encontrar.
Quanto ao corriqueiro, nos baseamos especificamente no filme do Vertov. O filme do Eisenstein é mais puxado para o lado social. Já Vertov fala do cotidiano, de fatos mais comuns. Nossa história aborda um acontecimento comum na vida de muitos estudantes, que é deixar um trabalho para última hora.
Quanto à mudança temporal, isso se mostra de maneira muito discreta no nosso vídeo. É o momento em que o ator dorme, e temos a sensação de ver o tempo passar com a imagem da janela. O Experimentalismo Soviético deu um grande passo com tratou o tempo de maneira não-cronológica.
Bom pessoal, acho que é isso! Aproveitem! Foi muito bom fazer esse exercício. Foi divertido, porém muito trabalhoso. Mas tá valendo. Agora vamos para as nossas merecidas férias, mas não pensem que esse blog ficará abandonado. Não podemos repetir o marasmo de junho. Hahaha...
Fui!

Por Fernanda Giotto Serpa

Os 10 piores dos anos 2000

2009-06-26T23:54:00.001-03:00

Estou com a revista SET do mês de junho na mão!!! Ela havia sido fechada mês retrasado, mas já voltou a circular com uma nova equipe. Aparentemente é a mesma revista, não houve mudança na diagramação, editorias e estética – apenas as pessoas que a produzem e a editora.
Pois bem, vou falar sobre uma lista que saiu na revista e que eu concordo totalmente. Todos os filmes foram muito bem escolhidos, na verdade faltou lugar para colocar mais filmes também! Eu to falando dos “Piores da Década: é o fim dos tempos (e da picada)”. O bacana dessa editoria é que os responsáveis pelas escolhas foram os próprios leitores. Através do Orkut eles perguntaram para os leitores quais foram os piores filmes produzidos desde 2000. Foram mais de 400 listas postadas. Destas 400, eles elegeram os 10 mais citados.
O primeiro filme é “Fim dos Tempos”. Como eles mesmos citam, o diretor de “O sexto sentido” não engana e surpreende mais ninguém. A história do filme simplesmente não faz sentido, não há uma razão para existir. Existe uma substância que é levada e espalhada pelo vento e que faz as pessoas cometerem suicídio. E ponto! O filme até tem algumas cenas que mantém o espectador aflito, mas não faz mais que a sua obrigação como filme de suspense.
O segundo lugar ficou para “Mulher-Gato”. Acredito que mereceria o primeiro. Esse é o tipo de filme ridiculamente mal-feito. Uma historinha muito mal elaborada, e a Sharon Stone ainda tem cara de cerâmica. A Halle Berry só sabe ser sensual, atuar que é bom, nada! E o que é o “bafinho” que o gato passa para ela ficar com os poderes? Segundo a revista SET foram necessários 14 roteiristas para se chegar numa péssima adaptação como essa. Fico me perguntando como eles conseguiram essa proeza...
Mas enfim, em terceiro lugar temos “Norbit”. Eu gosto de Eddie Murphy, ele já fez bons filmes (nada excepcional), mas esse definitivamente não emplacou. Essa coisa de ficar incorporando vários personagens ao mesmo tempo já não está mais sendo engraçado. Sem falar que o filme trata de maneira preconceituosa a obesidade e cor da pele. Nada bom para crianças, já que o filme, aparentemente, é voltado para esse público.
O quarto filme eu não assisti, por não gostar desse tipo de “adaptação” e já saber que o filme é sinônimo de bomba. “Os Espartalhões” é mais uma cópia do que foi “Todo Mundo em Pânico”. Sério pessoal, já deu! Esse tipo de piada, usando outros filmes e tendo uma forte conotação sexual não conquista mais espectadores. Até vou reescrever uma parte muito verdadeira da análise que a revista fez: “Sugando o filão descoberto por “Todo Mundo em Pânico”, as mentes (?) por trás desta tranqueira se limitaram a meter piadas gratuitas e chulas sobre blockbusters e figuras pop, sem nenhuma conexão entre elas(...)”.
O quinto filme eu também ainda não tive a chance de ver, e nem sei se quero. “Dragonball Evolution” foi outra adaptação que não deu certo, principalmente por fugir (muito!) da verdadeira história e proposta do que foi o Dragon Ball. Eles já começaram errados quando modificam o nome da história. Dragon Ball é S E P A R A D O!
O sexto filme conta com uma brasileira muito conhecida, mas que definitivamente nasceu para ser modelo, e SÓ! “Táxi”, com Giselle Bündchen, é uma comédia com ação e com Gisele Bündchen. Pronto, falei! O filme é isso! Sinto pena dos franceses, já que esse filme foi baseado nos verdadeiros sucessos, que também se chamaram “Táxi”, lá na França.
Em sétimo lugar (nem vou perder tempo comentando muito) está “Deu a Louca em Holywood”. Leia o quarto lugar e vai dar na mesma.
Em oitavo, “Velozes e Furiosos”. Um sucesso no Brasil! Tanto que o quarto saiu há pouco tempo e se deu muito bem nas bilheterias brasileiras. Vin Diesel com aquela cara de mau, com bíceps à mostra e uma carequinha muito sensual. É, deu certo! Há um público muito grande para esse tipo de filme. Tanto que depois de “Velozes e Furiosos” vários outros filmes de carros saíram e emplacaram consideravelmente bem. Bom, mas o filme continua sendo ruim.
Em nome olha outra péssima adaptação dos quadrinhos: “Elektra”. É o mesmo caso de “Mulher-Gato”. Uma mulher bonita ali no meio e uma historinha meia-boca que não se sustenta.
O último lugar foi o que mais me surpreendeu. Não por achar o filme bom, sempre achei péssimo. Mas a grande maioria das pessoas, com as quais eu converso, simplesmente adora esse filme e consideram uma das melhoras comédias de todos os tempos (sou muito mais “Entrando Numa Fria” e “Entrando Numa Fria Maior Ainda”). O filme é “As Branquelas”. O que é ver Shawn e Marlon Wayans travestidos de mulheres brancas, e achando que aquelas roupas convencem alguém? PÉSSIMO! “Vovózona” dá de 10 x 0 com Martin Lawrence e sua fantasia de senhora idosa. A única coisa boa, que eu preciso conversar, é quando um negão muito másculo canta “Thousand Miles” no carro...hahahaha...mas só!
Bom, por hoje é isso pessoal! Esse domingo vou assistir “Transformers 2”, e quem sabe “A Era do Gelo 3”. Da locadora vem “Milk” e “Passageiros”. E agora vou ver Bones! Amanhã vai rolar a edição do exercício sobre o Experimentalismo Soviético, espero que dê tudo certo. As gravações deram pelo menos...
Deixo aqui também minha tristeza pela morte de Michael Jackson! Ainda não to acreditando.

Por Fernanda Giotto Serpa

Livro X Filme

2009-06-26T23:28:00.002-03:00

O pessoal da In Quadro (no alto na parte esquerda (de quem vê) da página), já comentou há algum tempo sobre filmes baseados em livros, quadrinhos, etc. Muitas produções passam a idéia de que foram feitas as pressas simplesmente para atingir objetivos comerciais. Anjos e Demônios e Wolverine foram muito criticados como obras cinematográficas e despertaram a fúria nos leitores, assim como aconteceu com Watchman.
Mas nem tudo é tão ruim assim. Alguns filmes nesse estilo se destacam, como Ensaio sobre a cegueira, por exemplo. Ali se encontra vários aspectos importantes do livro que não poderiam faltar ao filme.
Essa questão do que as pessoas esperam de um filme baseado em algo já existente parece um pouco injusta, pois em primeiro lugar, o idealizador da produção ou o diretor escolhe livros bons para “biografar” e ainda convive com a expectativa dos leitores que esperam encontrar no longa metragem todos os detalhes presentes no livro e, por quê não, em seu imaginário.
Solução para esse problema talvez não exista, mas uma tentativa para evitar a frustração diante das imagens seria evitar a comparação melhor ou pior que o livro, mas sim buscar na obra cinematográfica, características importantes do “roteiro original” que não poderiam faltar de jeito nenhum, pois uma coisa não dá: Reler o livro através do filme.

por Daniel Courtouke dos Santos

Boas risadas

2009-06-23T20:03:00.005-03:00

Esses dias, eu assisti ao Uma noite no Museu 2. É um filme puramente para a diversão, nada mais que isso, mas também nada menos. Larry Daley (Bem Stiller) deixou de ser o vigia noturno do Museu de História Natural de Nova York para se tornar um famoso inventor de bugigangas domésticas. Com o excesso de dinheiro e a falta de tempo, Larry se afastou um pouco dos antigos companheiros feitos de cera. Um certo fim de tarde, ele foi visitar o museu e soube que seus amigos seriam substituídos por hologramas. Larry tentou rever a situação sem sucesso. Com essa mudança, alguns personagens como o caubói Jedediah Smith (Owen Wilson) e o romano Octavius (Steve Coogan) seriam enviados para os arquivos federais do Instituto Smithsoniano, em Washington. A placa que dá vida a esses personagens ficaria em Nova York, assim como alguns poucos personagens como Teddy Roosevelt (Robin Williams). Mas o simpático e “mão leve” capuchinho acabou levando a placa para a capital norte-americana.
Quando Larry soube foi para Washington para evitar que a placa levasse vida aos cerca de 142 milhões de itens das coleções do maior e mais visitado museu do mundo. E é quando Larry tem acesso aos arquivos federais que toda a história acontece. Ele não consegue evitar que os personagens ganhem vida e assim ficamos conhecendo novos elementos da história norte-americana e mundial.
Uma das coisas mais legais do filme é que tudo ganha vida. E ao mesmo tempo esse é um pequeno problema, uma vez que, são muitos personagens e nem todos conseguem ser aproveitados o quanto deveriam. Amelia Earhart (Amy Adams) fez parte da história da aviação e ajuda Larry durante boa parte do filme. Assim como, Kahmunrah (Hank Azaria) que é o grande vilão e uma das partes mais divertidas do filme. Al Capone, Napoleão, o Pensador (que é um garanhão todo fútil, bem diferente do que qualquer um poderia imaginar), o polvo dengoso e os cupidos “boys band” são personagens que poderiam ser mais explorados.
Outra coisa que eu gostei foi o fato dos quadros também ganharem vida, não lembro se isso acontece no primeiro (se acontece eu esqueci!), mas me surpreendi. E não posso deixar de falar que o Al Capone ser em preto e branco, enquanto todo o filme está colorido foi muito legal pra mim. Achei uma ótima sacada.Nenhum pequeno problema desses compromete o objetivo do filme. Dei muitas risadas e aconselho para quem gosta de se divertir. É uma narrativa bem envolvente e prende a atenção tanto de adultos quantos dos mais novos.

Por Tatiana Olegario

"A maioria respeita o distintivo, todos respeitam a arma"

2009-06-23T18:44:00.005-03:00

As Duas Faces da Lei, com Al Pacino e Robert De Niro é um filme sobre policiais, corrupção e ética. Não necessariamente nessa ordem. Rooster (Pacino) e Turk (De Niro), são parceiros de polícia há muitos anos. Os dois vivem um caso de cumplicidade incondicional quando o assunto é trabalho.
O filme se passa em Nova Iorque, onde misteriosamente alguém se cansa de ver as injustiças cometidas por criminosos que a lei jamais consegue incriminar e começa a mata-los um por um (fosse um filme de super heróis o suspeito poderia ser o Demolidor – O Homem sem medo). Mas como todo assassino de filme, ele deixa pistas. Nesse caso, ele parece querer ser encontrado, pois ao lado de cada corpo estendido no chão, é encontrado um poema.
À medida que as mortes se sucedem, as pistas indicam que os policiais também são suspeitos. Em paralelo as investigações externas, policiais começam a investigar uns aos outros e logo entramos num cenário cercado de dúvidas. O filme é bom, mas infelizmente, talvez pela quantidade de produções existentes, não ficamos surpresos com o desfecho final.

Por Daniel Courtouke

O homem sem piedade!

2009-06-20T22:24:00.003-03:00

Esse blog definitivamente não é mais o mesmo. O mês de junho foi simplesmente um desleixo em relação às postagens. Mas enfim, não foi por querer. Foi pela tal falta de tempo que todo mundo conhece.
Tenho assistido à poucos filmes. Esse fim de semana promete ser melhor, com mais lançamentos que chegaram às locadoras e com direito a cinema no domingo. Mas enquanto eu não tenho o que comentar sobre filmes, resolvi falar sobre um cara que muitas pessoas conhecem, temem, admiram e com certeza já sonharam em ser como ele: o mito Chuck Norris.
Seu nome é Carlos Ray Junior. A etnia mestiça, irlandês e índio cherokee, sempre foi um problema para Norris, que sofreu muito durante o tempo que passou na escola. O preconceito foi o seu pior inimigo. As crianças o insultavam e o consideravam medíocres. Tadinhas, ingênuas. Mal elas sabiam quem seria esse mestiço no futuro. Caso contrário elas não ousariam sequer falar com ele olhando diretamente nos olhos. Afinal seu roundhouse kick é mortal.
Chuck Norris passou a ser chamado assim depois que integrou-se à Força Aérea dos Estados Unidos e foi enviado para a Coréia do Norte. Lá ele conheceu a arte marcial Tangsudo, o que o levou a treinar Taekwondo e conseguir a faixa preta nas duas categorias. Logo vemos que o que se fala de Chuck Norris não é lenda. E ele não é um cara que se deixa vencer facilmente. Ele tomou coragem e criou uma nova arte marcial, chamada Chun Kuk Do, que significa Caminho Universal. Ele chegou a treinar o filho do Steve McQueen!
Ele ganhou vários campeonatos envolvendo vários tipos de artes marciais. Mas o que realmente o fez aparecer para o mundo foram os vários filmes que o ator protagonizou. Algumas vezes até fazendo ele mesmo. Chuck Norris como Chuck Norris. Só Chuck Norris consegue fazer ele mesmo e ainda mostrar uma excelente atuação. Isso é para poucos. São vários os filmes que posso citar e recomendo: O Homem do Presidente, Braddock, Força Delta, etc, etc, etc. Quando ele foi convidado para fazer o vilão no filme Karate Kid ele recusou o papel, pois se negava a fazer um personagem que saísse prejudicado no final do filme. Isso é coisa de Chuck Norris.
No filme Parque dos Dinossauros há um detalhe que não foi exposto para o público. Chuck Norris fez uma pequena participação no filme. O Tiranossauro Rex não estava perseguindo o jipe. Chuck Norris estava perseguindo o Tiranossauro, e o jipe. O filme Godzilla também tem uma pitadinha de Chuck Norris. Ele é a versão japonesa da primeira visita de Chuck Norris ao Japão. O cinema teve muita influência de Chuck Norris. Por exemplo, o nome do filme Alien vs. Predador era originalmente Alien e Predador vs. Chuck Norris. Porém a produtora chegou a conclusão de quem um filme com apenas 14 segundos não renderia. Outra coisa que muitos fãs do Hulk não sabem é que quando Bruce Branner fica irado ele se transforma no Hulk, e quando o Hulk fica irado ele se transforma em Chuck Norris. Chuck Norris também entrou para o Clube da Luta. O Clube perdeu! No filme O Exterminador do Futuro, quando Arnold Schwarzenegger disse “II be back” ele estava indo pedir ajuda para Chuck Norris. E desculpa se eu vou estragar a surpresa para os seguidores do seriado Lost, mas o mistério da ilha só tem uma resposta: Chuck Norris.
O importante é lembrar que existem 100 verdades sobre Chuck Norris que são universais e únicas. E jamais poderão ser contestadas. Se algum dia alguém tentou contestar, com certeza não ficou vivo para contar história. Por exemplo, Chuck Norris perdeu a virgindade antes do próprio pai. E ele tirou a virgindade de 98% das mulheres de todo o planeta. 2% são as mulheres da família Norris. Wilt Chamberlein afirmou ter dormido com mais de 20 mil mulheres em toda sua vida. Isso para Chuck Norris é uma terça-feira monótona.
Sabe o que Chuck Norris come no café da manhã? Steven Seagal e Vin Diesel! Chuck Norris é também um cara muito inteligente. Ele sabe o último algarismo do PI, e já contou até ao infinito. Duas vezes! Chuck Norris inventou o preto. Na verdade ele inventou todas as cores, menos o rosa. Tom Cruise inventou o rosa.
E sinto pelas crianças nesse momento. Antes de esquecer um presente de Chuck Norris, o Papai Noel existia! Aliás, os dinossauros olharam torto para Chuck Norris uma vez. Uma vez! Chuck Norris passa todas as noites com as luzes acessas, mas ele não tem medo do escuro. O escuro tem medo de Chuck Norris.
Chuck Norris é razão pela qual Wally, do livro Onde está Wally? se esconde! Chuck Norris é tão respeitado e bem quisto que pediu um Big Mac no Bob´s e foi atendido! Ele também é muito gente-fina. Deus pode lhe confirmar isso. Quando Deus disse: “Faça-se a luz!”, Chuck Norris respondeu: “Peça por favor”. E luz pode ser feita.
Eu poderia continuar a falar de Chuck Norris por muito tempo. Como você pode perceber ele é uma pessoa única nesse mundo. Pra terminar esse post, deixo um aviso: se você vê Chuck Norris, ele pode te ver. Se você não vê Chuck Norris, você pode estar perto da morte!

Por Fernanda Giotto Serpa

Anjos e demônios da ciência

2009-06-14T21:32:00.005-03:00

Esse título acima foi retirado da coluna do físico Marcelo Gleiser (foto) no caderno mais! da Folha de S. Paulo, publicada neste domingo (14 de junho). Em meio a tantas críticas, positivas e negativas, envolvendo o filme Anjos e demônios, Gleiser relata sua opinião sobre o longa do ponto de vista da sua profissão. Vale a pena dar uma olhada e pensar a respeito do livro, do filme, da religião e da ciência:
"Como não podia deixar de ser, hoje escrevo sobre o filme "Anjos e Demônios", baseado no romance homônimo de Dan Brown.
Para os leitores que não tiveram a oportunidade de assistir ao filme ou ler o livro, a narrativa trata de um complô para assassinar a cúpula da Igreja Católica durante a escolha de um novo papa. Uma bomba extremamente poderosa foi escondida em algum lugar da famosa basílica de São Pedro, no Vaticano, e irá explodir, a menos que nosso herói, o professor de Harvard especialista na interpretação de símbolos Robert Langdon (Tom Hanks), consiga desvendar uma série de mistérios e pistas.
A bomba, e aqui entra o tema principal do filme, é um artefato que usa uma amostra de antimatéria criada pelos cientistas do Cern, o centro europeu de física de partículas, a casa do LHC, o gigantesco colisor de partículas que deverá entrar em funcionamento em alguns meses. O filme retrata o conflito entre os magistérios que supostamente disputam o domínio da sociedade: a religião e a ciência.
A cena inicial se passa no templo da ciência, onde os seus sacerdotes, os cientistas do Cern, preparam-se para acionar a maior máquina já construída na história. A bela física italiana Vittoria Vetra (Ayelet Zurer) e seu colega, um padre físico (vejam que essa união não é impossível), planejam isolar um pouco de antimatéria.
O ponto é que antimatéria é extremamente rara: o Universo é composto quase exclusivamente de matéria, os átomos formados de partículas elementares como elétrons e quarks (componentes dos prótons e nêutrons). Ainda bem. Partículas de matéria desintegram-se imediatamente quando entram em contato com partículas de antimatéria, transformando-se em raios gama, uma forma de radiação eletromagnética de altíssima energia. Se você apertasse a mão da sua antipessoa, o Brasil desapareceria em instantes.
A bomba que ameaça destruir o Vaticano é feita de antimatéria, roubada do experimento no Cern. No livro, fica claro que a intenção dos físicos é recriar o Big Bang, o momento da criação, transformando mistério em ciência. O padre físico quer provar que Deus existe; os cientistas, que a ciência explica até mesmo o mistério da criação sem a necessidade de interferências sobrenaturais. No meio tempo, a liderança da Igreja Católica pode desaparecer do mapa: o fim da religião pelas mãos da ciência.
Não vou contar o que acontece no filme, para não estragar a surpresa.
Mesmo que o enredo não faça muito sentido do ponto de vista científico, Dan Brown consegue trazer o conflito entre ciência e religião ao grande público, o que acho notável.
Infelizmente, no filme vemos uma tendência a manter estereótipos que me parecem injustos. Existe uma aura de inocência nos cientistas e de sapiência nos cardeais, como se cientistas fossem imaturos e irresponsáveis perante a autoridade moral da igreja.
O templo da ciência parece um brinquedo perante o majestoso templo da igreja. (E, em termos de beleza, não há mesmo o que comparar. Mas a questão aqui é a função de cada um.)
Mas o que define a sociedade moderna? Os "brinquedos" digitais da ciência ou a moral ancestral da religião?
A sabedoria e a moralidade não são província exclusiva da religião. Muitas pessoas sábias e altamente morais não são religiosas. Todos sabem que matar é errado (mesmo que as religiões se esqueçam disso com frequência), e a maioria sabe que devemos amar o nosso próximo. Os desafios que enfrentaremos ao longo deste século, do aquecimento global à crise de energia, serão resolvidos nos templos da ciência e não nos belos templos da religião".

por Daniel Courtouke dos Santos

Uma discussão sobre jornalismo...

2009-06-13T01:00:00.006-03:00

Nessa quinta fui ao cinema e assisti ao Intrigas de Estado. É uma história super envolvente e interessante que me fez repensar vários pontos tanto na arte de fazer cinema, como no jornalismo.
Tudo começa quando alguns assassinatos acontecem. Um homem mata um garoto infrator e em seguida tem que matar outro rapaz que passava pelo local. O jornalista Cal McAffrey (Russell Crowe) assume a cobertura do caso. Investigando a morte do menor, Cal acaba descobrindo uma história bem mais complicada do que ele imagina. No dia seguinte ao assassinato dos dois meninos, a assistente (e amante) do Congressista Stephen Collins (Ben Affleck) morre em um misterioso acidente no metrô. Stephen chora ao anunciar a morte da assistente e a mídia descobre que eram amantes. Com o escândalo o Congressista e McAffrey, que são amigos de longa data, se reaproximam. Collins procurava refúgio dos paparazzi, enquanto Cal queria o furo de reportagem. Assim, os dois mantêm uma relação de ajuda mútua. Vale à pena conferir essa história... É um filme muito bom de assistir, super envolvente. A trilha sonora prende a atenção e você se sente tenso durante todo o tempo.
Quero ressaltar, agora, os pontos jornalísticos debatidos nesse filme. Cal McAffrey é o jornalista principal da história, trabalha em parceria com a inexperiente Della Frye (Rachel McAdams), que escreve para o blog. E é através de Cal que são feitas as maiores críticas à indústria da fofoca, à corrida do jornalismo online e à falta de comprometimento e de responsabilidade de alguns jornalistas (em especiais blogueiros). É uma valorização ao jornalismo impresso. As primeiras alfinetadas aparecem logo, Cal lê o blog que Della escreve e decide sugerir fontes para ela, ao telefone ele diz: “estou falando isso para a próxima vez que você decidir vomitar online”. McAffrey não poupa comentários negativos sobre a vontade de que tudo seja notícia, sobre as opiniões e julgamentos que são feitos em blogs. Outro ponto que eu achei importante é a amizade entre o jornalista e o Congressista. Por mais que McAffrey pretenda manter a ética, a moral e os bons costumes do jornalismo, ele não consegue separar a ligação pessoal... Ele fica, de certa forma, cego para uma parte da história que faz toda a diferença. Fez com que eu pensasse até que ponto podemos estar ligados às fontes, até que ponto essa ligação é saudável... Parece-me ser uma linha tão tênue! Fiquei realmente pensando nisso. Por mais que tenhamos as melhores intenções, muitas vezes podemos ser traídos por nós mesmos.
Durante toda a história, a chefe de Cal, Cameron Lynne, (Helen Mirren) cobra dele manchetes, matérias de capa, assuntos que vendam jornal. Esse é outro ponto interessante, será que o que os jornais procuram é realmente verificar a veracidade das informações ou vender!? Certo momento no filme, a jornalista descobre uma história escandalosa e diz para Cal que pretende postar no blog, ele fala mal dos blogs e ela decide não postar. Depois isso vira primeira capa de outros jornais e Lynne cobra deles qual o motivo por não terem publicado. McAffrey afirma que não tinham certeza se a mulher falava a verdade e optaram por não publicar e a chefe diz: “Não importa! Se for mentira, vira outra matéria de capa. O que importa é vender jornal”. Onde estão os valores? A ética? Até que ponto devemos nos submeter às imposições do local de trabalho?!
Perto do final do filme, McAffrey descobre toda a falcatrua e discute com o culpado (não vou dizer que é! Hahaha). O culpado diz que a noção de justiça dele é muito engraçada (se referindo ao fato de Cal afirmar que vai publicar toda a verdade) e o jornalista responde que existem pessoas, sim, que lêem jornais e que essas pessoas sabem diferenciar uma verdade de uma mentira, que as pessoas ainda valorizam o jornal impresso e que ele ainda é importante. Durante o filme, Cal comenta com Della que a história que estão descobrindo é muito boa para ser publicada no internet, mais vez, falando da falta de credibilidade do online.
E para que o filme ganhasse um brilho a mais, o final é simplesmente maravilhoso. A seqüência apresenta o jornal sendo impresso, enquanto a câmera acompanha todas as etapas do processo até a revelação de uma manchete que encerra a história. Não sei se só pelo fato de ser uma futura jornalista, mas achei uma forma grandiosa de terminar um filme tão bem produzidinho.
Aqui vai o trailer do filme e a dica: assistam!

Tatiana Olegario da Silva

O Russo!

2009-06-11T23:24:00.003-03:00

Depois de terminar de ler o livro “Eisenstein” de Arlindo Machado, pude perceber o quão complexo foi esse russo. Primeiro que ele só foi quem ele foi pela Revolução de 1917, quando ele ainda era um garoto de 19 anos. Se nada disso tivesse acontecido, ele seria mais um burguês dentro da aristocracia russa, como seu pai e sua avó.
Vou relatar aqui os fatos que mais me chamaram a atenção e aqueles que eu lembro também – minha memória não anda muito boa. Eisenstein era um cara que ria na cara do perigo. Uma expressão idiota, porém verdadeira perante a maneira que ele lidava com as autoridades russas. Como Arlindo Machado diz, ora ele era endeusado, ora expurgado. Ele simplesmente fazia as coisas da maneira que achava certa, com o seu olhar. Foi um cineasta ousado, tanto em se tratando do conteúdo como da parte técnica. Stalin chegou a mandar um telegrama, enquanto Eisenstein rodava “Que Viva México!” dizendo: “Eisenstein aqui é considerado um desertor que rompeu com sua pátria. Ele perdeu a confiança de seus camaradas”. Tudo isso porque Hollywood estava dando certo apoio à produção. Eisenstein vivia para os seus filmes, e não para o andamento da política russa. Ele criava a sua própria visão política, e não aceitava pensamentos pré-concebidos e impostos pelas autoridades. “Ivan, o terrível”, é um exemplo disso. Ele foi produzido como tributo a Stálin, e Eisenstein seguiu a risca tudo o que Stálin fez. Mostrou o governante que unificou o país e o protegeu dos estrangeiros, mas não escondeu o terror que foi o seu regime.
Mas é importante frisar não só sua história, mas também a nova visão que ele deu ao cinema, que começou com o teatro. Primeiramente temos que citar o construtivismo. Nada de romantismo, emoção e expressão natural. O que Eisenstein propôs foi colocar um pouco mais de ciência e pedagogia nas encenações. Ele negava movimentações guiadas pelo instinto, tudo deveria ser simetricamente e rigorosamente pensado. O objetivo era alcançar a reação exata do público, fazer algo com a certeza de que as pessoas reagirão de certa maneira. O que interessava era a mecânica do corpo.
O projeto teatral de Eisenstein era divido em atrações. O que significa isso? Uma história não precisaria mais ser narrada, o que importava eram apenas os pontos centrais da trama: as atrações. Elas seriam a base de entendimento perfeito da história. Vale a pena colocar um trecho do livro de Arlindo Machado: “O teatro tornava-se fábrica: economia e concisão de uma linha de montagem, racionalização e eficiência de um cronograma de operações(...)”.
“A Greve” é uma obra de transição na vida do cineasta. Foi com ela que ele repensou essa idéia de atrações, e através disso surge a montagem. Não foi fácil não, foi um momento conturbado na carreira de Eisenstein. O que ele mudou dentro do cinema foi a maneira como o próprio cinema era apresentado: pronto para o público. Eisenstein passou a usar na montagem metáforas, mudanças cronológicas e espaciais que vinham embutidas de conceitos e significados. Só entendia o seu cinema quem não tivesse um “receptáculo vazio de ideologias alheias, mas é sujeito ativo (se não for, não entenderá nada) e por isso mesmo intelectualmente livre para aceitar ou rejeitar”, segundo Machado.
Eisenstein usou também o fator contradição de planos na hora da montagem. Ele não se satisfez em simplesmente unir um plano ao outro para criar um sentido e uma ordem cronológica. Eisenstein nunca se satisfez com o comum. Ele criava choques de valores opostos, montagem para ele era desencadeamento de conflitos. “O Encouraçado Potemkin” é um exemplo claro desse trabalho. Arlindo Machado dá alguns exemplos, como na seqüência dos barcos em direção ao Potemkin. São planos mostrando várias direções, sem nenhuma ordem, cruzando-se entre eles. Eisenstein não estava preocupado com a reconstituição, mas sim com a interpretação. A idéia de coletivo e individual é também proposta durante o tempo inteiro no filme – característica importante do Experimentalismo Soviético.
Para Eisenstein o que era mais importante dentro do cinema era deixar claro essa montagem, deixar com que a técnica apareça, o cinema é a produção do sentido. Para ele, a montagem que não se percebe é manipulação ideológica do cinema.
Outro diferencial do cineasta foi a maneira como ele tratou o erotismo nos filmes. Não explorou apenas a sexualidade carnal entre homem e mulher. “O erotismo para ele, era uma energia vital que percorria todas as formas vivas e todos os objetos animados pelo homem, razão pela qual não se podia esgotar no ato sexual propriamente dito, mas estaria se manifestando até mesmo fora de qualquer espécie de ato sexual”, afirma Machado.
Depois de tudo isso é certo dizer (e nem tudo está aqui) que Eisenstein decididamente quebrou barreiras dentro do cinema!

Por Fernanda Giotto Serpa

Aqui e Acolá

2009-06-09T23:24:00.004-03:00

Hoje eu estava com a ideia de escrever sobre “O Exterminador do Futuro: A Salvação!”, mas vi uma notícia no Omelete que me deixou animada. Sendo assim, hoje vai se um post de pequenas novidades. Aliás, fazia tempo que não entrava no Omelete, tenho muita coisa para saber e me inteirar das últimas do cinema.
Mas enfim, a notícia que eu vi é sobre o novo filme de Clint Eastwood, que conta com Matt Damon e Morgan Freeman no elenco. Nada mau, hein? O filme é baseado na história do livro The Human Factor: Nelson Mandela and the Game that Changed the World, de John Carlin. Ele conta sobre o que aconteceu em 1995, na África do Sul, quando foi sede da Copa do Mundo de Rugby. Nelson Mandela, recém-eleito, queria usar o esporte como uma maneira de unir brancos e negros, já que era recente a queda do apartheid. Matt Damon faz o papel de Francois Pienaar, capitão do time da África do Sul. Morgan Freeman faz o ex-presidente do país e ainda produz o filme. A estreia está marcada para o dia 29 de janeiro de 2010. O filme que se chamaria “The Human Factor”, vai se chamar agora “Invictus”.
Outra boa notícia! A Pixar quer fazer a continuação de “Monstros S.A”. Antes tarde do que nunca! Sinceramente, uma das melhores animações que já assisti. Estou ansiosa pra ver o segundo, espero que siga um padrão Shrek – o segundo ser melhor que o primeiro. O diretor da animação será o mesmo que fez “Up – Altas Aventuras”, Peter Docter. O filme “Up” desde que estreou é um verdadeiro sucesso nos EUA. “Monstros S.A” está previsto para 2013.
Outro filme que terá uma continuação será “Caça-Fantasmas”. Que saudade da trilha sonora do filme! Esse fez parte da minha infância. Enfim, os três atores principais – Bill Murray, Ernie Hudson, Sigourney Weaver – já afirmaram que estão dispostos a gravar o terceiro filme. Nenhum contrato foi fechado, porém aparentemente haverá uma colaboração fácil dos três.
E quem veio pra ficar foi Mickey Rourke. Depois de “O Lutador”, que marcou sua volta com muitas glórias, ele já fez “Killshot”, vai participar do Sin City 2, fazer parte de “Os Mercenários” e está gravando “Homem de Ferro 2”. No filme ele faz o vilão Whiplash, conhecido nos quadrinhos como Chicote Negro. Com o resto da armadura que foi deixada no deserto ainda no primeiro filme, o vilão russo, recém saído da prisão faz a sua própria armadura. Ele acrescenta alguns aparatos também, como os chicotes energizados pela bateria central que está em seu peito. A roupa de Rourke pesa 10 kilos, e ele está coberto de tatuagens. Mais um filme que eu espero com entusiasmo.
Só uma opinião rápida quando ao último Exterminador. É um filme bom, principalmente quando se trata de efeitos especiais. Hoje, quando um filme é de ficção, o mínimo que o espectador espera é um visual de qualidade. Como diria um amigo meu, o pessoal do “Wolverine” precisa ter umas aula com que fez “Exterminador do Futuro: A Salvação”. Hahaha... Mas a história deixa muito a desejar, nem se compara com os dois primeiros filmes da série. Sem falar quando um ferro atravessa o peito de John Connor e ele simplesmente não morre. No Omelete o filme ganhou apenas 3 ovinhos. Talvez vocês gostem do filme para ver a bizarra imagem do governador da Califórnia com um jeitão computadorizado. No mais, quero ver os outros dois filmes mais uma vez, o terceiro já não é tão interessante! Minha memória não é tão boa quanto a do meu irmão, mas ele disse que o filme faz menção ao segundo filme da série várias vezes, como uma homenagem. Preciso assistir para conferir isso, enquanto o quarto filme ainda está fresco na cabeça.

Deixo aqui o trailer do filme:

Bom, por hoje é só. Fui! Que venha um feriado cheio de filmes...é o jeito!

Por Fernanda Giotto Serpa

Te pega pelo estômago

2009-06-08T21:50:00.004-03:00

O mês de junho começou na correria! Por isso que este blog está às moscas. Mas eu não perdi meu costume de ver filmes todo fim de semana. Esse último eu assisti um que achei particularmente interessante. Várias pessoas já tinham me falado sobre o filme, e eu sempre fiquei na curiosidade. Enfim, matei minha curiosidade.
Assisti ao filme “Estômago”. Filme nacional, recente (2007) e gravado em Curitiba. O filme conta a história de Raimundo Nonato (João Miguel), que vem do interior para a cidade grande, com uma mão na frente e outra atrás. Um cara desajeitado, tímido, e que tem a pretensão de simplesmente ir levando a vida. Isso fica claro quando ele pára num boteco e pede duas coxinhas pra comer. Detalhe: ele não tem dinheiro. O importante é que ele precisa matar sua fome. O depois ele resolve.
Resolve nada! O dono do boteco não o deixa sair sem pagar. Um bastão de madeira nada amigável impede Nonato de tomar qualquer atitude maluca. O jeito é lavar os pratos e dormir no quartinho dos fundos. E a partir daí Nonato não se separa mais do quartinho e da cozinha. O dono do boteco lhe mostra como fazer coxinhas, e ele aprende a fazer muito melhor. Nonato tem o dom para a cozinha, mas também para arranjar confusão. Ele se apaixona por uma prostituta. Ele faz tudo com ela, menos beijo na boca!
Sabemos desde o início do filme que Nonato está preso. O porquê só vamos descobrir com o decorrer da história. A curiosidade que instiga o espectador é saber como um cidadão pacato como Nonato foi parar na cadeia. A maneira como o filme é montado merece atenção. É uma sucessão de vem e vai no tempo, que é ditada pela narração do ator principal. Um fragmento completa o outro e a história passa a fazer sentido.
Outro ponto interessante é o elo que o filme cria com os moradores curitibanos. Quando você assiste ao filme e vê lugares conhecidos e souber que você já esteve por lá, faz surgir uma relação muito próxima com a história do filme e seus personagens. O fato de já ter estado lá, chega ser aconchegante. Ver a Rodoviária e o Largo da Ordem, e saber que eles estão aqui do lado é uma sensação estranha. Nunca tinha passado por isso.
A atuação de João Miguel merece um parágrafo especial. Ele simplesmente rouba a cena do filme. Raimundo Nonato, Raimundo Canivete, Alecrim, o cozinheiro. O personagem devagar que aos poucos vai roubando o espaço. O cara sem pretensão que termina por cima da carne seca. João Miguel interpreta esse “coitado” perfeitamente!
O Presídio do Ahú foi o lugar que mais me chamou a atenção. Estive lá ano passado para fazer algumas imagens para um documentário. Resquícios da produção do filme ainda estão por lá. Estranho como a gente se identifica com
Os filmes nacionais vem mostrando cada vez mais qualidade. Respeito e admiro o cinema nacional. Acho que não damos o devido valor. “Estômago” é um exemplo clássico disso. Ganhou muitos prêmios, e fez por merecer! Aí vai os prêmios que o filme ganhou, e dê uma olhada, não são poucos:
Ganhou 4 troféus Oscarito no Grande Prêmio Cinema Brasil, nas categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator Coadjuvante (Babu Santana) e Melhor Roteiro Original. Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Ator (João Miguel), Melhor Ator Coadjuvante (Paulo Miklos), Melhor Figurino, Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Maquiagem, Melhor Direção de Arte, Melhor Edição - Ficção, Melhor Fotografia, Melhor Som e Melhores Efeitos Especiais. Ganhou os prêmios de Melhor Filme e Melhor Ator (João Miguel), no Festival de Punta del Este. Ganhou o prêmio de Melhor Filme no Festival do Uruguai. Ganhou os prêmios de Melhor Filme e Melhor Ator (João Miguel), na Semana Internacional de Cinema de Valladolid. Ganhou o troféu Redentor de Melhor Filme - Voto Popular, Melhor Diretor, Melhor Ator (João Miguel) e o Prêmio Especial do Júri (Babu Santana), no Festival do Rio 2007.

Isso é só para termos uma noção de que nosso cinema não é amador e é reconhecido. O que falta é esse reconhecimento partir daqui, do próprio Brasil.

Assisti também "O Exterminador do Futuro: A Salvação". Comento sobre o filme amanhã! Hoje a noite ainda tenho "Sobre Meninos e Lobos", do grande Eastwood para rever. Assisti também "Às margens de um crime". Total perda de tempo. Ah! Comecei outra série também: Bones. Adoro seriados!

Agora vou nessa, e tentar manter o ritmo dos outros meses! Até mais...

Por Fernanda Giotto Serpa

Jogo Rápido

2009-06-05T11:50:00.003-03:00

Depois de muuuuito tempo sem postar, voltei ao blog hoje! Mas é jogo rápido também! Vou deixar aqui os dois trabalhos que estavam faltando da galera da Agência tomada1. O exercício de câmera e o remake do filme "Os Infiltrados" do Scorsese. Aproveitem, divirtam-se, porque nós já nos divertimos pra caramba! =D

REMAKE "Os Infiltrados" - Cena Elevador

EXERCÍCIO Câmera - "19 Anos"

Espero aparecer por aqui mais vezes a partir de semana que vem! Esse domingo vai rolar um cineminha: "O Exterminador do Futuro: A Salvação"! Ansiosa pra assistir... E no cinema em casa vai rolar "Estômago" e "Às margens de um crime", com Tommy Lee Jones. Comento depois que eu assistir ao filme! Teh mais pessoal...

Por Fernanda Giotto Serpa

Até eu conseguia essa façanha!

2009-05-31T23:11:00.002-03:00

Domingo excelente para cobertas, sofá e filme. E claro que não podemos nos esquecer dos trabalhos, mas deixa pra lá, vamos falar de coisas boas. Um friozinho sensacional. Faltou tempo para assistir mais filmes. Mas hoje vou comentar aqui sobre “Jogo entre Ladrões”, com Morgan Freeman e Antonio Banderas. Geralmente falo de filmes dos quais eu gostei de assistir. “Jogo entre Ladrões” é o tipo do filme mais ou menos. Vamos para o resumo da história primeiro.
Morgan Freeman faz Ripley, um ladrão já conhecido da polícia. Ele faz aquele estilo Pierce Brosnan em “Thomas Crown – A arte do crime” - aquele que rouba os lugares mais impossíveis e passa despercebido, já que sua genialidade ultrapassa qualquer nível de inteligência humana. Antonio Banderas é Gabriel, um assaltante que está passando por dificuldades, mas recebe a proposta irrecusável de Ripley para participar de um roubo que vai lhe render 20 milhões de dólares. Os objetos do roubo são dois ovos Fabergé da coleção Romanov. Olha a máfia russa metida aí no meio.
O problema é que “Jogo entre Ladrões” não tem a mesma sutiliza de “Thomas Crown” ou “Onze Homens e Um Segredo”, por exemplo. É ridiculamente fácil roubar um cofre super protegido tecnologicamente, com teste de voz, digital, senha, câmeras. E claro que uns seis homens magricelas e idiotas protegendo o local deve ser uma coisa bem normal em locais que precisam de segurança máxima.
Primeiro que é um saco ver Antonio Banderas no papel do mocinho irresistível com aquele cabelo, aparentemente, banhado em óleo. E é triste ver Morgan Freeman fazer um papel tão fraco, analisando a genialidade e histórico do ator. Mas enfim, nem sempre as pessoas acertam.
O mais ridículo no filme é a maneira como eles arrombam o cofre. Imagine um cofre de segurança máxima que tem a opção de reescrever a senha mais de mil vezes se necessário. É preciso rir pra não chorar! E sem falar na maneira como eles conseguem burlar o sistema de voz. Eles conseguem a voz do russo falando todas as palavras que a máquina pede, mas no final ela faz uma pergunta que não estava no script. A pergunta era em russo e pedia se ele estava com fome. Morgan Freeman simplesmente responde que não e passa! Como assim? A máquina com tecnologia de ponta não sabe identificar a voz? Brincadeira! Até eu conseguia essa façanha!
Geralmente o que a gente espera de um filme com esse tipo de roteiro são cenas de ação e tensão. Você geralmente torce pelos ladrões, uma questão de empatia que gera entre o espectador e personagem. Aqui isso não acontece pela maneira ridícula que se desenrola a trama. O final é morno. No meio do filme você já imagina quem é quem. O filme termina e você fica com um sentimento de perda de tempo.
Não recomendo. Já assisti a filmes bem melhores com o mesmo tipo de roteiros, e que mesmo tendo partes absurdas conquistam o espectador. O outro filme que assisti foi “Foi apenas um sonho”, com Leonardo Di Caprio e Kate Winslet. Um filme mais denso e pesado, mas é melhor que “Jogo entre Ladrões”, com certeza. Recomendo pela boa interpretação de Leonardo Di Caprio. Venho o admirando cada vez mais como ator. “Foi apenas um sonho” trata de relacionamentos, decepções, frustações, enfim, não é muito legal para um domingo. Mas se puder, confira!
Por hoje eu fico aqui. Vou dormir e tentar me animar com a idéia de que amanhã já é segunda!

Por Fernanda Giotto Serpa

Hurra!

2009-05-29T01:45:00.006-03:00

Acabei de assistir “Encouraçado Potemkin”, de Serguei Eisenstein. Antes de falar sobre o filme, vou comentar rapidamente sobre o movimento do qual ele faz parte dentro do cinema. “Encouraçado Potemkin” é fruto do Experimentalismo Soviético. Se hoje existe a é montagem é graças aos russos! O Experimentalismo tem na sua essência o coletivismo. Ele trabalha com o todo, já que é anti-individualismo capitalista. Vai contra também os temas da dramaturgia burguesa. O Experimentalismo Soviético nega o cinema Hollywoodiano, nega o cinema produzido para o mercado e obtenção de lucro. Por isso que a partir do momento no qual os comunistas tomaram o poder o cinema foi nacionalizado, e utilizado, principalmente, como um instrumento de propaganda – daí a ênfase no coletivismo.
Nasce aqui o filme que tem um ideal político. Ele não é apenas um roteiro de produção para o mercado, o filme vem com o objetivo de transmitir uma idéia política e, de certa forma, um objetivo de manipulação. Dziga Vertov foi um importante cineasta do movimento. Ele fez um cinema de não-ficção chamado de Câmera Olho. A diferença é que não era a realidade propriamente dita, Vertov mostrava a visão de como o mundo deveria ser. Sendo assim, os filmes de Vertov não são apenas documentários, já que trazem uma opinião (que aparece através da montagem e tipos de câmera) embutida no seu significado. Ele não tem a simples função de mostrar uma imagem.
Pulando agora para o “Encouraçado Potemkin”. Passar uma sinopse rápida por aqui! O filme é ambientado na Rússia Czarista, em 1905, quando aconteceu uma revolta que “pressagiou” a revolução de 1917. A história começa no navio de Potemkin quando os marinheiros se revoltam com a comida estragada e pelos maus tratos que sofrem dentro do navio. O médico que está a borda analisa a carne e insiste em dizer que ele está perfeita para o consumo. Os soldados se negam a comer e recusam a sopa também. Quando o comandante do navio sabe dessa greve ele manda enforcar todos aqueles que não gostam da sopa. Alguns marinheiros são botados num canto e o comandante manda executá-los. Entra em cena o marinheiro Vakulintchuk, que grita para os soldados e pede para eles pensarem de que lado eles estão. Os soldados não atiram, o comandante se revolta e uma briga entre marinheiros e oficiais começa. O final disso é a morte de Vakulintchuk! E a partir daí o filme mostra a união dos marinheiros contra a submissão na qual vivem. Tanto que o lema dos marinheiros é “Um por todos. Todos por um” – mais uma vez a idéia do coletivo.
Esse filme foi um marco na história do cinema. Eisenstein é considerado um dos maiores diretores de todos os tempos pela herança que deixou para o cinema do mundo. A produção do filme só aconteceu porque o projeto foi um dos escolhidos, em 1925, pelo comitê central do Partido Comunista para comemorar os 20 anos da Revolução. Foram destinados três milhões de rublos para a produção de oito filmes.
O prazo de entrega do filme era 20 de dezembro de 1925. Em setembro do mesmo ano Eisenstein percebeu que não daria para resumir, com qualidade, todos os acontecimentos de 1905. Logo ele decidiu que focaria apenas nos acontecimentos relacionados ao encouraçado de Potemkin, e através dele ele transmitira os ideais comunistas. Sendo assim, Eisenstein brincou um pouco com a história e deu um final diferente ao ocorrido. Ele contou sobre a união dos marinheiros para alcançar um desejo coletivo (como aconteceu), e em vez de mostrar a derrota, ele trouxe a vitória (o que não aconteceu). Assim ele conquistou ainda mais o público, através de um sentimento feliz e de esperança.
Alguns problemas de produção atrapalharam e atrasaram as filmagens. Primeiro que Eisenstein precisava de um barco igual ao da época, já que o barco é o personagem principal do filme e traz embutido nele a idéia de coletividade. Na enseada de Sebastopol estava ancorado um barco idêntico ao Potemkin, chamado Os Doze Apóstolos. Porém ele não estava em condições de uso. Eisenstein improvisou. Virou a proa para o mar (assim não apareceria a costa) e depois montou uma maquete que foi utilizada para filmar os planos gerais do barco. As tomadas foram tomadas realizadas na piscina mourisca dos banhos públicos de Moscou. Quem diria que aquilo era uma maquete, hein?
Já a cena da escadaria, uma das mais famosas do filme, não estava no roteiro. Ela simplesmente aconteceu e coube na hora da montagem. Aliás, a montagem do filme só foi terminada horas antes da sua primeira exibição, em 21 de dezembro de 1925. Imagine que Eisenstein tinha apenas 27 anos.
O filme traz a idéia do épico e da tragédia. Eisenstein se recusou a usar atores profissionais no seu filme. Ele fez uma seleção criteriosa entre pessoas comuns. Pode-se dizer que isso encaixa-se também na esfera ideológica do seu filme e da época, que recusava o capitalismo e individualismo. Pra quê então usar atores profissionais, se as pessoas comuns podem ser usadas também? Foi isso que Eisenstein fez, reafirmou a idéia do coletivo. O filme é um show de emoções. As expressões, câmeras em close, a cena da escadaria, as pessoas chorando com a morte do marinheiro Vakulintchuk, o idealizador da revolta no filme.
A princípio o filme não é a coisa mais atrativa para se assistir. Mas a narração, a trilha sonora (indicando momentos de clímax, calmaria e suspense) e as imagens (que não são fixas) embalam o filme e tudo passa muito rápido.
Além de um trecho do filme deixo também um dos últimos trechos apresentados no filme: “A bandeira da liberdade tremulava sobre todos”. Hurra! (Como os marinheiros gritam).

Fontes de Pesquisa:
Ø http://www.dvdmagazine.com.br/rubens/historia_5.htm

Ø http://cultmovies.multiply.com/journal/item/35

Obs: Não há informações sobre o livro "Eisenstein" de Arlindo Machado. Esse fica para amanhã!

Por Fernanda Giotto Serpa

Que horror! Ou não...

2009-05-27T00:21:00.002-03:00

Trabalho, faculdade e cuidados com a casa estão me deixando mais afastada do blog. Mas estou fazendo o que dá e escrevendo no mais tardar da noite. Então, caso haja erros ou frases sem sentido, relevem! A madrugada não é o melhor horário para escrever textos. Apesar da falta de tempo, sempre dá pra arranjar uma brecha para um filme. E ontem foi assim. Uma brecha meio comprida, eu diria, já que se trata do filme “Apocalypse Now”, de Francis Ford Coppola.
São três horas de pura produção e investimento técnico. O filme já começa bem com a música The End, do grupo The Doors e imagens de explosões no fundo. A combinação do ritmo calmo, da letra relacionada à violência e mais as cenas de ação foi uma combinação absurda, mas ao mesmo tempo perfeita. A trilha sonora não modifica o sentido da cena, diferente dos vídeos que a Tatiana colocou aqui nos blogs.
“Apocalypse Now” é ambientado na época da Guerra do Vietnã. O capitão Benjamin L. Willard, interpretado por Martin Sheen, é convocado para uma missão especial: matar um famoso general, Walter Kurtz (interpretado por Marlon Brando), que enlouqueceu durante a guerra e está cometendo loucuras com as pessoas adeptas as idéias dele.
O filme mostra toda a viagem de Willard até chegar ao destino. O clímax do filme, que é o encontro dos dois, acontece apenas na última parte. O filme é uma obra-prima de efeitos e técnicas de iluminação. Marlon Brando só aparece na escuridão ou com envolto por sombras. Mas o motivo dele vai além do aparato técnico. Marlon Brando estava 40 quilos acima do seu peso. Ele foi um estorvo para Coppola. Ele não leu o script e nem o livro no qual foi baseado o filme. E quando leu quis recusar o papel. Foi uma fase ruim da sua carreira, ele estava bebendo mais do que devia. Depois de muito “teretete” ele concordou com a condição de nunca aparecer na luz nitidamente.
Além disso, “Apocalypse Now” contou com a presença de um furacão, que destruiu os sets de filmagem – que eram nas Filipinas – e atrasou 10 meses as gravações. Martin Sheen teve um ataque do coração durante as filmagens, o que atrasou mais ainda a produção, e Coppola ameaçou suicidar-se inúmeras vezes. Logo se vê que o clima era muito amigável nos sets de filmagem. Deve ser por isso também que “Apocalypse Now” é totalmente depressivo e angustiante.
Aliás, esse foi outro trunfo de Coppola, conseguir por na telona um sentimento forte de desgraça, angústia e depressão. A Guerra do Vietnã foi isso, um show de horrores. E Coppola não se deteve para mostrar isso. Você sente o que foi a guerra através da trilha sonora, da cor das imagens (muitas vezes puxadas para um vermelho), tipo de luz e, óbvio, a personalidade dos personagens do filme e a maneira como eles se transformam no decorrer dos acontecimentos. Não podemos esquecer-nos da sensação de calor e abafamento que é muito nítida no filme, deixando claro como era o clima na região.
Cada um vai enlouquecendo do seu jeito. O mesmo acontece no local onde o personagem de Marlon Brando está instalado. As pessoas estão loucas e descontroladas, mas de uma maneira estranha, que incomoda o espectador. Nada parece real no filme. É como se tudo fosse um pesadelo.
O filme não é ruim, é apenas cansativo. As cenas são longas, as ações são demoradas e tudo é pensado demais às vezes. Como eu já estava sem paciência, muitas vezes o filme passava a ser entediante. Há coisas também que não fazem muito sentido. Como quando eles chegam num local onde residem alguns franceses. Eles não têm nenhuma relação com a história, a não ser estarem no meio da Guerra também. A única parte boa do diálogo é quando o francês joga na cara do capitão Willard que os EUA estão lutando por nada, como uma crítica à guerra infundada.
Quem faz uma pontinha no filme também é o Harrison Ford (que eu não reconheci de tão novo que ele era). Robert Duvall e Dennis Hopper fazem papéis importantes no filme, mas não aparecem durante muito tempo.
Em minha opinião o filme é uma obra-prima de Coppola, mas não se compara ao Poderoso Chefão. O único problema do filme é a velocidade com a qual se desenrolam os acontecimentos. Talvez esse fosse o objetivo do diretor também! Nunca se sabe... E também há algumas coisas que não fazem sentido. Seria o caso de assistir mais uma vez para entender. Quem sabe um outro dia, certo?
Deixo aqui a última frase do filme: “O horror”. Agora basta você assistir e decidir se o filme é um horror ou não. Eu fico com o meio termo...

Por Fernanda Giotto Serpa

Sete

2009-05-24T22:09:00.002-03:00

Passou-se 10 minutos do filme e nada de entender, mais 10 e continuou na mesma. Meia hora se passou e as coisas começam a se explicar. “Sete Vidas” é assim. Você começa sem entender o que o personagem de Will Smith faz, qual o conflito que ele está vivendo e porque ele toma certas atitudes no início do filme. Como, por exemplo, quando ele liga para o cego Ezra Turner, muito bem interpretado por Woody Harrelson (mesmo que a participação tenha sido pequena), e começa simplesmente a humilhá-lo. Nada faz sentido, é preciso ter calma para ver a história engrenar.
Will Smith interpreta com maestria o papel de Ben Thomas. Você pode não entender o porquê das atitudes dele, mas você sente a angústia e revolta do personagem estampadas na cara do ator. Esse é o segundo filme que Smith faz com o diretor Gabriele Muccino. O primeiro foi "A Procura da Felicidade", no qual trabalhou com seu filho. A carga dramática dos personagens de ambos os filmes são parecidas. Dois homens que possuem dramas internos e tentam buscar soluções para suas vidas.
Ben Thomas faz um agente da Receita Federal. Ele guarda com ele uma misteriosa culpa. O filme começa com ele ligando para o 991 e dizendo que vai cometer suicídio. A partir daí o filme volta no tempo e a história passa a se desenrolar. Há o uso constante de flashback no filme, e aos poucos você compreende a vida de Ben Thomas.
A função do seu personagem é salvar a vida de sete pessoas (por isso Sete Vidas). O número sete aparece logo no começo, quando a voz dele em narração diz “Deus criou o mundo em sete dias. Eu destruí o meu em sete segundos”. O filme mostra aos poucos como ele alcança cada uma dessas pessoas. Ele as testa para saber se elas são realmente dignas de serem ajudadas.
Emily Posa, interpretada por Rosario Dawson, é a personagem que mais se desenvolve entre os sete que serão ajudados por Ben. Eles criam uma relação muito próxima. Ela sofre do coração e tem pouquíssimas chances de sobreviver, já que está na fila de espera e possui um tipo sanguíneo raro. Ben acaba se envolvendo mais a fundo com a situação de Emily, comparado aos outros personagens. Ao mesmo tempo em que isso acontece as verdadeiras intenções de Ben passam a serem mostradas ao público.
Gostei muito do filme. Acho que ele possui uma boa finalização, ele conclui o filme. Acredito que o filme leve muitas pessoas ao choro rapidinho. O que não foi o meu caso. Não que ele não seja dramático o suficiente, mas não o achei tão apelativo para me levar a pegar alguns lencinhos.
Interessante como ele usa uma imagem mais plastificada e um som diferente para distinguir os flashbacks. Na imagem você não consegue ver perfeitamente o que acontece, isso só é revelado no momento final do filme, para explicar com exatidão os motivos da atitude de Ben. E o som valoriza tudo o que está próximo do personagem, como se abafasse o som exterior. Dá uma sensação de incomodo você não visualizar e nem ouvir perfeitamente as cenas.
Vale a pena conferir. Um bom filme, até para um domingo. Eu acho sofrido assistir dramas aos domingos, mas não tive problemas com esse.

Deixo o trailer aqui!

Por Fernanda Giotto Serpa

Como havia prometido!

2009-05-23T17:42:00.010-03:00

Bom, como eu havia falado em outro post, vou deixar aqui as fotos do nosso sábado de gravação da cena de "Os Infiltrados". Um trabalho do caramba esse, hein! Mas ele está quase finalizado, falta apenas uns últimos acertos e sucesso!

Acabei de assistir ao filme "Sete Vidas", mais a noite eu posto a minha opinião sobre o filme. Por enquanto posso dizer que é muito bom. A narrativa dele é muito interessante, mas depois eu falo mais sobre isso...

Mas aí vai o nosso ensaio fotográfico! Agora que notei que faltou a foto do grupo inteiro. Aiaiaiaia...isso não pode voltar a acontecer hein...

Os vídeos não estão querendo carregar, vou tentar postar mais tarde! E tá aí a galera do tomada1!
Por Fernanda Giotto Serpa

Scorsese por escrito

2009-05-22T11:51:00.002-03:00

Terminei ontem o livro “Uma viagem pessoal pelo cinema americano”, de Martin Scorsese e Michael Henry Wilson. Primeiramente o livro tem um grande ponto a seu favor: o apelo visual. Ele é completo de fotos que ilustram os textos. Não que eu goste de ver só figurinhas, mas a imagem vem como um importante complemento e estimulante da leitura, já que o livro trata de gêneros dentro do cinema exemplificados por filmes.
Enquanto lia o livro eu notei um Scorsese muito humilde na sua posição de escritor, mas também diretor. Ele se coloca como um observador e admirador de tudo aquilo, tanto que no livro ele diz: “(...)optei por destacar alguns dos filmes que coloriram meus sonhos,m que mudaram minha percepção e, em alguns casos, minha própria vida. Filmes que instigaram para o bem ou para o mal, a virar cineasta”. Estamos mergulhando dentro da mente de um Scorsese espectador, como nós.
O livro é dividido em cinco partes. A primeira parte se trata do dilema do diretor. Todos sabem que Hollywood é um grande monopólio cinematográfico, que dita suas regras e que obrigam a grande maioria a se adaptarem a elas. Para muitos diretores a melhor maneira de burlar essas regras era produzindo filmes “B”, de baixo orçamento. Esse tipo de filme não era essencial para os homens do dinheiro, logo se tinha muito mais liberdade de deixar o filme da maneira que você queria e não com a cara da indústria para qual se trabalhava. Desse modo diretores começaram a construir um estilo próprio e seus nomes eram escritos “acima do título” – palavras de Frank Capra. Aliás, foi Capra que teve também a idéia de “um homem, um filme”. Para ele todo filme deveria ser produzido por um homem – o diretor. Assim seus filmes teriam a sua marca, e não um produto montado de uma indústria. Scorsese traz trechos de cenas e diálogos de filmes sobre o assunto, como o filme “Assim estava escrito”, de Vincent Minnelli, que mostra Hollywood na visão dele.
O capítulo dois do livro fala do diretor como um contador de histórias, com a função de proporcionar entretenimento através da ficção – documentários estavam em baixa. Dessa maneira surge o studio system, que é o cinema divido em gêneros, com formatos pré-determinados. É como dizer que todo faroeste tem um mesmo roteiro geral: vilão, bandido e mocinho. Amor, mentira, traição e reconciliação. Final feliz depois do clímax. É como as comédias românticas de hoje. Sempre um casal bonito que se encontra e apaixona-se instantaneamente, desentende-se no meio do filme e no final descobrem que se amam e tudo termina num “feliz para sempre”. Nada contra, eu até gosto de assistir filminhos assim, mas são extremamente previsíveis.
No livro Scorsese trata de três gêneros que foram importantes para a história do cinema: faroeste, gângster e musical. No início os faroestes idealizavam o lado oeste americano com uma estética aprimorada e personagens cativantes. A partir dos anos 50 isso muda. Há uma desconstrução dessa realidade. O interessante é analisar que o cinema nunca está estagnado. Quando as coisas se tornam mesmices cansativas, o cinema se reinventa. Clint Eastwood fala no livro sobre isso e dá um exemplo clássico de desconstrução do mito, que é “Os Imperdoáveis”. O mocinho do filme era na verdade o bandido. A maneira como a história se encerra foge do “paz e amor”. As coisas se resolvem da maneira que precisam se resolver e ponto final.
Já os gângsteres vieram para escancarar a violência e ilegalidade da época. O interessante é que isso é muitas vezes visto como algo charmoso. Eles são bandidos e ninguém nega, mas não são medíocres. O que eles fazem, fazem bem. As organizações eram vistas com respeito, tanto que Al Capone é um mito até hoje! A lealdade entre membros e a frieza com a qual lidavam com a deslealdade tornou-se algo admirável. Pode parecer meio chulo, mas é como os traficantes são vistos dentro de uma favela. Pessoas que cometem crimes abertamente, mas ganharam o respeito de todos que vivem por ali e retribuem isso garantindo segurança.
E o musical vem envolto de toda produção mais trabalhosa e preocupada principalmente com a estética. Segundo Scorsese, o musical emergiu na época da Depressão, como um caminho para fugir do momento ruim em que a sociedade vivia no momento. A primeira mudança dentro do gênero foi a conclusão de que um musical no palco não foi feito para o cinema. Busby Berkeley, um ex-professor de dança, usou e abusou das câmeras. Aproveitou angulações e movimentos de câmeras e deu ao cinema a verdadeira cara do musical. A partir daí Vincent Minnelli mudou o cenário do musical. Nada de Broadway! A ambientação acontecia no Meio-Oeste, e os atores cantavam suas emoções. A partir de 1940 o lado mais sombrio da época e da vida passou a ser retratado nos musicais também, da mesma maneira que aconteceu com o faroeste e gângster.
Para Scorsese o diretor de cinema pode ser um ilusionista, contrabandista ou iconoclasta. Ilusionista pela parte técnica que, obrigatoriamente, o diretor deve dominar. Para saber o que se quer de uma cena ele deve entender os procedimentos técnicos para se chegar ao objetivo. Ele cita vários diretores que revolucionaram técnicas ou fizeram pequenos “chunchos” que até hoje são usados no cinema. Quando ele trata dos diretores como contrabandistas voltamos ao assunto da manipulação das grandes indústrias. Os contrabandistas são aqueles que se desvencilham do sistema e buscam, com orçamentos mais baratos, colocar a sua idéia na telona. Afinal, de que adianta ter uma grande estrutura e dinheiro de sobra se você não pode expressar o seu desejo?
E com isso entra em cena o film noir, que valoriza sempre o lado sombrio da vida americana, mostrando que nem tudo termina com um final feliz. Os personagens sempre viviam histórias polêmicas, como o estupro, por exemplo. Eram temas fortes, com cenas mais angustiantes e finais sem sorrisos. Sexo e violência eram temas usuais no film noir. Na estética ele também tinha as suas próprias características, como o contraste forte entre branco e preto.
E por último temos o diretor iconoclasta, que é aquele que não deixa as idéias nas entrelinhas, como os contrabandistas. É o diretor que fala na cara, escrevendo de maneira bem direta mesmo. Ele expõem assuntos não comuns abertamente e explora da maneira que bem entender. Era a realidade nua e crua.
Aqui eu expus rapidamente os assuntos principais do livro, mas a riqueza maior está nos exemplos que Scorsese usa o tempo todo, colocando diálogos e sua opinião sobre filmes, atores, atrizes e diretores. Gostaria também de ter assistido a grande maioria dos filmes que ele expõe ali, para conseguir visualizar de fato o que ele quer dizer. É um livro de leitura fácil e rápido. Scorsese escrevendo não é nada mau também!

Por Fernanda Giotto Serpa

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2009-05-21T00:29:00.005-03:00

Fora do normal, porem dentro dos padrões de filmes de animação. Eu estou falando do filme Kung Fu Panda. Muito divertido, porem tem seus momentos tristes e que nos faz acreditar que no final tudo pode mudar. Como protagonista,um personagem que ninguém tinha pensado antes, um urso Panda, ele sonha em ser um famoso lutador e como todos nós, tem seus ídolos,porem, com alguns problemas evidentes que não o favorecem em relação aos outros personagens, como por exemplo, a grandeza de sua musculatura e ser totalmente desajeitado.

Título Original: Kung Fu Panda
Origem:4 de Julho de 2008, nos Estados Unidos
Direção: Mark Osborne e John Stevenson.
Roteiro: Jonathan Aibel e Glenn Berger, baseado em história de Ethan Reiff e Cyrus Voris.
Produção: Melissa Cobb.
Fotografia: Yong Duk Jhun.
Edição: Clare De Chenu.

Por Mariana Virgilio

Quem sabe o último sobre "Os Infiltrados"

2009-05-20T01:09:00.006-03:00

O que podemos concluir, depois de todo o trabalho, sobre o filme “Os Infiltrados”? Mais uma grande obra de Scorsese, obviamente, mas que leva certas características do diretor à risca. Primeiramente vou falar daquilo que está mais na cara: a trilha sonora. Os filmes de Scorsese nunca falham na trilha sonora.
No filme “Os Infiltrados” a principal música é “Gimme Shelter”, que é interpretada por ninguém mais, ninguém menos que a banda Rolling Stones – uma grande favorita de Scorsese. Seus filmes geralmente são embalados por trilhas voltadas para um rock´n roll, ou releituras de músicas mais clássicas. Além de Rolling Stones, Scorsese usa muito Eric Clapton, The Who, Beach Boys, Roger Waters e muitos outros nomes conhecidos por aí.
Outro ponto em comum entre os filmes de Scorsese é o psicológico do personagem exposto para o espectador. Táxi Driver, Cassino, Touro Indomável, A Última Tentação de Cristo trazem nos seus protagonistas conflitos ideológicos, que geralmente os levam ao auge e logo a seguir à derrocada. Como o personagem de Robert De Niro, em Touro Indomável, Jake La Motta, que começa como um grande lutador e termina como um comediante miserável. Ou ainda em Os Bons Companheiros, onde o personagem de Ray Liotta, Henry Hill, começa como um poderoso gângster e termina como qualquer um fugindo dos seus ex-companheiros. Táxi Driver é o extremo dessa busca pelo psicológico do personagem. De Niro é um veterano da Guerra do Vietnã totalmente perturbado, que não aceita os horrores do mundo. Toma atitudes controversas o tempo inteiro. A própria estética do filme ajuda na formação do personagem. Em Os Infiltrados temos Colin Sullivan, interpretado por Matt Damon, que está na polícia, mas é um infiltrado do mafioso Costello. E temos também Billy Costigan, Leonardo Di Caprio, que é da polícia e está infiltrado no grupo de Costello. São duas personalidades apostas, um contraste perfeito e claro. Mais claro que isso só o personagem de Jesus Cristo, no filme A última tentação de Cristo.
Já que falamos de Robert De Niro, podemos dizer que ele pode ser considerado uma constante nos filmes de Scorsese, já que esteve presente nas produções mais bem sucedidas do diretor. Na realidade era para ele ter participado de “Os Infiltrados”, mas por problemas de agenda Jack Nicholson foi escalado para o papel – o que ficou perfeito. A parceira começou no primeiro filme de sucesso de Scorsese – Caminhos Perigosos. Depois disso somente produções de sucesso acompanharam esses dois.
Os Infiltrados foi um filme de extrema importância para o diretor por ter dado a ele o Oscar de Melhor Diretor. Acredito que esse seja o ponto mais relevante da obra em relação a vida do seu diretor. Essa conquista, que em minha opinião deveria ter chegado antes com “Touro Indomável”, chegou em 2006.
É um filme com um roteiro muito bem trabalhado nas suas tramas principais. A principal conclusão que posso tirar desse filme é que ele é, com toda a certeza do mundo, um excelente filme. É impossível não ficar ligado o tempo todo para o desespero de Billy Costigan e para a cara deslavada de Colin Sullivan. Ou ainda, é impossível não admirar a atuação de Jack Nicholson!

Acredito que os trabalhos sobre "Os Infiltrados" acabam por aqui! O próximo trabalho é sobre o Experimentalismo Soviético. Esse tipo de movimento vem para negar o cinema como mercadoria. Eisenstein é, talvez, o maior expoente do movimento russo, que surgiu após a Revolução de 1917 com o intuito de promover a ideologia socialista.
O cinema como propaganda foi uma grande sacada do governo soviético. Mas o que mais chama a atenção não é a maneira como ele é usado, e sim como é feito. Numa época quase sem recursos os truques de montagem, planos, câmera lenta e rápida são usados com maestria pelos diretores.

Dois se destacam: Eisenstein, que eu já citei, e Vertov, que foi responsável pelo filme "O Homem e Sua Câmera", de 1929.

Um dos filmes mais conhecidos que partem desse movimento é "Encouraçado Potemkin", que mostra o proletariado triunfando. E claro que não podemos deixar de comentar a famosa cena da escadaria e do bebê. Inclusive o filme "Os Intocáveis" faz uma referência ao filme quando utiliza essa cena na escadaria do metrô.

Ainda não assisti Encouraçado (não deu tempo) e não consegui dar andamento do livro "Eisenstein", de Arlindo Machado. Mas assim que eu conseguir eu esboço alguma coisa aqui no blog.

Amanhã vou postar algumas fotos e vídeos do nosso ensaio no sábado, antes das gravações do remake da cena! Não coloquei hoje porque deu problema aqui no blog, e o vídeo não terminou de carregar. Se eu for tentar colocar mais uma vez vai demorar muito, e já passa das 2 da manhã. Então, amanhã eu vejo isso, ou melhor, hoje!

Por hoje é só! Desculpe qualquer erro no texto ou mesmo superficialidade e repetecos, mas é que tá tarde e estou muito afim de dormir! Hahaha...Qualquer coisa amanhã eu melhoro isso...FUI!

Por Fernanda Giotto Serpa

Adaptação Desfalcada

2009-05-17T21:43:00.004-03:00

Bom, fui ao cinema. Aceito que adaptações tenham diferenças e que precisem de mudanças para chegar às telonas. Mas “Anjos e Demônios” exagerou. Personagens importantes são excluídos, a história muda e Robert Langdon continua um assexuado como escreveu o Omelete, o que não acontece no livro.

O livro conta uma nova aventura do estudioso Robert Langdon, que se vê na presença de um grupo historicamente extinto: os Illuminati. Aparentemente eles querem acabar com a hegemonia da Igreja, e fazê-la pagar pelos crimes que cometeu contra eles no passado. Eles sequestram os quatro "preferiti", que são os mais fortes candidatos a suceder o Papa, que morreu recentemente. Langdon tem a missão de encontrar os cardeais e acabar com essa vingança, através da história e seus símbolos.
Mas a adaptação tem seus desfalques. Primeiro, cadê o diretor do CERN, Maxmilian Kohler? É ele que chama Langdon para solucionar o crime que acontece no local. E sem falar que Langdon nem vai para a Suiça, vai direto para o Vaticano, onde conhece Vittoria. Kohler era essencial para a trama já que é ele que abre o livro e que é o responsável pelo fechamento dos acontecimentos também. Ele é o personagem oposto à situação da Igreja, virava um importante suspeito no decorrer da trama. Ele ficou doente quando era criança e perdeu o movimento das pernas, isso fez com que ele se afastasse e odiasse qualquer tipo de manifestação de fé, já que seus pais não chamaram um médico porque acreditavam que ele se curaria através de Deus. A participação dele é substituída pela atuação de outros personagens. Quem chama Robert para ir ao Vaticano é Olivetti, e quem fecha a trama é o chefe da Guarda Suiça. Para mim isso parece mais uma tapação de buraco.
Outro ponto importante que foi ignorado era a relação próxima de Vittoria Vetra com o cientista e padre assassinado no CERN. Até o nome do personagem mudou. No filme ele é Silvano, no livro ele é Leonardo Vetra, pai de Vittoria. Essa falta do sentimentalismo e fragilidade da moça, que aproximou Langdon e Vittoria na trama, fez falta para explorar o relacionamento que surge entre eles, que na verdade nem existe no filme.
O nome do carmelengo também muda. No livro ele é Ventresca e no filme ele é Patrick. A história do passado dele também não foi explorada e era importante para o andamento da história, já que o final acontece todo em função de seu personagem. Ventresca perdeu a mãe quando era criança, quando uma bomba explodiu na igreja na qual rezavam. Um bispo o adotou logo depois do ocorrido. Esse bispo foi o Papa que morre no início do filme. Sua história é que desencadeia todos os acontecimentos do filme. Ventresca foi fruto de uma inseminação artificial. Seu pai era padre (o Papa) e sua mãe era freira. Eles se apaixonaram, porém nunca tiveram relações sexuais. O desejo do padre de ter um filho aconteceu graças a ciência (por isso que o Papa era progressista e acreditava na união da fé e da ciência). A freira largou a vocação e fez uma inseminação artificial. Assim que acontece o acidente o padre, pai do menino, adota-o. Quando Ventresca descobre toda a história ele se revolta com o mundo científico.
São detalhes importantes que devem ser levados em consideração para o andamento do filme. Discordo um pouco com a opinião do Omelete em relação ao excesso de ação. O filme seguiu o que o livro propôs: um clímax atrás do outro. Não havia outro modo de mostrar o assassinato dos “preferiti” sem expor adrenalina, como o próprio livro faz.
A atuação de Tom Hanks com certeza é decepcionante. Faz tempo que não o vejo em filmes bons, como ele esteve em “A Espera de Um Milagre”, “O Naufrago”, “O Terminal”, “O Resgate do Soldado Ryan”... Langdon parece um personagem muito morno e sem expressão, o que não corresponde com o que lemos no livro. E outro comentário, Vittoria Vetra aparentava ser mais bonita no livro e morena também. No filme ele é uma branquela nariguda. Nada contra branquelas, aliás eu sou uma. Mas a aparência dela não bate com o livro.
Mas apesar de todas as diferenças (e tem mais do que essas que coloquei aqui no blog) é filme não é de todo ruim. Eu teria dado 3 ovinhos, e não 2. O filme tem seu lado envolvente. Aliás ouvi duas velhinhas no shopping que adoraram o filme, apesar de mexer um pouco com a imagem da Igreja, segundo elas. Hahaha...
“Anjos e Demônios”, em minha opinião, é melhor livro e agora melhor filme comparado ao “O Código da Vinci”. Leiam o livro! Ele é cheio de pirações e absurdos, mas vale a pena como um passatempo e lazer.
Agora minha próxima missão é assistir “Encouraçado Potemkin”. Estou com ele aqui em casa. Comecei a ler também o livro Eisenstein para entender um pouco mais sobre Experimentalismo Soviético (graças a professora Celina, que tem todos os livros do mundo..hahah..é sério!). Daqui uns dias vou escrever sobre. E professora, pode ficar tranqüila, vou devolver seus livros, assim que puder! Hahahaa...

Pessoal, assistam aos vídeos que a Tati colocou no post dela! É engraçado, vale a pena, e mostra exatamente o que ela falou. A influência da trilha sonora é fundamental para o significado da situação e para os sentimentos que se deseja ter do espectador.
Assisti hoje também “Força Policial”, que é bom, e “O Acompanhante”, fraco pra caramba. Perdi duas horas do meu dia. Ainda tenho mais dois filmes pra assistir: “Apocalypse Now” e “O Vizinho”, além do Encouraçado. Preciso de mais horas para o meu dia! Mas acho que por hoje é isso. Até...

Vou deixar o trailer do "Anjos e Demônios":

Por Fernanda Giotto Serpa

Uma Luz No Fim Do Túnel

2009-05-17T16:45:00.004-03:00

O expresso da meia-noite não é um trem, mas com certeza é uma viagem que todos os prisioneiros gostariam de fazer. Entre eles está Billy Hayes, um americano que tenta contrabandear drogas da Turquia para os EUA, mas, por uma infeliz coincidência de eventos, é revistado e flagrado no embarque de seu avião. Ele é preso e passa vários anos de sua vida em uma prisão turca. Essa é a história do filme “O Expresso da Meia-Noite”, baseado no romance homônimo, escrito pelo próprio Billy Hayes, contando as suas experiências reais como presidiário na Turquia. O título se refere a uma gíria de prisioneiros, ou seja, pegar o “expresso da meia-noite” significa fugir da prisão. Essa idéia, a princípio, não é muito tentadora para Hayes, já que ele é condenado a “apenas” quatro anos de prisão. No entanto, a justiça turca resolve alterar sua pena para prisão perpétua, restando a ele uma única saída para ser livre: a fuga.
O filme retrata a prisão, e a prisão turca em especial, como um inferno. Os agentes da justiça e os guardas, como vilões, e o advogado de Hayes como um grande incompetente. O filme gerou protestos por parte dos turcos, que o consideraram péssimo para a imagem do país. O Expresso... pode até passar a idéia de que a prisão turca é um inferno, mas, ao menos aos olhos de um brasileiro, isso parece um exagero. Lá, cada um tem direito a sua cama e as celas estão muito longe de estarem lotadas. Lá, existe uma liberdade razoável de caminhar pela prisão. Os guardas são retratados como vilões que submetem os presos a torturas como método de disciplina. Mas, até ai, filmes americanos mostram as suas próprias prisões com guardas violentos, além de uma selvageria entre os próprios presos muito pior do que qualquer coisa mostrada no Expresso... E além de tudo, não devemos esquecer que Billy Hayes realmente cometeu um crime e que ele teve direito à defesa. Neste ponto, os turcos não foram exatamente injustos ou errados.
Nada disso, no entanto, tira a empatia do espectador por Hayes. Afinal é um sujeito mostrado como vítima das circunstâncias, alguém que tentou se dar bem no lugar errado, na hora errada. Seu drama não é aquela prisão em especial, não são aqueles guardas em especial, nem mesmo é a Turquia. Seu drama é ser um prisioneiro que jamais será solto, em uma terra desconhecida, com pessoas estranhas e pouca esperança. Esperança essa que se deteriora a cada dia, inclusive dando a ele, com o tempo, um aspecto de louco, alucinado, quase um morto-vivo. Porém, existe uma luz no fim do túnel. O túnel por onde passa o expresso da meia-noite.

Oliver Kovacevich Altaras

Trilha Sonora...

2009-05-16T20:04:00.008-03:00

Não tenho mais nada a acrescentar sobre o nosso dia de gravação hoje. Foi super cansativo, super desgastante, mas, com certeza, uma experiência pela qual vale à pena passar. Também não estou aqui pra fazer critica a nenhum filme. Ontem passeando pelos sites da internet assisti a alguns vídeos que me fizeram pensar em como a trilha sonora é importante para um filme! Você não consegue imaginar como o som influencia ou como aquela super cena não é nada com a música errada.
Ontem assisti a alguns vídeos que mostram cenas clássicas de certos filmes com as músicas erradas... é absurda a diferença que dá! Sempre morri de medo daquela cena que a menina do Exorcista está possuída na cama... Assisti com outra trilha e juro... dei risada! É estranho, mas a cena não tem o mesmo impacto... não é tão forte ou não faz sentido.
Todos esses detalhes precisam ser pensados e repensados várias vezes para que o filme chegue do jeito que vemos nas telas de cinema ou no DVD. Mas será que damos o devido valor para esse trabalho todo!? A regravação da cena hoje e os vídeos de ontem me fizeram pensar que às vezes subestimamos o que estamos vendo. Tudo passa tão rápido e parece tão simples... Que nem parece que tiveram trabalho pra fazer... Tudo parece tão natural. Não sei vocês, mas eu preciso rever meus conceitos...
Aqui estão alguns dos vídeos, espero que se divirtam:

Duro de Matar -

O Exorcista -

Matrix -

Batman Begins -

O Fugitivo -

Kill Bill -

Pulp Fiction -

Por Tatiana Olegario da Silva

Ohhhh! Fancy policeman...

2009-05-16T17:35:00.003-03:00

Hoje a comemoração foi em grande estilo! Depois de um cansativo dia gravando a cena de “Os Infiltrados”, nada melhor do que ir ao Jardins Grill. Quanto ao valor eu prefiro não comentar, nem quanto a quantidade de comida consumida. O grupo tomada1 ficou desfalcado, mas não se preocupem, comemos por todos! Como diz o Japonês esse foi o dia “de vez em quando” pra gastar. O próximo será o “de vez em nunca”.
Chegamos à PUC nove da manhã. Antes disso pegamos a câmera e compramos um cafézão no Mc Donald´s (precisávamos dos copos para usar na cena). Quando todo o grupo chegou começamos a preparar os figurinos e preparamos o elevador (sim, usamos o elevador da PUC mesmo, infelizmente).
A parte mais difícil foi nos adequarmos ao nosso precário cenário. Colocar sete pessoas dentro de um espaço minúsculo e pegar os ângulos de câmera que correspondiam ao filme deu uma bela dor de cabeça. Sem falar nos probleminhas de luz estourada e o “piiiiii” no sensor que não parava nunca. Mas acredito que alcançamos o objetivo. Segunda-feira vamos editar, e tenho certeza que o resultado será satisfatório. E caso não seja, valeu pela experiência. Foi muito divertido! Apesar de acordar cedo em pleno sábado e ir almoçar só às 15:30 da tarde.
Quando se faz um exercício desse você passa a entender o porquê que em gravações de grande porte são gravados apenas 2 ou 3 minutos por dia. É muita coisa para pensar e se preocupar. Continuidade, enquadramento, luz, falas, som, cenário, figurino – é um catatau de coisas. Produção é definitivamente indispensável!
Agradeço a colaboração de todo o grupo, que foi muito parceiro nessa hora e, lógico, pela diversão! tomada1 em “Os Infiltrados” na quarta-feira. Não percam! Vou colocar o vídeo aqui no blog. E abaixo a cena completa:

Acima está a foto de uma parte da cena que regravamos. As fotos que tiramos hoje estão com o Dani! Espero que ele me passe de uma vez, ou que poste aqui no blog. É o mínimo, hein Daniel? Temos vídeos também...semana que vem estará no blog!

Já que estamos falando de “Os Infiltrados”, vamos falar também de Scorsese. O próximo trabalho dele será a cinebiografia de Frank Sinatra. Mal anunciaram a novidade e já existem muitas especulações para saber quem vai interpretar o protagonista. Johnny Depp é o primeiro boato, anunciou o blog Deadline Hollywood. O blog soltou também que o ator que interpretará Sinatra não vai cantar no filme, já que o estúdio conseguiu os direitos da gravação do cantor. Esse boato sobre Depp coloca em xeque a predileção de Scorsese por Leonardo Di Caprio, seu mais novo protegido. Mas como o filme ainda nem tem data para começar a produção, muitas coisas vão rolar por aí ainda.
Outra boa notícia hoje! A revista SET que estava temporariamente fora do mercado volta a funcionar nesse mês de maio. A equipe de jornalistas que produzia a revista mudou, logo haverá mudanças na sua linha editorial também. Mas o importante é saber que essa importante revista, que está desde 1987 no mercado não deixe seus leitores na mão. O novo responsável pela redação será Mario Marques.
A idéia principal é resgatar os fãs de cinema que eram assinantes da revista, um número de pessoas que diminuiu consideravelmente nesse último ano. A linha editorial vai mudar também. Marques disse que vão tentar trazer mais entrevistas exclusivas, e não focar tanto em super-heróis de quadrinhos e blockbusters. Eu, sinceramente, acho uma pena. Confesso que adoro e prefiro blockbusters, por mais que sejam voltados para um lado mais comercial! Desejo vida eterna aos blockbusters...hahaha! Mas enfim, as mudanças estão ocorrendo aos poucos. Será o leitor que dará a palavra final. Assim que puder, vou na banquinha para conferir.
Amanhã vou ao cinema assistir “Anjos e Demônios”. A crítica não foi muito calorosa com o filme. Na realidade a crítica destroçou o filme. Disse que Hanks faz o mesmo papel automático que apresentou em “O Código da Vinci”, e que o personagem dele, Robert Langdon, é um assexuado herói caxias. Disse também que dá para sentir vergonha por Ewan McGregor como o camerlengo Patrick McKenna. Comparam-no com Wolverine e o chamam de Super Padre. Resumindo, a crítica diz que o filme é apenas um excesso de ação, sem chance de respirar, e que apenas é válido pela boa produção. 2 ovinhos no Omelete. Nada bom, mas vou conferir.
A minha frase final hoje é: “Ohhh! Fancy policeman”, em homenagem à personagem da Tatiana no filme! Hahahaha... escutei isso mais de 100 vezes hoje!

Por Fernanda Giotto Serpa

Já está pegando...

2009-05-14T14:59:00.007-03:00

Lançado em Outubro de 2006,o filme comedia de ação e aventura, O bicho vai pegar, foi o primeiro longa metragem animado da Sony Pictures Animation. Boog (Martin Lawrence), e um feliz urso pardo domesticado, tem sua vida perfeita virada de cabeça para baixo depois que conhece Elliot ( Ashton Kutcher), um esquelético cervo tagarela.
Na tranqüila cidade de Timberline, o urso de 400 Kg Boog tem a vida que pediu a Deus. Ele passa seus dias como a estrela dos shows ecológicos da cidade e suas noites em suas luxuosas acomodações na garagem da Guarda Florestal Beth (Debra Messing) que o criou desde filhote. Toda cidade tem um valentão e Timberline tem o paranóico caçador Shaw (Gary Sinise). Shaw acredita que os animais estão conspirando contra os humanos, “Então nós temos que pegá-los antes que eles peguem a gente”! Quando ele chega na cidade com o cervo de um só chifre – Elliot - amarrado ao capô de sua caminhonete, Boog pensa duas vezes antes de interferir. Mas, motivado pelos pedidos de socorro de Elliot, Boog – indo contra o bom senso – o liberta. Ele nunca imaginaria ver Elliot de novo. Dirigido por Roger Alles, Jill Culton e Anthony Stacchi, apenas Roger Allers já tinha dirigido um longa-metragem antes de O Bicho Vai Pegar. Ashton Kutcher e Martin Lawrence jamais se encontram durante as gravações de seus personagens para O Bicho Vai Pegar.

Por Mariana Campos Virgilio

Janela Aberta

2009-05-13T23:15:00.006-03:00

Um homem tenta lembrar se fechou uma janela. Um fato simples e corriqueiro; uma janela aberta; uma mente confusa. Um show de montagem e uma trilha sonora envolvente. Tudo representado de maneira magnífica neste curta de Philippe Barcinski.
Não vou me estender muito por aqui. Basta assistir.

Se tiver remédio para o personagem, me avisem.

Douglas Trevisan

Relatos sobre um elevador!

2009-05-13T23:14:00.002-03:00

Vou escrever rapidamente sobre como anda as coisas na nossa reprodução da cena “Os Infiltrados”. Escolhemos a cena na qual Matt Damon, no papel de Colin conhece Madolyn, a psicóloga. A cena acontece dentro de um elevador. Aparentemente tudo muito simples. Nós também achávamos isso até começar a procurar o bendito elevador!
Precisamos de um elevador grande, que caiba 7 pessoas dentro folgado e que seja de inox (não sei bem se é o material, mas é o que parece). Se alguém, por acaso, conhecer um desse me avise urgentemente. Caso contrário, teremos que apelar para o elevador apertadinho da PUC.
O pior é sabermos que existe o elevador perfeito. Ele está lá, no Shopping Itália. Na verdade são 8 deles, igualzinho ao do filme. Espaçoso, sem espelho, inox, até a luz é igual. O problema é que não autorizaram nossa gravação lá. Quem sabe amanhã a gente vá lá importunar um pouco mais, tentarmos ser mais convincentes e se tudo der certo, conseguir o tal elevador.
Os figurinos são tranqüilos. O maior problema é que os guris do meu grupo têm um sério problema com ternos, eles não os têm! Mas isso não é nenhum grande desafio, empresta dali, pega daqui e no final todos estarão nos seus papéis. Nossos grandes figurinistas serão Giselle, Mariana, Oliver, Gui e Douglas.
Já os atores principais serão representados por Tati e Igor! Nunca se viu antes um japonês interpretando Matt Damon! E também nunca se viu antes uma quase baiana interpretando uma loira americana! Hahaha... Essa que quero ver. Mas eu confio nesses dois, eles vão mandar bem nos diálogos. Se será em inglês ou português ainda não sabemos, mas de qualquer maneira eu sei que eles vão mandar bem na hora da ação.
Uma cena que tinha tudo para ser simples está nos dando uma pequena dor de cabeça. Mas acredito que no final vai dar tudo certo. Vamos entregar um bom trabalho nas mãos da Celina (a professora que inventa essas loucuras divertidas) e já começar a pensar no próximo trabalho, que terá uma próxima produção da Agência tomada1.
O próximo trabalho será sobre Experimentalismo Soviético. Nome comprido e aparentemente complicado. Vou tentar ler o máximo que eu conseguir e tentar descomplicar. Logo, quem vai me acompanhar nesse resto de semana é Eisenstein, e pelo menos uma das minhas sessões de cinema em casa será “Encouraçado de Potemkin”. Vou tentar ir mais além e tentar pensar numa futura produção que contenha as características desse movimento. Que venham os trabalhos! E que vão também, o mais rápido e bem feito possíveis!
Mas antes disso, eu ainda preciso de um elevador...

Por Fernanda Giotto Serpa

Do outro lado!

2009-05-13T22:42:00.004-03:00

Na frente das câmeras os atores. Por trás delas, também. É assim que vem acontecendo com vários artistas, que não sei se por vocação, cansaço, vontade ou simplesmente alguma crise existencial decidem dirigir ao invés de atuar nos filmes. Inclusive alguns deles deixaram de atuar e passaram a se dedicar somente à direção como, por exemplo, Mel Gibson, que atuou e dirigiu seu primeiro filme em 1993 “O homem sem face”, continuou levando as duas atividades em “Coração Valente”, porém ultimamente foi visto nos créditos só como diretor em “Paixão de Cristo” e “Apocalypto”.
Um que não deixou de atuar apesar dos seis anos de experiência como diretor de três longas, foi George Clooney, responsável por “Confissões de uma Mente Perigosa” e “Boa Noite e Boa Sorte”, os mais elogiados. Sem contar os veteranos Clint Eastwood, Robert De Niro, Jack Nicholson e Anthony Hopkins que continuaram atuando mesmo tendo dirigindo filmes muito bons.
Um ator que me surpreendeu como diretor foi Johnny Depp, dias destes assisti “O Bravo”, o filme já deve ter mais de 10 anos, é um pouco desconhecido, mas ótimo. Depp atua no filme como Raphael, um índio americano pobre que vive num trailer com a mulher e dois filhos, um dia recebe uma proposta de MC Carthy (uma pequena aparição do amigo Marlon Brando), que propõe que ele aparecesse num filme sendo espancado até a morte. Numa cena que não seria encenada, seria real e em troca, receberia 50 mil dólares. Ele aceita. O prazo é de uma semana, a qual ele aproveita para ficar com a família e prepará-la inconscientemente para sua morte.
Depp não apela para a emoção, como em muitos filmes Hollywoodianos do mesmo gênero, o que nos dá liberdade e permite reações à história de uma forma pessoal, exigindo um envolvimento bem maior com o roteiro. Foi o primeiro e único filme dirigido e roteirizado por ele, e eu espero que não seja o ultimo, já que ele comprou recentemente os direitos do livro de Nick Hornby, “A Long Way Down”, para adaptação cinematográfica.

Por Giselle Farinhas

Regras

2009-05-13T00:05:00.004-03:00

“Clube da Luta” é o tipo de filme que te leva a pensar uma coisa durante todo o filme e no final te passa uma rasteira e diz “te peguei”. Não era nada daquilo que você pensava! Você termina o filme e é capaz de se ver (sem um espelho) com uma cara de bobo. Eu adoraria contar o final do filme para poder expressar essa surpresa, mas óbvio que eu jamais faria uma maldade dessas. Sigo aquele velho ditado: “Não faça para o outro aquilo que você não gostaria que fizessem pra você”.
O filme conta com atuações brilhantes de Edward Norton e Brad Pitt. Edward Norton interpreta Jack, o tal do cara patético, que leva aquela vidinha mais ou menos confortavelmente. Até o momento em que ele não consegue mais dormir e a insônia o deixa louco. Ele encontra sua salvação em grupos de terapia (me diga se isso não é patético). Ele passa a conviver diariamente com pessoas que tem alguma doença, como câncer ou tuberculose. Ele então volta a dormir como um bebê, e se convence de que tem muito a agradecer.
Eis que aparece na história uma mulher chamada Marla (Helena Carter). Cara e tipo de se vestir de louca. Fuma feito uma louca e vai aos grupos de terapia para tuberculoso. Ela é uma versão feminina de Jack nesse aspecto. Ela vira o mundo dele para baixo. Do nada ele se vê perdido na insônia novamente. Ir aos grupos não dá mais certo. Em meio a essa loucura Jack encontra Tyler (Brad Pitt). Um cara tranqüilo, charmoso, descolado (gíria antiga hein), tudo o que Jack queria ser.
O mais chocante no filme é que eles resolvem brigar do nada. Simplesmente começam a bater um no outro pelo prazer, o prazer da dor. Não processei isso até agora . A partir dessa brincadeira, nada recomendável, eles começam a encontrar adeptos. O grupo cresce e as regras desse clube, chamado “Clube da Luta” são:
1 – Você não fala sobre o Clube da Luta
2 – Você não fala sobre o Clube da Luta
3 – Quando alguém disse “pare” ou perder os sentidos a luta acaba
4 – Só dois caras em cada luta
5 – Uma luta de cada vez
6 – Sem camisa, sem sapatos
7 – As lutas duram o tempo que for necessário
8 – Se essa é a sua primeira noite no Clube da Luta você precisa lutar
Apenas oito regras que criam um exército de homens alienados que apenas respeitam as ordens do clube. Respondem “Sim, senhor”, “Não, senhor”, admiram Tyler e Jack e estão unidos para por em prática o “Projeto do Caos” de Tyler. Ele é totalmente contra a sociedade do consumismo. Não acredita nas necessidades materiais e quer acabar com esse capitalismo selvagem.
Você nota que Jack não está normal em nenhum momento no filme. No começo ele é um coitado, que apenas sobrevive. E depois ele vira um ser cheio de raiva e extravasa isso sempre que pode, até o momento no qual ele perde o controle.
O filme faz uma crítica clara sobre a sociedade de hoje. Você percebe isso nas falas de Brad Pitt. Há momentos em que ele diz “Você não é o seu carro...não é a sua casa”. Ele apenas vive de idéias e vontades. Outra parte do filme que também mostra esse lado é quando eles vão roubar gordura de uma clínica que faz lipoaspiração para fazer sabão. Depois que eles fazem o sabão eles vendem nas melhores lojas, pois é o produto preferido das ricaças. Ricaças essas que fizeram a lipoaspiração. Um ciclo de consumo!
O grupo que ele forma é totalmente alienado, não tem pensamentos próprios e não questiona idéias. Isso me lembra muito o socialismo: acabar com o consumo, promover igualdade, mas não dar chance de questionamentos e criar uma hierarquia no grupo. Pode parecer abobrinha, mas foi isso que eu pensei.
O que choca no filme também é a maneira como é usado o som. Nos momentos de briga tudo o que está em volta fica mudo, você apenas escuta o som do impacto dos golpes. Não adianta fechar os olhos para não ver, é o som que intensifica essa sensação de mal-estar. O que você deseja é que aquela cena passe logo, simplesmente isso. O problema é que elas geralmente são mais longas.
“Clube da Luta” é um filme bom porque ele faz você pensar e questionar. O filme é cheio de absurdos, começando pelo grupo que se forma, pela maneira que acontece e depois pelo “grand finale”. Não é uma história simples de absorver. Ele não é convidativo, principalmente se for analisar cenários, histórias do personagem e a excessiva violência. Mas a regra número 1 do cinema (para mim) é: Assista e depois critique.

Vou por um vídeo com imagens do filme e a música tema do personagem de Edward Norton!

E só mais uma coisa! Quando deixei o recado para o pessoal do IN QUADRO esqueci da Amanda e da Marina! Desculpa meninas, mas é que me baseei nas fotos da gravação da cena e vocês não tavam por lá! Mas aqui fica meu abraço e meus parabéns aí pela remontagem da cena do Volver. To sabendo que vai ter muito molho de tomate na casa da Marina esse fim de semana! Hahahaa...

Por Fernanda Giotto Serpa

Um Eastwood

2009-05-10T23:17:00.003-03:00

“A Troca” é um filme dirigido e produzido por Clint Eastwood. Nada comparado ao seu último, “Gran Torino”. O filme é estrelado por Angelina Jolie e John Malkovich. É baseado na história real de Christine Collins. Seu filho desapareceu em março de 1928. Ela saiu para trabalhar e quando voltou para casa ele não estava mais lá.
Ela procura a polícia e depois de 5 meses eles dizem ter encontrado o menino. Detalhe que o menino não era seu filho. Abrir a boca para reclamar da polícia não era algo tolerável, afinal a cobrança da mídia era tanta que cometer um erro desses levaria a polícia de Los Angeles ao ridículo. O que fazer para calar a boca de uma mãe que recebeu a criança errada? Chamá-la de louca e mandá-la para um hospício não foi uma decisão difícil de ser tomada!
A história conta a luta dessa mulher que só queria saber do paradeiro do seu verdadeiro filho. Ela também teve o apoio do pastor, vivido por John Malkovich, que falava pela difícil situação dela através de uma rádio local. Mais uma vez a mídia intervindo em polêmicas.
Por ser uma história verídica os fatos saltam muito mais aos olhos. Um pequeno problema do filme é a atuação de Angelina Jolie, que muitas vezes exagera nas emoções. Óbvio que não se espera outra coisa de uma mãe que perdeu o filho, o problema é que Jolie não é natural nas suas expressões. Ela tenta ser tão convincente que acaba por não passar essa impressão. Mas ela conseguiu concorrer ao Oscar de Melhor Atriz, e acabou perdendo para Kate Winslet, pelo filme “O Leitor”.
A coisa que mais se destaca no filme, além do drama vivido pela mãe, é o batom extremamente vermelho de Jolie. A impressão que se tem do filme é que a imagem é mais pálida, as cores não ressaltam. Você não enxerga o verde vivo da grama, ou mesmo a cor vermelha do bondinho, mas é impossível não notar o batom vermelho de Jolie contrastando com a cor pálida de sua pele.
O que causa um pouco de incômodo no filme é a paciência, educação e racionalidade da personagem quando se trata da polícia ou justiça. Ela sempre tenta manter o controle, de maneira educada e polida. Ela pede, implora, diz ”por favor” e nada acontece. Ela não desiste e pede “por favor” mais uma vez. Ela chora em casa, no trabalho, sozinha, mas nunca expressa os sentimentos. E sem falar na maneira como ela chora, colocando a mão delicadamente sobre a face, como as mulheres dessa década faziam, primar pelos bons gestos e boa educação. Isso você nota quando a prostituta que ela encontra no hospício fala alguns palavrões, e ela a corrige dizendo que não são bons modos para uma moça.
Num todo não dá para reclamar do filme. É um filme bom sim, mas nada comparado às outras produções de Eastwood como “Sobre Meninos e Lobos”, “Menina de Ouro” e Gran Torino. Um bom drama. O que choca é a maneira que se resolve o filme e por saber que isso realmente aconteceu. Não posso contar aqui, porque eu acabaria estragando o final para quem ainda não assistiu.
Assisti também ao filme “Marley e Eu”. O Dani já comentou o filme por aqui. O que posso dizer é que ler o livro é muito melhor que assistir ao filme. Eu sou dessa opinião em 100% das adaptações. Quando você lê o livro e depois assiste ao filme fica nítida a quantidade de detalhes importantes que são deixados para trás, devido a duração e andamento da história. Se muitos choraram no filme “Marley e Eu”, pode ter certeza que o livro é muito mais tocante. Nada substitui as palavras de quem viveu com Marley, são os sentimentos que estão ali. No filme a presença de atores conhecidos muda um pouco a idéia que você tem da história. Lendo o livro você cria os personagens na sua cabeça. Eu, por exemplo, achei que a Jennifer Aniston não tinha nada a ver com a verdadeira dona de Marley. Enfim, o filme é legal, mas não deixe de ler o livro.
Vou deixar hoje aqui também o primeiro cartaz que saiu do filme “Transformers 2”. Por hoje é só isso mesmo!

Por Fernanda Giotto Serpa

Sessão de Sábado

2009-05-09T20:07:00.003-03:00

Assisti ao filme “Star Trek” hoje. Posso afirmar, com certeza, que vale a pena conferir. Eu, que simplesmente, nunca acompanhei o seriado Jornada nas Estrelas na minha vida gostei do filme. Não tenho muito o que dizer, já que no post passado eu deixei um pouco sobre a opinião do crítico do Omelete.
É aquilo mesmo, um filme muito bem produzido, com efeitos especiais muito bons e com uma solução muito boa do diretor para não decepcionar os fãs. O diretor Abrams usou o universo paralelo como uma forma de não excluir o original e ao mesmo tempo trazer algo novo para as telas. Abrams rejuvenesce os personagens principais da trama e mostra a USS Enterprise desde o começo. A presença do ator Leonard Nimoy animou os espectadores assíduos de Star Trek. Ele é o personagem Spock no seriado. Já o ator William Shatner não quis saber de aparecer no filme. Ele faz o capitão James T. Kirk. Aliás Chris Pine foi muito bem no papel de Kirk. Ele que só havia feito produções pequenas e mais adolescentes mostrou competência na atuação.
Mas para mim um dos personagens mais engraçados é o de Simon Pegg. Ele faz o Scott do futuro. Sou suspeita pra falar, pois gosto dele como ator, e sempre me divirto com seus filmes, por mais idiotas que possam ser.
Outro filme que vem gerando expectativa é “Exterminador do Futuro 4”. Saiu o último trailer do filme, que por sinal é muito bom e completo. O trailer tem quatro minutos de duração. Esse filme promete. Aparentemente não é uma simples continuação que força a barra e apenas se apóia no sucesso dos outros filmes. Pelo trailer nota-se que o filme tem um roteiro bem estruturado e uma continuação lógica, sem falar na boa produção. E prestem atenção no GP da Espanha de Fórmula 1 no domingo: os carros de Jenson Button e do Barrichello estarão decorados com imagens do filme. Divulgação é a alma do negócio! Vou deixar o link aqui para vocês. Assistam!
http://www.omelete.com.br/popup/popup_galeria_videos_ordenada.aspx?id=100019640&img=1
Outra novidade! Keanu Reeves vai estrelar no remake do filme “O Médico e o Monstro”. A história é muito conhecida e já foi adaptada no cinema e no teatro várias vezes. Conta a história de um médico que desenvolve um poção, que quando tomada desperta o pior lado de sua personalidade. Guilherme Del Toro será um dos produtores do filme.
E a última de hoje! Assisti ao trailer do “Transformers 2” no cinema. Sensacional a maneira como eles usam o som e a ausência dele. Primeiramente você tem a impressão de que será mais um daqueles filmes onde a Terra vai acabar, pois pequenos meteoros atingem a Terra. As explosões continuam silenciosamente, e de vez em quando temos picos de som das máquinas se movendo. Confira abaixo e veja o que estou tentando dizer:

Por hoje é só pessoal! Esse fim de semana tenho três filmes para assistir: “A Troca”, “Marley e Eu” e “Clube da Luta”. Vamos lá entaum!

Por Fernanda Giotto Serpa

Um convite imperdível para o espaço!

2009-05-07T23:14:00.013-03:00

Os últimos dias tem sido corridos para mim. Comecei a trabalhar, trabalhos da faculdade, inglês e tarefas domésticas. Tudo junto e misturado. Infelizmente isso tem afetado meu costume de assistir filmes assiduamente. Agora só me sobraram os fins de semana, e olha lá! Como não assisti a nenhum filme desde ontem vou colocar algumas notícias que saíram no Omelete. Faz tempo que não faço isso!
A principal notícia é, sem discussões, a grande estreia de “Star Trek”! Começando pela capa do site, que está personalizada com imagens do filme. As críticas são a grande maioria a favor e a expectativa é muito grande. Não fui espectadora da série Jornada nas Estrelas, mas mesmo assim estou ansiosa. O que uma boa propaganda não faz, hein? Até que não conhece fica seduzido pelo filme.
A crítica do Omelete deu 5 ovinhos para o filme! Pontuação máxima. Segundo a crítica o diretor J. J. Abrams e seus colaboradores Kurtzman e Orci conseguiram manter aquilo que Jornada das Estrelas era na década de 60, mas trazendo o original, sem ser apenas um remake da série. O filme tem aventura, comédia, ação e até algumas partes mais dramáticas. Todos os personagens são bem explorados. Segundo Érico Borgo, não faltam situações para que cada personagem seja bem trabalhado e explorado dentro do seu próprio universo.
Ederli Fortunato, que também deixou seu ponto de vista sobre a adaptação, diz que mexer com a série é mexer com o cânone – que é todo fato ocorrido dentro da série. Quando Abrams pegou esse árduo trabalho ele queria criar algo novo, mas sem desvencilhar-se das histórias do seriado para não perder a identificação com o espectador. Não tem coisa mais irritante do que você assistir algo do qual você é fã totalmente deturpado pelos roteiristas. Abrams optou por uma viagem no tempo. Levou todos os personagens para o passado e deu um rumo diferente para suas vidas, mas sem se desfazer daquilo que ele já era.
Se Star Trek vai ter continuação ou não, sinceramente não sei responder. Isso só as bilheterias vão dizer. Se eu tivesse dinheiro eu apostava no “sim”. Vou tentar conferir o filme no sábado, espero mesmo que eu consiga.
Outras informações, que não são tão importantes agora como Star Trek, mas são relevantes para quem acompanha cinema. A WB cancelou o filme do herói Lanterna Verde! O filme que era pra estrear em dezembro de 2010, vai estrear só em junho de 2011. Além de Lanterna Verde vai haver mais uma grande leva de adaptações de quadrinhos de heróis para a mesma época: Thor, Homem-Aranha e Capitão América. A concorrência direta de Lanterna Verde será o filme “Carros 2” que estreia uma semana antes. Outra animação que terá continuação depois de 5 anos será Happy Feet. Estou louca para conhecer a nova trilha sonora. Espero que tenha Queen mais uma vez.
E saiu também mais três cartazes do filme “Bastardos Inglórios” de Tarantino. Veja com seus próprios olhos:

Além de “Star Trek” estreia essa semana também “Um Ato de Liberdade”, com Daniel Craig; “Import Export”, um filme austríaco que se divide em duas histórias com dois personagens; e o “Equilibrista”, documentário sobre um homem que passou de uma das torres gêmeas para a outra apenas se equilibrando numa corda, sem nenhum tipo de segurança. Semana que vem estreia “Anjos e Demônios”, a adaptação de outro filme de Robert Langdon, que por sinal é muito melhor que o “Código da Vinci".

Deixo aqui um abraço para o pessoal do IN QUADRO. Eles estão produzindo o remake da cena do filme “Volver”, de Almodóvar. A Liz está perfeita no papel da personagem Penélope Cruz, ela é a nossa Penélope em versão brasileira. Linda! Quanto a Sah, não posso comentar, pois não assisti ao filme e não sei qual é o seu personagem, mas acredito que ela também deve ter dado um show. Essa menina de voz meiga muda em frente a uma câmera. E claro minhas eternas companheiras Andrizy e Carol, super competentes, boto minha mão no fogo por elas. E também parabéns ao grupo de produção de arte – Claudia e Barbara se superaram, até os sapatos da personagem são idênticos. E não posso esquecer o bendito fruto entre as mulheres, Marcos! Estou ansiosa em pessoal...

Por Fernanda Giotto Serpa

Uma fofura!

2009-05-06T00:13:00.002-03:00

Um pinguim precisa, necessariamente, ter uma linda voz. Não para Mano, que tem uma voz parecida com a de um menino adolescente. Acredito que todas as pessoas já viram um adolescente falando. O timbre da voz vai do grave para o agudo sem cerimônia - o tempo inteiro. É assim que Mano canta.
Ele não sabe cantar, mas tem um ritmo inigualável. Seus pés não se controlam e sapateiam o tempo inteiro. Mas isso não é o suficiente no mundo dos pingüins. É através da canção que os pingüins encontram seu verdadeiro amor. Logo, Mano está fadado a ficar sozinho.
Mano é na verdade uma aberração na natureza, inclusive seu pai também acha isso. Além disso tudo, Mano é também considerado culpado pela falta de peixes. Os verdadeiros culpados são os humanos, que estão realizando pescas na região. Mano, sem nada a perder, sai pelo mundo em busca de respostas e em busca do que ele chama de ET – os seres humanos.
O filme conta com as vozes de Elijah Wood como Mano; Hugh Jackman como Memphis, pai de Mano; Nicole Kidman como Norma Jean, mãe de Mano; Brittany Murph é Glória e Hugo Weaving é Noah. Robin Willians faz três personagens: Amoroso, Ramón e Cletus. Todo esse elenco resulta num filme pra lá de fofinho. Isso mesmo! Parece tosco dizer, mas é fácil se apegar ao pingüim sapateador – principalmente quando ele ainda é um bebê.
O filme é quase um musical animado. Eles cantam e dançam em sincronia. As músicas são animadas e a maioria são conhecidas. Prince e Queen fazem parte da trilha. Queen com a música Somebody to Love, que, em minha opinião, é simplesmente maravilhosa. Sou suspeita pra falar, já que sou fã de Queen. Quanto ao Prince não acompanho, mas a música que cantada por Nicole Kidman e Hugh Jackman é conhecida, sem falar que o ritmo é muito bom. Escute e assista abaixo:

Interessante no filme também é o papel do ser humano. Primeiro que os seres humanos são reais, não são animações. E segundo que o papel dele é diferente do que geralmente vemos em animações, como em “Procurando Nemo”, que vemos o humano destruindo a natureza com a poluição – que é absolutamente verdade. Em “Happy Feet” o ser humano atende ao pedido da natureza e ignora a atividade comercial de pesca que realizava no local. Surpreendente para mim.
E óbvio que não posso deixar de comentar sobre os personagens pingüins que ficam amigos de Mano durante o filme. São cinco pingüins, pequenos, aparentemente meigos, mas cheios de gracinhas e piadinhas que arrancam uma risada fácil do espectador.
Esteticamente o filme é muito bom. As cenas de dança são as que mais chamam a atenção, pela sincronia e perfeição, causando certa hipnose no espectador que não consegue deixar de olhar as cenas. As músicas e as danças são os pontos altos do filme, é o que faz o filme ser atrativo. E claro, o fofinho do Mano ainda bebê. Esse é impagável. Impossível não achar fofinho!

Por Fernanda Giotto Serpa

Onde o tempo é o dono da história

2009-05-04T22:34:00.002-03:00

Três possíveis finais diferentes. Ou podemos dizer que é um filme “três em um”. “Corra Lola Corra” é um filme alemão, que acontece seguido de uma trilha sonora frenética embalada por um ritmo tecno. Impossível dormir no filme. Aparentemente ele é repetitivo, mas a surpresa de saber o que vai acontecer com os personagens em vez que a história volta prende a atenção.
Deixe-me primeiro contar como que funciona o roteiro do filme. Manni (Moritz Bleibtreu) trabalha para uma quadrilha de contrabandistas trazendo e levando dinheiro. No seu último trabalho ele esquece uma quantia de 100 mil marcos dentro do metrô. Desesperado, ele tem apenas 20 minutos para recuperar o dinheiro e entregá-lo ao seu chefe. Caso contrário, adeus Manni. Ele liga então para sua namorada Lola (Franka Potente) pedindo ajuda. A única solução que Lola acha é pedir ajuda ao seu pai, que trabalha num banco. E assim começa a corrida de Lola, que sai de casa com o objetivo de ajudar Manni.
No caminho Lola ela encontra vários pessoas. A história se repete três vezes – desde o momento em que ela atende a ligação do namorado até o fechamento da história. Em cada história ela encontra-se de maneiras diferentes com esses personagens secundários. Ora ela bate neles, ora ela nem os vê. E as escolhas de Lola, de seguir tal caminho e tomar tal atitude, também influenciam na vida desses personagens. O futuro deles aparece em forma de fotografias. Assim que Lola passa por eles o filme nos mostra o que aconteceu com eles no futuro.
O fechamento de cada história usa a cor como ferramenta. Sempre que uma história acaba a tela fica vermelha e mostra um diálogo de Lola com Manni. E logo Lola volta a correr para chegar num outro final. E olha que essa mulher corre. A primeira coisa que me passou pela cabeça foi pensar no excelente preparo físico da atriz, que corre loucamente durante todo o filme.
O filme tem também suas tiradas cômicas. Como os momentos em que Lola grita de maneira tão estridente que quebra os vidros do local. É uma atitude tão inesperada que parte da personagem que chega a ser engraçada. Lola se mostra uma pessoa controlada a maior parte do tempo. Mesmo sabendo que tem apenas 20 minutos para salvar o namorado ela sabe que vai achar alguma solução.
Esses 20 minutos é outro fator que me incomodou durante o filme. 20 minutos é o tempo estipulado por Manni no telefone quando fala com Lola. O filme tem 81 minutos, 21 minutos de abertura e os outros 60 para as três corridas de Lola - cada corrida com 20 minutos. Aparentemente é impossível Lola fazer tudo o que faz em tão pouco tempo. Os acontecimentos paralelos a corrida não são contados nesses 20 minutos e você percebe isso também pela maneira diferente que são mostrados. As imagens ficam levemente desfocadas.
Depois de fazer uma pesquisa sobre o filme, descobri que o número 20 aparece mais 2 vezes durante o filme. Quando Lola entra no cassino falta 20 centavos de marco para ela conseguir a ficha de 100 marcos. E ainda dentro do cassino ela insiste em apostar no número 20. E é com esse número que ela consegue os 100 mil marcos nessa parte da história. Bendito número 20, hein?
Outra coisa que descobri na pesquisa é que as cores das bolsas que são usadas por Lola, em cada uma das histórias, para guardar o dinheiro, tem seus significados. Na primeira história Lola coloca o dinheiro numa bolsa vermelha (olha o vermelho aí, mais uma vez). Isso demonstra a insegurança de Lola e a maneira insensata com que ela age num primeiro momento. A palavra falada por ela para recomeçar a sua corrida é “stop”. A segunda bolsa é verde. Ela passa a encarar com mais frieza aquilo que é um obstáculo. Está mais calma e tem um objetivo, segue em frente. Mas mesmo assim ela ainda está sendo guiada pelo extremo e pressão da situação. Mais uma vez não temos o final feliz. E a música que recomeça a história mais uma vez diz: “Just go go, never stop and never think/ To do do do do the right thing/...”. Na última e terceira corrida a bolsa é dourada, amarela. O amarelo significa atenção e reflexão para se chegar ao resultado desejado.

E só pra lembra a atriz Franka Potente fez também o filme "A Identidade Bourne" e uma pequena aparição na "Supremacia Bourne". Grandes filmes por sinal. Não conheço, além disso, a história de Franka como atriz, mas até aqui dá pra dizer que ela fez boas aparições no cinema!
E por último é importante dizer que o verdadeiro protagonista do filme é o tempo. É ele que dita as atitudes de Lola e o futuro dos figurantes. O filme é o tempo!

Esse vídeo abaixo não tem relação nenhuma com "Corra Lola Corra". Eu assisti no You Tube e achei muito bom! É o filme Titanic em 5 segundos. Acesso o You Tube e procure "Cinema em 5 segundos". São vários filmes, alguns muito bem feitos. É meio ridículo, mas chega a ser engraçado. Recomendo também "Rocky em 5 segundos"!

Por Fernanda Giotto Serpa

Seria cômico se não fosse trágico!

2009-05-03T23:28:00.003-03:00

Nicolas Cage está mais deprimente em “Adaptação” do que em “O sol de cada manhã”. Como ele mesmo se chama durante o filme ele é um gordo, patético, careca e feio. Ele é um roteirista que recebe o trabalho de adaptar o livro sobre orquídeas da escritora Susan Orlean, vivida por Meryl Streep. O livro conta a história de John Laroche (Chris Cooper), um fornecedor de plantas raras que lucra com a venda para colecionadores.
O personagem de Chris Cooper é outro desequilibrado. Na realidade todos os personagens são um tanto quanto problemáticos. Cada qual com seus problemas e conflitos pessoais. Laroche é mais chamativo, só isso. Um homem sem os dentes da frente, meio grosseiro, que tem uma van imunda e muda de hobby constantemente. Ora são as orquídeas, ora o site pornô, ora fósseis. Definitivamente ele é um homem sem rumo na vida.
Susan Orlean é uma jornalista que trabalha na revista “The New Yorker” e aparentemente está satisfeita com a vida que leva. As aparências enganam. O modo como Laroche leva a própria vida abala a maneira de viver de Susan. Ela fica sem rumo na história. Ela passa de uma mulher decidida e bem-sucedida para uma mulher problemática, volúvel e indefesa.
Dentro da vida do personagem de Cage, Charlie Kaufman, tem também seu irmão gêmeo Donald. Sabe aquele cara chato, que sempre fala nas horas importunas e coisas importunas? É esse! Um típico sanguessuga. Mora com o irmão e quer ser um roteirista como ele. Ele faz um curso para aprender. As idéias de roteiro dele são as mais engraçadas. No fim você acaba se afeiçoando ao personagem.
A parte boa do filme é deixar o espectador sempre confuso em relação à narrativa da história. Será que Charlie Kaufman estava contando a história do seu roteiro? Será que aquilo já era o roteiro gravado, como um filme dentro de um filme? Ou era mesmo a história da difícil produção do roteiro? Você vai entendendo isso aos poucos, com o andamento da história.
O filme trás também uma estrutura não-linear quando se trata da montagem da história. As idas e vindas no tempo são constantes e na vida de personagens diferentes. Estamos num tempo com Cage e logo passamos há alguns anos atrás com Meryl, e logo depois mais anos voltam atrás para Cage. A princípio você confunde um pouco, mas a montagem faz sentido rapidamente e você consegue seguir o objetivo da história.
O filme ganhou o Oscar de Ator Coadjuvante com Chris Cooper. Concorreu também ao Oscar de Melhor Ator, com Cage; Melhor Atriz Coadjuvante, Meryl Streep e Oscar de Melhor Roteiro Adaptado. Recomendo essa comédia dramática. Como é aquele ditado mesmo? Seria cômico se não fosse trágico! Essa é a vida de Charlie Kaufman! Assista ao trailer:

Por Fernanda Giotto Serpa

Grande Leone!

2009-05-02T16:51:00.003-03:00

Já que escrevi sobre “Era uma vez no oeste” do diretor Sergio Leone, porque não falar também de outro título seu, muito famoso, conhecido como “Três Homens em Conflito”? No título original é conhecido como “The Good, The Bad and The Ugly”. O filme é de 1966 e conta com Clint Eastwood (o bom), Lee Van Cleef (o mau) e Eli Wallach (o feio).
O filme é muito parecido com “Era uma vez no oeste” quando se trata da valorização do som, das imagens detalhistas e das expressões dos personagens. Mas é muito diferente quando se trata de movimento e dinâmica. “Três Homens em Conflito” é muito mais rápido e ágil em se tratando da história. As coisas acontecem, os diálogos são mais freqüentes e as melhores piadas são de Clint Eastwood. “Era uma vez no oeste” é muito mais dramático nas suas cenas e diálogos, os tempos sem fala são longos e o tema do filme é muito mais social do que “Três Homens em Conflito”.
A história de “Três Homens em Conflito” conta a busca dos três personagens principais por uma fortuna de 200 mil dólares. Clint é conhecido como Blondie, Lee é Olhos de Anjo e Eli é Tuco. Tuco é a parte cômica do filme. O personagem ganancioso que passa por cima de qualquer coisa para conseguir o que quer. Obviamente ele sempre acaba se dando mal e ficando à mercê de Clint Eastwood. Ele sempre conta vantagem e depois está pedindo perdão e arrego. Blondie é o cara de respostas curtas, sempre com a mesma calma e objetividade. Nada o deixa nervoso, ele sabe que tem tudo sob controle. E Olhos de Anjo é aquele que acha que sempre vai ganhar, o tal cara cheio demais. Mas chega uma hora em que o vilão precisa perder.
Através de Bill Carson os três descobrem que a fortuna está enterrada num túmulo no cemitério Sad Hill. Tuco sabia o nome do cemitério. Blondie sabia o nome do túmulo. Bill Carson morreu e Olhos de Anjo arrancou o nome do cemitério de Tuco. Quanto a Blondie ele preferiu levá-lo consigo. Entre idas e vindas os três terminam no mesmo lugar – em Sad Hill. Através de um duelo empolgante eles decidem quem fica com o nome do túmulo e com o dinheiro. E até na última cena do filme dá pra dar umas boas risadas com Tuco.
O filme é muito bom. Já disse e repito, não fazem mais westerns como antigamente. Clint Eastwood é mestre no que faz. E a história do filme supera qualquer expectativa. Palmas para Sergio Leone também!
E claro que eu não posso deixar de comentar sobre a trilha sonora. Uma das mais conhecidas e dentre os filmes de western. E, em minha opinião, uma das melhores também. Aproveite abaixo:

Fui ao cinema hoje também. Assisti Wolverine. Um comentário rápido sobre o filme. Realmente ele deixa a desejar em alguns efeitos especiais. Em algumas partes pode-se notar facilmente o uso do cromaqui. Hoje em dia, com tanta evolução nos aparatos tecnológicos e investimento nesse tipo de filme, erros em efeitos especiais é inadmissível. O mínimo que o filme precisa ter é um visual decente. Quanto a história eu gostei. Nada que tenha me feito odiar o filme. Eu não seguia os quadrinhos, mas os fãs dizem que algumas coisas foram deturpadas no filme. Mas que adaptação que não tem as suas mudanças, certo?
Assisti também “A Última Tentação de Cristo”. Grande obra de Scorsese. Foi muito polêmico na época em que foi produzido, já que ele mostra Jesus Cristo cedendo à tentação e seguindo os passos que o demônio lhe indica. É estranho assistir ao filme pelo repertório que possuímos de filmes sobre a história de Jesus Cristo. Ele sempre é confiante, calmo e corajoso. No filme de Scorsese vemos um Jesus Cristo confuso, com medo, assustado e sem saber se deve ou não seguir o caminho da crucificação. Parabéns para Willem Dafoe. Vemos também um Judas diferente do que conhecemos. Ele não traiu Jesus por covardia, ele traiu Jesus porque o próprio o pediu. Harvey Keitel se mostra um Judas indignado com a escolha de Jesus Cristo de ser um homem normal. Recomendo, embora não acredite nessa versão baseada no livro de Nikos Kazantzakis.

Por Fernanda Giotto Serpa

As maiores bilheterias de todos os tempos!

2009-05-01T13:15:00.005-03:00

A revista Super Interessante publicou na edição de maio uma lista dos 30 filmes mais assistidos, levando em conta os ajustes da inflação, já que hoje com os ingressos super caros, qualquer filme pode se tornar um blockbuster.
São eles:

1- E O VENTO LEVOU (1938) - US$ 1, 455 bilhão

2- GUERRA NAS ESTRELAS (1977) - US$ 1, 282 bilhão

3- A NOVIÇA REBELDE (1965) - US$ 1, 025 bilhão

4- E.T. O EXTRA-TERRESTRE (1982) - US$ 1, 021 bilhão

5- OS 10 MANDAMENTOS (1956) - US$ 943 milhões

6- TITANIC (1997) - US$ 924 milhões

7- TUBARÃO (1956) - US$ 922 milhões

8- DOUTOR JIVAGO (1965) - US$ 894 milhões

9- O EXORCISTA (1973) - US$ 796 milhões

10- BRANCA DE NEVE E OS SETE ANÕES (1937) - US$ 784 milhões

11- 101 DALMÁTAS (1961) - US$ 719 milhões

12- O IMPÉRIO CONTRA-ATACA (1980) - US$ 707 milhões

13- BEN-HUR (1959) - US$ 706 milhões

14- O RETORNO DE JEDI (1983) - US$ 677 milhões

15- GOLPE DE MESTRE (1973) - US$ 641 milhões

16- OS CAÇADORES DA ARCA PERDIDA (1981) - US$ 632 milhões

17- JURASSIC PARK (1993) - US$ 620 milhões

18- A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM (1967) - US$ 616 milhões

19- GUERRA NAS ESTRELAS - A AMEAÇA FANTASMA (1999) - US$ 611 milhões

20- FANTASIA (1941) - US$ 598 milhões

21- O PODEROSO CHEFÃO (1972) - US$ 568 milhões

22- FORREST GUMP (1994) - US$ 566 milhões

23- MARY POPPINS (1964) - US$ 563 milhões

24- O REI LEÃO (1994) - US$ 556 milhões

25- NOS TEMPOS DA BRILHANTINA (1978) - US$ 554 milhões

26- 007 CONTRA A CHANTAGEM ATÔMICA (1965) - US$ 539 milhões

27- O CAVALEIRO DAS TREVAS (2008) - US$ 533 milhões

28- MOGLI - O MENINO LOBO (1967) - US$ 530 milhões

29- A BELA ADORMECIDA (1959) - US$ 523 milhões

30- SHREK 2 (2004) - US$ 512 milhões

Giselle Andretta Farinhas

Trilha sonora que dá gosto!

2009-04-29T17:06:00.004-03:00

“Era uma vez no oeste” é o tipo de filme que super valoriza os detalhes, sons, expressões e movimentos. Ele pode se passar por um filme lento, mas prefiro dizer que ele é detalhista. O filme tem no elenco Charles Bronson, como o Gaita e Henry Fonda como Frank. Frank é um matador profissional, um pistoleiro. No início do filme ele mata uma família que tem um pedaço de terra que fica numa região importante – onde futuramente uma rota de trem importante seria construída.
Mas o que Frank não sabia é que o dono das terras que estava viúvo havia se casado com uma prostituta de New Orleans. Agora ela passa a ser o alvo de Frank. Mas novamente ele é pego de surpresa. Um homem, interpretado por Charles Bronson, aparece no pacato local e quer acertar contas com Frank. Frank não sabe quem ele é, nem o porquê desse acerto. A única coisa que ele sabe é que ele toca uma gaita como ninguém – toca na hora que precisa falar e fala na hora que precisa tocar.
O filme tem 165 minutos. É um filme que necessita da atenção total do espectador. Ele é lento porque suas cenas são bem trabalhadas na imagem e no som, deixando algumas vezes o diálogo em segundo plano. A primeira cena é o exemplo concreto disso. Ela demora em torno de 15 minutos pra passar. Não há muita ação e nem diálogo, apenas os atores. Três homens chegam numa estação de trem, você escuta nitidamente os passos na madeira, o rangido do chão, o vento lá fora, o barulho do cata-vento. Na imagem vemos bastante close. Os olhos, os pés, a mão na arma, a roupa. Tudo em detalhes. E eles ficam lá esperando o tempo passar e o trem chegar, e o espectador também fica. É como se tivéssemos a mesma passagem temporal. Quando o trem chega é a mesma coisa. Um barulho que assusta, pois estamos acostumados com apenas o barulho do vento. Você escuta os freios do trem, estridentes e várias imagens, repetidamente da sua chegada.
Outra cena notável é aquela na qual Frank mata a família. O mesmo silêncio e barulho do vento. O legal dessa cena é que ela está muito mais para um suspense. Tem um pequeno ruído que escutamos o tempo todo. Há dois momentos nos quais ele pára de repente e só aí nos damos conta de que existe esse barulho. A falta dele significa que algo ruim está para acontecer, gerando uma expectativa e curiosidade em torno da cena. Até que escutamos tiros, não nos é mostrado de onde eles vieram. Vemos os pássaros voando, nenhum cai morto no chão. Até que a câmera nos mostra que a filha do dono das terras está caída morta no chão. Essa cena é muito bem produzida.
No início a intenção do diretor Sergio Leone era chamar Clint Eastwood para fazer o papel que está com Charles Bronson. Mas ele já tinha compromissos na época que acabou não aceitando. A outra idéia de Leone era chamar os três atores principais do filme “Três Homens e Um Conflito” para abrirem o filme na cena dos três homens na estação. Mais uma vez Eastwood não pode comparecer. A idéia ficou apenas na vontade. Aliás, um dos homens que fez essa primeira cena, Al Mulock, suicidou-se em pleno set de filmagem. Trágico!
Esse é um filme que o espectador precisa dar tempo ao tempo para assistir. Apreciar cada detalhe que lhe é colocado e entender bem como são os personagens. Ele pode até ser cansativo, mas vale a pena só para você escutar o som da gaita de boca que vem do personagem de Charles Bronson. O grande forte desse filme é som, sem dúvida! Escute a trilha sonora abaixo e comprove. Carregue o vídeo e escute a terceira música - é a música que o Bronson sempre toca na gaita!

Há um erro no título do filme. O verdadeiro nome do filme deveria ser “Era uma vez O Oeste”, como uma despedida do velho oeste com a chegada dos trens, do progresso. Mas o título em inglês não dá esse mesmo sentido com o uso dos termos "in the". O filme na sua época foi um fracasso de bilheteria. Hoje ele é aclamado como um dos melhores westerns já feitos.

Por Fernanda Giotto Serpa

Faroeste em Nova Iorque

2009-04-28T22:19:00.005-03:00

Ele não tem o gatilho mais rápido do oeste. As vezes sequer anda armado. Não luta como o Van Damme ou Chuck Norris. Mesmo assim tem a prepotência do Mac Gyver (série famosa da década de 80 – Profissão Perigo, no Brasil) e a calma de um monge para discutir com as pessoas, principalmente as mulheres. Coogan ( Clint Eastwood) é um subxerife de sua cidade, no estado do Arizona (Ai de qualquer um que o confunda com um caubói do Texas), que é designado para transferir um preso de Nova Iorque de volta para sua jurisdição. O caubói chega a cidade grande desejando retornar o mais breve possível. Logo percebe que os entraves burocráticos da própria lei não permitirão que a façanha se realize com tal rapidez. É aí que Coogan começa a ter problemas. Ele utiliza meios legais e ilegais para conseguir o que quer. E consegue. Pelo menos em princípio. Mentindo para alguns policiais Coogan consegue a liberação para transferir seu preso, Jimmy Ringerman, um bandido envolvido com drogas. Não demora e o castigo vem a cavalo, mesmo em Nova Iorque. Os comparsas de Jimmy atacam Coogan no aeroporto e promovem a fuga do garoto. Coogan está agora machucado e com uma ordem de não se meter mais no caso. Mas quem disse que ele para? Ele se levanta, ajeita o chapéu e diz: “Eu só quero fazer meu trabalho”. Sai em busca de pistas para achar novamente seu preso e cumprir sua tarefa. Nem precisa dizer que ele burla a lei novamente.
Notou quantas vezes Coogan foi citado no texto? E adivinha o nome do filme: Meu nome é Coogan (1968 - direção de Don Siegel). Mais ou menos desse jeito as coisas acontecem no longa. É difícil lembrar uma cena do filme em que Clint não apareça. A história é meio previsível e comum, mas vale a pena assistir pela forma como o ator conduz seu personagem. Vale também para ver que já naquela época ele tinha esse estilo rabugento recentemente visto em Gran Torino.

por Daniel Courtouke dos Santos.

Um Stallone difícil de imaginar

2009-04-28T20:18:00.002-03:00

Você já imaginou assistir a um filme no qual Sylvester Stallone é o personagem principal e Robert De Niro faz um papel secundário? Sendo que Stallone faz um homem com cara de “peixe morto”, tipo tongo mesmo, e não é o pegador do filme? E só pra forçar mais um pouquinho a barra, você consegue imaginá-lo com uma leve pancinha pochete? Pois tudo isso acontece em Cop Land, a cidade dos policiais, que fica ao lado de Nova Iorque, e que é o nome do filme do qual estou escrevendo.
Stallone faz o personagem de Freddy. Um homem que não conseguiu alcançar o sonho de ser policial. Ele perdeu a audição quando tentava salvar uma mulher que morria afogada. Isso impossibilitou que ele ingressasse na profissão de tira. Para não dizer que sua tristeza foi completa ele conseguiu um cargo de Xerife numa cidade habitada na grande maioria por policiais. Mas de que adianta ser um Xerife se ele não detinha o poder. Os policiais simplesmente tomam conta do local, e pode ter certeza que há muita corrupção e crimes envolvidos na história.
Harvey Keitel é Ray Donlan que é um dos grandes responsáveis por toda essa sujeira que acontece na cidade dos tiras. A trama acontece em torno de Babitch, conhecido também como Superboy, isso porque ele salvou uma menina de maneira heróica. Babitch acaba matando dois negros que o provocaram quando ele passava durante a madrugada pela ponte George Washington. Ele os matou de maneira injusta. Ray, sem pensar duas vezes, forja o suicídio de Babitch e planta algumas provas na cena do crime.
Robert De Niro trabalha na Corregedoria e faz o papel do desconfiado tenente Moe Tilden. Ele sabe da má fama de Ray e há tempos tenta prendê-lo por outros crimes envolvendo corrupção dentro da polícia. Essa é a hora! De Niro aparece pouco no filme, e não posso deixar de comentar q seu cabelo está demais. Mas como sempre, o pouco que ele aparece já faz uma grande diferença para o filme. Afinal, De Niro é De Niro. Ray Liotta faz o papel de Figgsy, um policial que também tem o rabo preso, mas não concorda com muitas coisas que acontecem por ali.
Stallone surpreende no papel. Estamos acostumados a vê-lo no papel do marrento, sabe-tudo, fenomenal homem das armas. Aquele que bate em todo mundo e mata apenas com um olhar. Nesse filme ele faz um cara totalmente apático e coitado. Dá pena mesmo. Acredito que como ator ele tenha alcançado seu objetivo. No peso pelo menos ele alcançou, engordou 18 quilos para fazer o filme.
Interessante é notar como eles representam a surdez de Stallone ao final do filme, quando (não vou dizer como) ele fica surdo dos dois ouvidos. Há um zumbido irritante e dá pra se ouvir ao longe as pessoas falando, como se fosse um som abafado, quase imperceptível. Você apenas fica com as imagens e essa falta de som, que chega a dar uma agonia para quem assiste. É como se você estivesse no lugar dele, desesperado por não conseguir ouvir.
Eu gostei do filme. Ele não é uma ação com excesso de porrada, sangue e socos. É um filme que trata de corrupção, abuso de poder e também de comodismo. Mostra que as pessoas não precisam estar diretamente envolvidas para serem culpadas de algum crime. Basta fingir que não sabe, não viu, não ouviu – a velha mania de tapar o sol com a peneira.

Assista ao trailer:

Por Fernanda Giotto Serpa

Uma questão de cor

2009-04-27T17:54:00.004-03:00

Um dos filmes que assisti durante o fim de semana foi “A Outra História Americana”, com Edward Norton e Edward Furlong. O filme é de 1998. A história dos dois irmãos interpretados pelos dois Edwards, respectivamente nos papéis de Derek e Danny é um meio de falar sobre o racismo. Derek faz parte da gangue dos skinheads, grupo que defende a supremacia branca. E ele deixa isso bem claro quando mostra uma cruz suástica enorme tatuada sobre o coração. Eles se apóiam nas idéias de Hitler, lêem Mein Kampf e saem pelas ruas aterrorizando qualquer pessoa que não seja branca.
Danny é apenas um adolescente na faixa dos 18 anos. Depois que o irmão é preso por matar brutalmente dois negros (e põem brutalmente nisso, é a cena mais chocante do filme) ele passa a ver no irmão um deus. Todos que fazem parte da gangue idolatram Derek pela sua atitude e esperam ansiosamente pela sua volta depois dos 3 anos de pena que deve cumprir. Danny raspa o cabelo, faz uma redação exaltando Hitler e seu livro, tatua uma cruz suástica no braço e odeio negros. Por quê? O exemplo do irmão basta para justificar todas essas atitudes.
Quando Derek sai da prisão ele vê o mundo de maneira diferente. Não acredita mais nessa bobagem de hegemonia racial e quer mostrar isso ao irmão, que está indo pelo mesmo caminho de seu passado. O filme tem um grande apelo emocional quando mostra a situação familiar. Mostra onde esse extremo de Derek levou. O quarto cheio de símbolos, fotos e frases que remetem às idéias de Hitler e as atitudes violentas e sem um motivo concreto acabam por desestabilizar a estrutura familiar.
O filme deixa claro, através do papel de Edward Norton, que essas gangues geralmente nem sabem o que realmente significa aquilo que eles dizem que acreditam. Como numa cena dentro da prisão: os skinheads, com os quais Derek se relaciona apenas se dizem skinheads, mas na verdade mantêm negócios com negros e hispânicos dentro da prisão. Isso contradiz todas as idéias de Hitler e do ideal branco. Eles seguem uma falsa ideologia. É como dizer que acredita naquilo apenas por achar bonito ou legal, mas não segue todas as regras a risca.
O filme tem um padrão na estética da imagem. Todas às vezes que as cenas mostram lembranças, histórias e acontecimentos passados as imagens estão em preto e branco. Quando assistimos ao tempo real da história temos a imagem colorida. No mais segue angulações e planos comuns. Quanto as atuações tiro o chapéu para os dois Edwards.
O filme não abusa de cenas de violência de maneira direta. O que mais choca ao assistir “A Outra História Americana” é o drama psicológico das pessoas que aderem ao grupo e a tortura psicológica a qual outras pessoas são submetidas pelos primeiros. Como, por exemplo, a cena em que os skinheads invadem um mercado – pode parecer idiota falar isso, mas é realmente triste ver a cena. E é bom deixar claro que o filme não aborda apenas o preconceito dos brancos. Os skinheads são o ponto de partida, mas outras gangues, como os negros, são tão preconceituosas quanto. Termina como uma briga entre gangues.
O preconceito racial é algo extremamente estúpido e sem fundamento. Isso não é apenas a conclusão da história do filme, mas é a conclusão mais lógica e plausível que qualquer ser humano no mundo que se preze deve chegar.

Assista ao trailer abaixo. Não tem legenda, mas tá valendo!

Por Fernanda Giotto Serpa

Os Três Pontos

2009-04-25T12:08:00.003-03:00

Continuando o trabalho, que envolve o filme “Os Infiltrados”, vou colocar aqui minha opinião sobre as três sequências principais do filme, que desenrolam toda a história. Quem ainda não viu o filme é melhor não ler, já que o texto contém algumas informações importantes sobre o final. A primeira sequência importante acontece logo no início do filme, depois que Frank Costello conhece Colin Sullivan, logo quando mostra Colin já adulto na Academia de Polícia. Isso acontece entre as cenas 10 e 35, com uma duração de aproximadamente 20 minutos.
Considero essa parte importante, pois é nela que o diretor mostra quem são os dois personagens principais do filme – os dois infiltrados. Ele coloca de maneira alternada ações da vida de Colin e de Billy, como se fizesse um comparativo. No início ambos tomam o mesmo caminho. Estudam na Academia de Polícia. Mostram os dois nas mesmas práticas: aula em sala, aula de tiro, exercícios. Dois personagens aparentemente muito parecidos, que estão num mesmo rumo. Mas logo após essa sequência da Academia vemos que eles tomam rumos bem diferentes. Ambos estão mais uma vez sendo comparados, mas agora estão num mesmo local com objetivos diferentes. Colin vai receber a promoção de Queenan e Dignam. Conversam de maneira educada, polida. Billy recebe insultos, pois foi banido da Academia por mau comportamento. Colin é o infiltrado de Costello na polícia. Billy passa a ser o infiltrado da polícia no grupo de Costello. Assim conhecemos os personagens principais do filme.
A segunda (entre as cenas 225 e 250) e a terceira sequência (entre as cenas 250 e 292) acontecem mais para o final do filme, mas ambas esclarecem para o espectador todas as tramas da história. A segunda cena se resume na captura de Costello. Colin descobre que Costello é na verdade mais um dedo-duro, ele entrega informações para o FBI. Logo, ele pode ser essa próxima informação de Costello. Como Colin sabe onde será a negociação de um carregamento de cocaína e tem contato com Billy, ele arma para cima de Costello – resolve fazer seu verdadeiro papel de policial, mas óbvio que para defender o lado dele. Colin acaba matando Costello para se defender. O bando inteiro de Costello morre e Billy está livre desse peso que é ser o infiltrado no grupo. Aparentemente a história acaba aí, mas isso não acontece, pois logo depois dessa sequência Billy descobre que Colin é o informante de Costello.
A terceira cena é aquela que fecha o filme. Billy encontrando-se com Colin. A cena mais surpreendente do filme, em minha opinião. Você não espera que ocorram todas aquelas mortes no final. Billy morre pelas mãos de outro informante de Costello que também está na polícia, que também mata o amigo de Colin que foi ajudá-lo caso Billy fizesse alguma coisa. E no final Colin mata esse outro informante, e Dignam mata Colin.
Tudo se resolve numa troca de tiros. Diga-se de passagem, uma conversa nesse meio com tanta corrupção não resolveria muita coisa. O importante dessa última cena é que ela pega o espectador de surpresa, ninguém espera aquela sequência de acontecimentos, mas quando processamos todas as informações notamos que definitivamente o filme acabou.
A última cena do filme é a visão da janela do apartamento de Colin, da onde vemos a Assembléia Legislativa. Na beirada da janela vemos um pequeno rato. Aparentemente estranho. Mas esse rato tem um objetivo, ele não é um mero figurante. Ele significa que os verdadeiros ratos, a verdadeira sujeira está lá, na Assembléia Legislativa. Boatos de que “Os Infiltrados” terá uma continuação e a trama se desenvolverá na Assembléia. Vamos ficar na espera...

Por Fernanda Giotto Serpa

Crime em Sparta

2009-04-24T15:11:00.004-03:00

“No Calor da Noite” é o ganhador do Oscar de Melhor Filme de 1967. O filme conta com a atuação de Sidney Poitier no papel principal Virgil Tibbs. A história se passa no estado do Mississipi, na cidade de Sparta, onde os habitantes conservam o preconceito em relação aos negros. Uma cidade sulista típica da época. Só por curiosidade, Poitier fez mais dois filmes no papel de Virgil Tibbs que são "Noite Sem Fim" (1970) e "A Organização" (1971).
Tudo está muito calmo na cidade, até que o policial Sam Wood encontra o corpo do Sr. Colbert jogado numa rua. Colbert era um figurão da cidade, um empresário cheio da grana que estava planejando implantar uma nova fábrica na cidade. Isso geraria emprego para os negros e suas famílias que trabalhavam nas plantações do algodão. O chefe de polícia Bill Gillespie manda seus empregados procurarem pela cidade qualquer pessoa estranha que esteja vagando por ali. Wood encontra Virgil Tibbs e o prende. Primeiro porque ele é negro, segundo porque sua carteira estava recheada de dinheiro e terceiro porque ele era um estranho sentado numa estação de trem durante a madrugada. Pra que investigar mais, certo?
Quando Wood traz o suposto assassino para delegacia Gillespie descobre que de criminoso ele não tem nada. Ele trabalha na Pensilvânia como perito em homicídios. Quem diria, um negro que tem um cargo melhor que o dele e ganha muito mais que ele. Gillespie precisou engolir o seu orgulho. E para piorar a situação o chefe de Virgil manda ele ficar na cidade para ajudar na solução do caso. E é aí que a trama começa, de suspeito em suspeito o branco e o negro juntos – com suas desavenças – vão atrás do culpado.
O mais curioso no filme é o papel de Gillespie, interpretado por Rod Steiger. No início a primeira impressão que se tem é que ele é muito antipático, e uma pessoa sem escrúpulos quando ele tenta prender Tibbs muito mais pelo preconceito do que pelas evidências. Mas depois você entende que esse racismo está tão incrustado na sociedade que a culpa não é diretamente dele. É mais uma questão de ensinamentos, educação. Eles nasceram aprendendo a não gostar dos negros. Com o passar do filme o papel de Rod Steiger é o mais simpático e engraçado. O ator, a pedido do diretor Norman Jewison, precisava mascar chicletes sempre que estivesse em cena. No começo ele não gostou muito, mas no final do filme foram 263 chicletes mascados. Do policial metido a besta, ele passa a ser um gordinho muito gente-fina. A relação dele com Tibbs passa a ser uma discreta amizade. É muito cômica a maneira como Gillespie se preocupa com Tibbs. Cômico também é o trocadilho que Gillespie faz, por provocação, com o nome de Virgil – Virgil lembra “virgin”.
Rod Steiger ganhou o Oscar de Melhor Ator pela atuação no filme. O filme também ganhou o Oscar nas categorias de Melhor Edição, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Som. Falando em som, a trilha sonora inteira do filme é de ninguém mais, ninguém menos do que Ray Charles. Muito jazz, country e gospel de alta qualidade e estilo. Aliás, indico também o filme “Ray”, com Jamie Foxx. A cinegrafia do músico sensacional, mas sem deixar de lado todos os seus problemas. Ganhou o Oscar de Melhor Som e Melhor Ator. Mas voltando ao filme, a trilha sonora cola certinho com o estilo do filme. É gostoso de ver e ouvir.
Em contrapartida à atuação de Steiger e Poitier muito dos outros atores acabam interpretando de maneira forçada, como o papel da menina de 14 anos, Delores Purdy. As falas não soam de maneira natural, dando a impressão de amadorismo por parte da atriz. O mesmo acontece com o personagem Harvey Oberst. Até agora não sei dizer se ele tem algum problema mental, ou se ele estava querendo fazer um papel de sacana.
Mas da mesma maneira a trama é boa, tanto pela maneira como ela se desenvolve como também pelos aspectos sociais em relação ao racismo que o filme expõe. E claro, não posso esquecer da excelente atuação de Rod Steiger como Gillespie e também de Poitier como Virgin. Ops, eu queria dizer Virgil.

Por Fernanda Giotto Serpa

Opostos

2009-04-23T17:54:00.003-03:00

A primeira impressão que se tem ao analisar os dois personagens infiltrados do filme, é que Billy Costigan, vivido por Leonardo Di Caprio, é o “bad guy”. Jeitinho de marrento, aparentemente metido a caloteiro, classe baixa e cheio de parentes com má fama na polícia. Já Colin Sullivan é aquele cara que toda sogra quer pra genro. Dedicado, estudioso, educado, muito polido. Jeitinho de que a mamãe passou talco na bunda.
Mas quando você começa a assistir ao filme e entender a trama você percebe que os papéis são inversos. Apesar de Billy não possuir bons exemplos vindo dos tios e ter esse jeito meio estourado é ele que é o cara que quer ver as coisas certas, acontecerem do jeito certo. Quer ver o bandido na cadeia sim. Inclusive se arrisca muito quando se infiltra no grupo de Costello, que é o tipo do cara que não vê problema algum em matar qualquer pessoa que o incomode, ou que venha atrapalhar seus planos.
Colin é o tipo exemplo na polícia. Aquele cara que se pode confiar. Ficha limpa, trabalhador, faz o que precisa fazer com esmero. Prova disso é o fato de Ellroy (Alec Baldwin) ter dado para ele a função de encontrar quem era o homem de Costello que estava infiltrado na polícia. Ele precisava procurar a ele mesmo. Irônico isso!
No início do filme, quando vemos Colin ainda criança, subentende-se que ele tinha dificuldades em casa. Durante o filme há poucas menções sobre a família de Colin. O pai era aquele homem que trabalhava duro, pra trazer o pouco que conseguia para dentro de casa. Quando menos esperava Colin encontra Costello, que o enche de comida, leite, gibis e pra não deixar o menino liso como está ainda dá algumas moedinhas, trocados. Pronto! A ambição é uma coisa difícil de conter, mesmo que seja numa criança. Para alguém que nunca teve nada e passa a ver a possibilidade de ter, começar ganhando uns trocados é um bom convite para amizade.
O coroinha Colin, aquele menino de boa índole, deixa-se levar por Costello. Descobriu sim o lado prazeroso da vida, que muitas vezes é o poder econômico que sustenta, mas também descobriu um lado sujo. Afinal, vivendo com um mafioso, que manda no crime organizado de Boston, é fácil descobrir qualquer tipo de sujeira que exista no mundo.
Já Billy é o tipo do cara que nasceu pra se dar mal. Na família nenhum tio, ao visto, se salva. Grande parte já se envolveu com a polícia, como o tio Jackie que era agente de apostas em um bar de veteranos, ou o tio Tommy Costigan preso por vender armas e outros desvios de conduta. Também tem um tio padre que acabou casando com um garoto de 12 anos e agora está na Tailândia. Que família adorável, hein? Por que Billy seria diferente? Talvez o pai seja a chave. O velho era humilde, trabalhava de carregador de malas num aeroporto. Nunca fez nada para ninguém, apenas trabalhou. A mãe, que morreu recentemente de câncer, irmã de todos os caras “gente boa” que eu citei acima, pode ter parte também na diferente educação de Billy – o filme não comenta explicitamente. A família Costigan conseguiu prestígio, graças ao crime organizado. Dignam o chama de “irlandês riquinho metido a besta”. A única coisa que Billy não quer é ter alguma relação com qualquer tipo de crime. Por isso ele quer ser um policial, para combater isso tudo.
Colin e Billy são extremos opostos. Analisando um pouco o trajeto de ambos, eles trocaram seus rumos. Cada um tornou-se o oposto do que deveria ser! E agora, na trama de “Os Infiltrados”, suas ações vão se cruzar de pontos diferentes. Billy, o policial que quer cumprir o seu dever da melhor maneira vai estar na pior ao lado de Costello. Já Colin, o mal-intencionado, infiltrado para corrupção, vai estar em seu luxuoso apartamento, conseguindo a promoção do ano e procurando ele mesmo. Trabalho difícil, não?

Por Fernanda Giotto Serpa

E o escolhido foi...

2009-04-23T14:51:00.006-03:00

Vamos então prosseguir com o trabalho. Depois do estudo sobre o diretor e uma bela sessão de cinema Scorsese (que aliás, ainda não acabou), escolhemos o filme: “Os Infiltrados”! Foram vários os motivos de tal escolha. Primeiro que o filme é atual, logo adaptar figurino e cenário fica mais fácil. O filme tem mais cenas de diálogo, diferente da maioria dos filmes do Scorsese que usa bastante figurantes. Não podemos deixar de citar que o filme foi o primeiro e único Oscar de Martin Scorsese - como diretor. E claro, o filme é realmente muito bom.
O filme ganhou além de Oscar de Melhor Diretor, Oscar de Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Edição. E foi indicado na categoria de Melhor Ator Coadjuvante com o Wahlberg. Essa é a terceira vez que Leonardo Di Caprio e Scorsese trabalham juntos. Di Caprio é o novo queridinho do diretor – ele já participou de “O Aviador” e “Gangues de Nova Iorque”. O papel de Jack Nicholson foi feito para Robert De Niro. De Niro chegou a assinar o contrato, mas não pode fazer o filme. Jack não aceitou de início, mas segundo dizem, depois de uma visita de Scorsese e Di Caprio, ele resolveu embarcar nessa. Ele diz que queria fazer um vilão, já que seus últimos filmes foram comédias. E tenho que concordar com meu irmão, De Niro é um gênio, mas Jack Nicholson ficou perfeito nesse papel de canalha! Matt Damon, para a preparação do filme, passou algumas semanas com a polícia de Massachusetts fazendo rondas e procedimentos policias de rotina. Foram 8 semanas de filmagem ao todo, 6 em Nova Iorque e 2 em Boston. Questões políticas e econômicas não permitiram que o filme fosse todo gravado em Boston, onde acontece toda a trama.
A partir de agora vou escrever sobre a história do filme. Caso você não tenha assistido ao filme seria bom você não ler, porque esse post vai ser um pouco diferente. Seguindo o protocolo vou contar a história inteira – começo, meio e fim.

Para você que não assistiu ao filme e não quer ler a história, dê uma espiada no trailer:

O filme é baseado no filme japonês “Conflitos Internos”. Jack Nicholson faz o papel do chefe mafioso irlandês Frank Costello. A polícia estadual, que conta com Mark Wahlberg no papel do detetive Dignam, Alec Baldwin como Ellerby e Martin Sheen como Queenan, tenta durante muito tempo acabar com o crime organizado em Boston. Costello não é um cara fácil de se pegar. Eis que entra na história Matt Damon, como Colin Sullivan, o protegido e tido como um filho para Costello. Na realidade o filme começa quando Colin e Frank se conhecem, quando Colin ainda era só um garoto. Detalhe que a polícia nada sabe desse relacionamento entre os dois. Frank criou Colin exatamente para isso. Fez ele estudar na Academia, se formar, entrar na polícia estadual e ser promovido, conseguindo um bom cargo para ser seu informante.
Do outro lado da história temos o marrento e encrenqueiro Billy Costigan, interpretado por Leonardo Di Caprio. Por se exceder em algumas brigas dentro da Academia ele foi banido e não conseguiu se formar. A única opção que Dignam e Queenan deixam para ele é se infiltrar no grupo de Costello. Somente os três saberiam sobre isso, Costigan não teria mordomias, mas seria um policial. E assim começa o filme. Dois infiltrados, um de cada lado. De maneira lenta e sutil Billy consegue se aproximar de Costello e fazer parte do seu bando, passando informações para a polícia, sobre locais de entrega de drogas ou outro tipo de crime. Engraçado é perceber como o personagem de Di Caprio transpira medo. O menino sem sal do Titanic anda se superando cada vez mais em papéis sérios.
Quando a polícia e o Costello percebem que há infiltrados entre eles, a polícia determina que Colin Sullivan ache o infiltrado, já que a ficha dele é impecável não teria porque suspeitar dele. Colin Sullivan se vê procurando ele mesmo. E do outro lado Costello tenta procurar entre seus “empregados” o verdadeiro infiltrado. Para Billy isso se transforma num verdadeiro circo de terror. Serve agora aquele velho ditado: se ficar o bicho pega, se correr o bicho come. Todos do bando de Costello precisam colocar num papel informações pessoais, números que Colin possa usar no banco de dados da polícia que acusem o infiltrado. Todos os dados, menos o de Billy, que finge ser marrento e ofendido, vão para as mãos de Colin. Um envelope escrito “CITIZENS”. A polícia só pede calma da parte de Billy, e Costello pede agilidade da parte de Collin, que sempre desvia a atenção dos policiais quando alguma informação verdadeira sobre os crimes do mafioso irlandês cai nas mãos da polícia.
O filme se mostra inteligente pela maneira como ele é montado. Precisa prestar muita atenção nos detalhes, porque pode ser capaz de você começar a confundir quem é o mocinho e quem é o bandido da história. E como já era de se esperar violência é o que não falta nesse filme. E também uma mulher, psicóloga da polícia que começa a namorar com Matt Damon, mas acaba conhecendo Di Caprio no seu consultório. Claro que rolou um triângulo amoroso.
Essa situação de gato e rato começa a se definir quando Colin manda seguir Queenan, afirmando (lógico que mentindo) que ele pode ser o infiltrado de Costello. Realmente, Colin não tem nada de burro, ele sabe que uma hora ou outra Queenan vai se encontrar com o infiltrado. E isso realmente acontece. Quando os próprios policias passam o endereço do encontro ( e começam a achar que Queenan é o infiltrado mesmo) Colin liga diretamente para os homens de Costello avisando que Queenan está em determinado endereço com o infiltrado. Todos do bando são acionados, inclusive Costigan, mas deram para ele o endereço errado. O número do lugar era 344, e passaram para ele 314.
Matt Damon manda os seus homens recuarem, mas eles não obedecem e acabam ficando no local e dando de cara com os bandidos. Uma grande troca de tiros acontece. Billy consegue escapar e Queenan é atirado do telhado e cai aos pés de Billy que já estava no térreo para se encontrar com os outros. Mas, um detalhe, o policial que ligou e deu o endereço errado para Billy também era um policial infiltrado. Ele estava apenas tentando identificar no grupo quem era o infiltrado. Já havia suspeita, com isso ele a confirmou, mas morreu no tiroteio. Sorte de Billy mais uma vez, nada vazou daquela operação. Logo, ninguém suspeitou dele, e depois saiu nos jornais que o tal homem que morreu era um infiltrado.
Mas Colin não está tão certo de que o homem que morreu era o único infiltrado. Quando Queenan morre Dignam é afastado temporariamente do cargo. Ele era a pessoa que tinha menos simpatia por Colin, e sempre estava com um pé atrás em relação a ele. Em seguida Di Caprio consegue a informação de que Costello poderia ter uma relação com o FBI. Essas coisas de uma mão lava a outra, entende? Colin não gosta nada disso, pois sabe que Costello pode muito bem se livrar dele entregando-o a polícia. Afinal, essa historinha de “gostar como um filho” é balela. Costello apenas precisava de alguém lá dentro, e Colin serviu muito bem para o serviço.
Assim que Billy consegue uma informação quente ele avisa a polícia. Na verdade ele avisa o Colin, que está agora com o celular do Queenan. Billy nem suspeita que Colin é o infiltrado de Costello. Ele também recebeu a função da polícia para achá-lo. Apenas conseguiu segui-lo algumas vezes, mas nunca viu seu rosto. Colin, que sente-se agora ameaçado por Costello, resolve se dar bem. Avisa os policiais sobre a informação de carregamento de drogas e vai junto para finalmente capturar Costello.
E isso acontece! A polícia pega Costello com a mão na massa, e no final quem mata Costello é Colin, que confirmou o fato de que o seu “pai” tinha uma ligação com o FBI e pretendia, futuramente, entregá-lo a polícia. Quanta sujeira!
E você que pensa que o filme acaba por aí! Matt Damon já sabe que Di Caprio é infiltrado, mas Di Caprio nada sabe sobre Matt Damon. Ele acha que ele é apenas um bom policial. Billy não quer mais saber da polícia, chega de emoções para ele. Ele só quer pegar com Colin seus documentos de volta e ter uma vida normal. Nesse meio tempo, no escritório de Colin, Billy vê nada mais, nada menos que o envelope com o nome de todos que faziam parte do grupo de Costello. Pronto! Ele já sabe quem é o infiltrado. Assim que Colin percebe a confusão, apaga todos os dados de Billy. Ele não é mais ninguém dentro da polícia.
Billy sai dali e planeja cuidadosamente o encontro dos dois. Deixa um envelope com todas as gravações das conversas entre Colin e Costello que o próprio Costello gravou, que surpreendentemente deixou para Billy, e o entrega para o amor que ambos têm em comum – a psicóloga. Liga para Colin e pede pra ele se encontrar com ele no mesmo endereço onde Queenan foi morto. Colin precavido deixa um amigo da polícia avisado sobre o que vai acontecer. Assim que eles se encontram, Billy o rende e quer satisfações. Mas o amigo de Colin chega, a única solução para Billy é ir para o elevador com a arma apontada para cabeça de Colin. Essa com certeza é uma das cenas mais inesperadas. Assim que o elevador chega no térreo, eles são surpreendidos por um outro infiltrado de Costello na polícia que dá um tiro na cabeça de Billy, e mata o outro amigo de Colin.
Colin para se defender - já que o outro infiltrado era o único a saber de sua identidade - o mata também. É uma matança geral, tudo para se defender. Mas Colin, não passa impune. A namorada sabendo de todas as falcatruas que ele fazia na polícia e sabendo que ele matou Billy (uma pessoa que ela queria bem demais, hein) o deixa. No final resta Mark Wahlberg, como Dignam que mata Colin no seu apartamento!
Ufa! Haja fôlego, hein? O meu texto aqui conta basicamente o que é a história (apesar de ser longo)! Mas nada como assistir ao filme, nos seus mínimos detalhes e se surpreender com as reviravoltas e saborear as cenas de ação!

Mais tarde eu volto com o perfil dos personagens de Matt Damon e Leonardo Di Caprio. Ou será que faço Mark Wahlberg e Jack Nicholson??? Veremos...

Por Fernanda Giotto Serpa

Além das Sobrancelhas

2009-04-21T18:11:00.014-03:00

Primeira observação: Scorsese com certeza é um diretor meticuloso, perfeccionista e aparentemente muito ansioso - não sossega enquanto não tem tudo sob controle. Sabe aquele jeito “precisa ser do meu jeito?”, mais ou menos assim! Isso eu pude perceber no filme “The Rolling Stones – Shine A Light”. Ele não sossegou enquanto ele não estava com a lista das músicas que tocariam no show. Detalhe que a banda só entregou a lista minutos antes do show começar. Não esperaria atitude diferente de uma banda na qual Mick Jagger e Keith Richards fazem parte.
Natural de Queens, em Nova Iorque, Martin Scorsese nasceu em 17 de novembro de 1942. É de uma família italiana (será que é por isso que ele adora a máfia?), e terminou o curso de Cinema da Universidade de Nova Iorque aos 22 anos. Desde estudantes seus curtas já começaram a fazer sucesso, e antes de se formar o diretor Roger Corman o convidou para dirigir “Sexy and Marginal”, em 1972. Grande menino prodígio, hein? A partir da década de 70 só deu Scorsese. Ele conseguiu entrar no “clube” dos grandes cineastas hollywoodianos através de seus filmes pautados em boas histórias, temas profundos – muitas vezes sobre violência urbana – e personagens marcantes (o que melhor para exemplificar isso do que De Niro em Táxi Driver). Aliás “Táxi Driver” foi responsável pelo quase assassinato do presidente Ronald Reagan. O jovem aspirante a assassino disse que fez aquilo por estar obcecado pela personagem de Jodie Foster no filme – ela ganhou o Oscar de Melhor Atriz pela personagem.
E para muitos que não sabem, o cinema quase perdeu Scorsese para a batina. Isso mesmo! Scorsese antes de ser cineasta queria ser padre. Ele sempre quis influenciar as pessoas de alguma maneira. A religião sempre foi um modo de conseguir isso, mas quando descobriu o cinema, por que não? Mas ele não ignorou simplesmente o lado religioso. Essa vocação dele, as indagações e questionamentos em relação à Deus resultou num dos filmes mais polêmicos da história do cinema: “A Última Tentação de Cristo”. A história mostra como seria o mundo caso Jesus Cristo tivesse se rendido a tentação.
Martin sempre deixa seu ponto de vista pessoal, suas idéias e crenças nos seus filmes. Ele também deixa seus parentes por ali. Isso mesmo, alguns fazem pontinhas especiais em seus filmes, como a mãe Catherine que faz o papel da mãe de Joe Pesci no filme “Os Bons Companheiros”.
Scorsese é considerado por muitos um dos melhores diretores americanos, ainda vivos, que está na ativa. Seus filmes geralmente são sucessos, mas só em 2007, com o filme “Os Infiltrados” que ele conseguiu faturar o Oscar de Melhor Diretor. Também pudera, ninguém mais agüentava esse chove e não molha. Scorsese parou no “quase” várias vezes, sendo mais especifica foram 6 indicações, com apenas 1 prêmio. Em 1980 com ‘Touro Indomável”, 1988 com a “A Última Tentação de Cristo”, “Os Bons companheiros” em 1990, Gangues de Nova Iorque em 2002, “O Aviador” em 2004 e finalmente “Os Infiltrados” em 2006. Valha-me Deus. O esforço foi grande, mas finalmente vimos Scorsese receber o tão esperado prêmio e vindo da mão dos grandes Coppola, George Lucas e Steven Spielberg.
Brian De Palma foi o responsável pela grande parceria entre Scorsese e De Niro. Ele que os apresentou. Através de uma relação íntima baseada em muita amizade Robert De Niro participou de 7 grandes projetos lançados por Scorsese. 7 grandes filmes e 7 grandes sucessos. Foram eles: “Caminhos Perigosos”, “Táxi Driver”, “New York, New York”, “Touro Indomável”, “O Rei da Comédoa”, “Os Bons Companheiros” e “Cassino”. Parceira boa essa! Toda a experiência e capacidade de De Niro unidos com a genialidade e meticulosidade de Scorsese. “New York, Nem York” talvez não tenha arrebentado tanto assim, a crítica o considerou meio indigesto. Mas enfim, nem tudo sai como a gente quer!
Em “Cassino” e “Os Bons Companheiros”, filmes aos quais assisti recentemente, nota-se a importância que se dá a cada cena. Tudo é realmente pensado, nada é feito por acaso, principalmente nas cenas de violências. “Cassino”, por exemplo, teve que passar por uma leve censura. Uma das cenas em que Joe Pesci bate a cabeça de um homem num vaso até que seus olhos saltem precisou ser retirada do filme. Sem falar que a palavra “fuck” é dita 362 vezes no filme.
O importante que deve ser ressaltado em relação ao diretor Scorsese é a relevância temática na qual a maioria de seus filmes está envolvida e a naturalidade com a qual tudo deve acontecer – desde os diálogos e interpretação até a produção da cena. “Cassino” mostra a Las Vegas dos anos 70 dominada pela Máfia, e que depois que todo esse esquema acabou Las Vegas não passou de mais uma Disneylândia, como o personagem de Robert De Niro encerra o filme. “Os Bons Companheiros” conta a história verídica de Henry Hill, que também está toda num contexto mafioso da época. Filmes de máfia são os meus preferidos, e Scorsese consegue colocar para a câmera todo o contexto e atitudes dos personagens.
E o que falar da trilha sonora! Já comentei anteriormente que considero trilha sonora imprescindível para dar continuidade e movimento ao filme. Isso é o que não falta nos filmes de Scorsese. Grandes nomes são usados por ele, como Rolling Stones (não é por acaso que ele fez um filme com os caras). Vários filmes contem músicas da banda, músicas que dão ritmo e significado às cenas. Scorsese pensa em tudo, nos mínimos detalhes.
Confesso que estou um pouco preocupada com o exercício de reconstruir uma cena de seus filmes. Seus ângulos são muitas vezes complicados, ângulos diferentes, câmeras que se movimentam o tempo todo. A dinâmica é muito presente. Sem falar na contextualização de seus filmes. Outra coisa que é impossíve de não observarmos é que em muitos de seus filmes Scorsese usa a voz de seus personagem em off, narrando a história, contextualizando.
Scorsese tem muitas vezes o costume de fazer pequenas pontinhas nos seus filmes. Ele aparece em vários como, “Táxi Driver”, “A Cor do Dinheiro”, “Touro Indomável”, “Caminhos Perigosos”, “Época da Inocência”, etc, etc, etc. E quem não lembra dele na animação “O Espanta Tubarões”? As sobrancelhas o denunciam!
Mas não podemos ficar somente levantando a moral de Martin. Todo diretor tem seus dias ruins, projetos ruins e filmes ruins. Como Scorsese é um cara normal isso também aconteceu com ele. Eu ainda não assisti, mas dizem que “Kundun” apenas serviu para que Scorsese não pudesse mais pisar em solo chinês. “Vivendo no Limite” como Nicolas Cage foi também um filme que não lhe rendeu boas graças. Pode-se dizer que é um filme morno. E, na minha opinião, “O Aviador”, por mais que tenha recebido 11 indicações ao Oscar, é um filme pra lá de cansativo, monótono e chato. Mas cada um é cada um. Boatos que a produção de “Gangues de Nova Iorque” superou os gastos permitidos e que Scorsese era tão chato e perfeccionista que nem os atores estavam mais agüentando o ritmo imposto pelo diretor. Dizem que ele devolveu os 6 milhões de dólares que excedeu dos gastos permitidos.
Com erros e acertos Scorsese se fez no cenário do cinema internacional. Tem nome e a marca do seu estilo. É fã de Glauber Rocha, Rolling Stones, tem sobrancelhas marcantes, dirige filmes polêmicos, investe no psicológico de seus personagens, gosta da máfia italiana e tem uma grande parceria com Robert De Niro. Mas principalmente ele valoriza temas, contextualizações e polêmicas que venham influenciar na vida real e para todos aqueles que assistam aos seus filmes.
Durante as próximas postagens muitas serão dos filmes do Scorsese. To numa sessão de cinema só dos filmes do Scorsese! Até a próxima então, quero ver se hoje consigo ainda dar conta de dois filmes!

Eu havia esquecido da filmografia do diretor, mas agora tá ae!

2008 - The Rolling Stones - Shine a light (Shine a light)
2006 - Os infiltrados (Departed, The)
2004 - O aviador (Aviator, The)
2002 - Gangues de Nova York (Gangs of New York)
1999 - Vivendo no Limite (Bringing out the dead)
1997 - Kundun (Kundun)
1995 - Cassino (Casino)
1993 - A Época da Inocência (The age of innocence)
1991 - Cabo do medo (Cape Fear)
1990 - Os Bons Companheiros (Goodfellas)
1989 - Contos de Nova York (New York Stories)
1988 - A Última Tentação de Cristo (The last temptation of Christ)
1986 - A Cor do Dinheiro (The color of money)
1985 - Depois de Horas (After hours)
1983 - O rei da comédia (The king of comedy)
1980 - Touro Indomável (Raging Bull)
1978 - O último concerto de rock (The Last Waltz)
1977 - New York, New York (New York, New York)
1977 - American Boy
1976 - Taxi Driver - Motorista de Táxi (Taxi Driver)
1974 - Alice Não Mora Mais Aqui (Alice doesn't live here anymore)
1973 - Caminhos Perigosos (Mean Streets)
1972 - Sexy e Marginal (Boxcar Bertha)
1970 - Street Scenes (Curta-Metragem)
1968 - Who's That Knoking At My Door (Curta-Metragem)
1967 - The Big Shave (Curta-Metragem)
1964 - It's Not Just Murray (Curta-Metragem)
1963 - What's a Nice Girl Like You Doing In a Place Like This (Curta-Metragem)

Por Fernanda Giotto Serpa

Mais um fim do mundo

2009-04-19T15:41:00.003-03:00

Presságio com Nicolas Cage e Rose Byrne é mais um daqueles filmes de fim do mundo. Podemos citar vários: Armageddon, O Dia Depois de Amanhã, Guerra dos Mundos, Impacto Profundo, etc, etc, etc. Geralmente tudo começa nos Estados Unidos, onde será o primeiro lugar afetado. Nesse filme isso não é diferente. O que muda na história é que “Presságio” é muito mais do que um filme de aventura, em busca de uma solução para evitar a catástrofe. Há partes de suspense realmente muito boas. E o final é surpreendente. Não vemos isso acontecer em qualquer filme hoje em dia. Não se preocupem, não vou contar o final do filme.
O filme começa com a personagem Lucinda Embry (Lara Robinson). Ela dá uma idéia para a inauguração da escola na qual estuda: construir uma cápsula do tempo com o objetivo de que as crianças façam desenhos imaginando como será o futuro dali 50 anos, e após esses 50 anos a cápsula será reaberta pelas crianças daquele tempo que terão acesso aos desenhos do passado. Lucinda não faz nenhum desenho, apenas escreve números aleatoriamente num papel, ditados por sussurros de pessoas que ela não vê.
Após 50 anos esse papel vai parar nas mãos do filho de John Koestler (Nicolas Cage), o pequeno Caleb Koestler (Chandler Canterbury). John que é professor de astrofísica percebe que não são apenas números, mas datas e números de mortos de grandes tragédias mundiais. Faltam apenas três datas que ainda não foram concretizadas. John sente que seu filho corre perigo e precisa fazer alguma coisa. Então ele conhece Diane Embry (Rose Byrne), filha de Lucinda que tem uma filha chamada Abby. Abby e Caleb dizem ouvir sussuros. Durante o filme, pessoas estranhas e pedrinhas pretas aparecem e ao final dão um significado ao filme.
A última data não está acompanhada do número de mortos, mas sim de duas letras “EE” invertidas. John precisa descobrir o mistério, para salvar o seu filho, que é a única coisa que lhe resta após a morte da esposa em um trágico incêndio – que, por sinal, estava previsto na lista de Lucinda. John um homem descrente, que acredita que tudo no mundo é por acaso, que não há forças superiores e nem um porquê de estarmos aqui, vai precisar rever seus conceitos e tentar entender porque Lucinda conseguiu prever as tragédias do futuro.
O que achei atrativo na história foi o fato de começar no ano de 1959. A atmosfera de suspense, muitas vezes nos fazendo lembrar filmes como Mistério da Libélula e A Última Profecia, nos remetendo ao lado espiritual, funciona para prender o espectador. A menina Lucinda também alimenta certa curiosidade. Por que a menina? O que aconteceu com ela após aquele dia de 1959? São perguntas respondidas rapidamente na sequência do filme, mas que não estragam com o suspense do final.
Quantos aos efeitos especiais são poucas cenas (que não posso comentar aqui, caso contrário, estrago o final do filme) que deixam a desejar. Uma das melhoras é a cena do avião. A primeira tragédia que está para acontecer e que acontece quando John está próximo ao local. O avião cai próximo as pessoas, e no cinema o barulho ganha uma amplitude tão grande que você leva um susto mesmo sabendo o que vai acontecer naquela cena.
Nicolas Cage, que ultimamente não anda fazendo bons filmes, até que não errou em aceitar esse convite de atuar em Presságio. Dos últimos, esse é o melhor. Só o seu cabelo que não há jeito de deixar melhor! O filme não pode ser considerado espetacular, mas pra quem não se preocupa em perder tempo assistindo filmes, Presságio é um bom passatempo. Assista ao trailer:

E antes de ir embora escuta só essa: Van Damme e Steven Seagal vão estrelar seu primeiro filme juntos. Van Damme recusou o convite de Stallone para participar do filme “Os Mercenários”. Mas esse novo filme não foge muito da proposta do filme que está sendo gravado aqui e dirigido por Stallone. Damme e Seagal fazem os dois melhores assassinos do mundo (aiaiaia...). Seagal é especialista em armas de fogo e Damme sabe fazer qualquer coisa com uma faca. Eles se unem para acabar com um chefão do tráfico de drogas nos EUA. As gravações começam em julho. O filme será gravado no Novo México e em Vancouver. Acho que os diálogos entre os dois podem render algumas risadas!
Bom, por hoje é isso pessoal! Tenho muitos filmes do Scorsese para ver esse feriado. Aliás, nossa agência escolheu o Scorsese como diretor, para escolhermos um filme dele e reconstituir uma cena desse filme. Logo, logo algumas informações aqui no blog sobre Scorsese!

Por Fernanda Giotto Serpa

Animação de Alusões

2009-04-16T18:48:00.009-03:00

Como já falei, adoro animação! Fui ao cinema hoje assistir Monstros vs Alienígenas. Esperava mais do filme, em alguns momentos chegou a dar sono. O trailer é muito engraçado, pena que todas as partes realmente engraçadas do filme estão ali, e num contexto muito mais divertido.
Vou falar rapidamente da história. Um meteoro contendo uma substância importante para o alienígena Gallaxhar cai na Terra e atinge Susan Murphy. Ela vira uma mulher gigante e vai para um confinamento secreto de monstros mantido pelo governo americano. Lá ela conhece o Dr. Barata, que faz uma alusão ao filme “A Mosca”, o Elo Perdido (meio lagarto, meio peixe), B.O.B (uma massa gelatinosa) e um inseto gigante chamado de Insetossauro. Quando Gallaxhar chega a Terra para buscar o que ele quer, a única força capaz de destruí-los são os monstros. E então, eles entram em ação.
As melhores piadas do filme são aquelas direcionadas ao presidente dos EUA. É uma sátira direta ao estilo de governo americano. Mas isso muitas crianças não entendem, é uma piada para adulto. Eu assisti ao filme dublado, talvez legendado seja mais engraçado, já que o elenco conta com Seth Rogen, Hugh Larie (um doutor interpretando outro), Will Arnett e Reese Witherspoon. Todos os personagens foram inspirados em filmes de monstros antigos. Citei acima a inspiração no filme “A Mosca”, mas temos também a inspiração no “Monstro da Lagoa Negra”, “Ataque da Mulher de 15 Metros” e “Godzilla”. É fácil de perceber que são todos filmes numa faixa “B”, mas que são bem adaptados. De maneira discreta faz alusão também ao filme “Cloverfield” e ao filme “E.T. – O Extra-terrestre” de Spielberg – num míssil está escrita a frase “E.T. GO HOME”.
A animação é o primeiro trabalho 3D da DreamWorks Animation. Tratando-se de qualidade técnica não há o que criticar. O filme é muito bem produzido. Eu como gosto de trilha sonora, senti um pouco de falta disso no filme. Uma música sempre levanta o espectador e o chama para a telona, como na parte em que o presidente americano começa a tocar uma música no teclado com a intenção de manter contato com o alienígena. Não sei bem ao certo qual o nome da música. É conhecida e acaba criando uma proximidade com o espectador. E a música não é tocada por acaso, pois essa mesma música faz parte da trilha sonora do filme “Contatos Imediatos de Terceiro Grau” do Spielberg também. Confira a cena e a música:

Bom, talvez não tenha sido um bom dia para eu assistir a filmes engraçados. Vou assistir novamente ao filme quando chegar em DVD. Espero que na próxima eu dê boas risadas!
Mudando de assunto, saiu agora no Omelete as estréias da semana. Repasso-as aqui pra vocês:
Ø Anjos da Noite: A Rebelião
Ø A Montanha Enfeitiçada
Ø Sinédoque, Nova Iorque
Ø Evocando Espíritos
Ø A Fronteira da Alvorada
Ø Honeydripper – do Blues ao Rock
Ø Divã
Ø Mataram Irmã Dorothy

Confira ao trailer em inglês do filme Monstros vs Alienígenas. Preste atenção no B.O.B, a meleca azul, quem interpreta é Seth Rogen. A atuação dele como dublador é muito boa. Talvez seja realmente mais engraçado assistir ao desenho legendado!

Bom, é isso pessoal. Hoje o negócio foi rápido e direto! Até a próxima, e vamos ver se rola um cinema domingo!

Por Fernanda Giotto Serpa

Quanto custa este diamante?

2009-04-15T21:57:00.007-03:00

“Você compraria um diamante sabendo que ele custou as mãos de alguém?” Essa é uma das frases ditas no filme "Diamante de Sangue" que tem como pano de fundo uma guerra civil em Serra Leoa há não muito tempo atrás. Eu pessoalmente não lembro mais quem foi que disse essa frase, mas ela tem ligação direta com um dos pontos que o filme critica: os (sujos) meios justificando os (luxuosos) fins. A busca incessante de uma rara e preciosa pedra de diamante é praticamente o título que envolve toda a ação do filme. Mas para mim, acho interessante que essas críticas que o filme aborda como a violência e o dinheiro acima de tudo, esconde alguns outros valores que acho que deveriam ser a verdadeira moral da história. Desde o começo é possível ver o poder da simplicidade nos personagens, valores como o familiar apesar de ofuscados pela ação frenética do filme, estão a todo tempo lá: Enquanto Danny Archer (Leonardo Dicaprio), um ex-mercenário, está disposto a dar a própria vida pela “insignificante” pedra de diamante, Solomon Vandy (Djimon Hounsou), um humilde pescador que é forçado a entrar nesta guerra, está no mesmo barco, mas pelo filho que lhe restou. Logo no início é possível ver uma situação que confronta o valor do dinheiro, onde apesar de precárias as condições de vida de Solomon e sua família, são claras e visíveis a esperança e a união que existe entre eles.

Então na minha opinião, a moral da história está como sempre nas questões mais simples e humildes, que são facilmente escondidos na crítica da maliciosidade e da corrupção de valores que o dinheiro faz ao ser humano.

Destaque também para a atuação de Leonardo Dicaprio, que foi na minha opinião, bem melhor do que naquele filme do navio lá..

Por Igor Shiota